Giovan Battista Armenini cultivó el arte de la pintura antes de dar sus votos a Dios en el sacerdocio, de él solo queda una "Asunción" en Faenza, la tierra que lo vio nacer.
En Ravena, en el año de 1587, publicó: "Sobre los verdaderos preceptos de la pintura", ahí escribe sobre las técnicas en la pintura y las diversas escuelas italianas. En unos puntos parece contradecir la fuente del naturalismo puro, él no la cita como la más grande entre todas las fuentes, se queja de su imperfección y de manera directa nos lleva al idealismo manierista.
Le da importancia el aprender de las diversas formas de ver y expresar, mensaje muy contradictorio a los postulados de Leonardo.
El mensaje del maestro Giovan tiene un mensaje muy actual si se le pone en otro contexto.
Hay que recordar que los grandes como Velázquez (estilo barroco) o Rafael (el clásico), inspiraron sus obras en la naturaleza, no en el trabajo de otros, pero, no obviemos que el mirar lo que hicieron los grandes maestros ayuda a superar caminos difíciles en los primeros pasos, pero de ahí a copiarlos...En ese caso hay que seguir solo a los titanes del arte, me refiero a: Durero, Rafael, Rembrandt, Velázquez, Leonardo y William Turner, ellos "casi siempre" dicen la verdad.
¡Ten mucho cuidado! los vicios, en el arte, también se aprenden.
En lo de hacer esculturillas de lo que vas a pintar si que es un trabajo y ejercicio formidable, así tu cerebro relacionará de manera más correcta el objeto tridimensional con la pintura bidimensional que vas a realizar. El pintor debe cultivar la escultura como segundo oficio.
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Unas palabras del maestro Giovan Battista Armenini:
Los modelos naturales no bastan.
Los pintores ganan gran provecho en viajar por varios países como hacen, porque así ven pinturas muy distintas y estilos raros de obras fantásticas y nuevas, con lo que su espíritu cobra seguridad y se enriquece de muchos nobles conocimientos referentes tanto al desnudo como a una vasta variedad de temas.
Y no sirve objetar que los modelos naturales son suficientes en cada caso, que pueden hallarse en cualquier parte y que un pintor que demuestre saber imitarlos puede ser considerado bastante diestro. Esto no será tan fácilmente concedido, porque entre nosotros, los artistas, es cosa bien sabida que el uso de modelos vivientes, si no es ayudado por un estilo vigoroso basado en los antiguos, sólo reporta desprecio para el pintor que en todas sus obras se fía de ellos. Después de un repetido examen de muestras de la escultura antigua, hemos llegado a la conclusión de que la naturaleza, decayendo continuamente desde las edades primitivas, ha llegado a ser tan tosca y chapucera que ahora resulta difícil —incluso después de inspeccionar un gran número de personas —Hallar un cuerpo o un miembro de tal calidad que pueda ser aprobado sin enmiendas por un artista competente.
Cómo adquirir una buena manera de la pintura.
Hay dos procedimientos muy seguros para aprender la manera que hemos dicho: uno es copiar asiduamente las obras de varios buenos artistas; otra, aplicarse sólo a uno que sea de primerísimo rango. Si sigues el primer método, una regla general y universal es copiar siempre las mejores obras, las de mejor técnica y las más próximas a la buena escultura antigua. Gracias a un continuo estudio te habituarás a sus formas y la dominarás tan completamente que podrás poner a contribución uno o dos de sus motivos composicionales en cada una de sus obras...
Debemos concluir, pues, que además de buscar los objetos naturales mejores y más perfectos, debes completarlos con una buen manera y con ésta ir tan lejos como creas suficiente, porque, en cuanto hayas combinado una buena manera con un buen modelo natural, podrás hacer una composición de sobresaliente belleza.
La utilidad de modelos de bulto
Es una antigua y muy loable costumbre de los mejores pintores que, cuando reciben el encargo de nobles e importantes obras, una vez han trazado el plan de la composición, se ponen a la tarea empezando por hacer muchas figuras en escultura y a veces hasta grupos enteros con las mejores posiciones y la mayor corrección posible en las medidas. La mayoría de los pintores las hacen de los mismo tamaños y formas con que piensan reproducirlas en su obra definitiva, y en verdad que ello les cuesta no poco trabajo, aplicación y tiempo, pues se ven obligados a empeñarse en un tipo de trabajo que es ajeno a su profesión, excepto en lo concerniente a esas figuras. Lo hacen tanto para estudiar los escorzos y el sombreado en los puntos que puedan serles dudosos, como para comprobar algunos otros detalles inherentes a las composiciones de figuras múltiples.
Giovan Battista Armenini
El dibujo contemporáneo
El arte de dibujar en estos tiempos no solo es recrear la forma de la manera más conveniente desde un punto de vista académico. Si bien es verdad que el ser conocedor del contorno y el volumen ayuda, esto no significa que uno ya sea un artista. La verdadera razón del arte está en decir lo que uno siente, para ello cualquier recurso es válido.
Muchos artistas, indiscutiblemente merecedores de estar en la historia del arte, ni siquiera sabían dibujar a la manera académica. No creo que a Munch o Van Gogh les hubiera interesado de sobremanera, eso no les quitó para nada su grandeza, más bien creo que justamente esa es su grandeza: "hablar" a su manera.
Ejercicio:
Sin ninguna preocupación de hacer "bonito" tu trabajo, visualiza una emoción, no una imagen necesariamente, una emoción. Como las emociones suelen escapar a la forma y al tiempo no te detengas si es que sientes que en el proceso nuevas cosas se te ocurren. Lo importante es liberar tu cohibición.
Cuando uno trabaja a la manera académica uno debe mirar la forma como si fuera un mapa, imaginar que si uno falla en ese contorno puede provocar una guerra entre naciones. Cuando dibujas de manera espontánea solo debes dejarte llevar, imaginar que estas frente a una mujer muy experimentada (si eres hombre) o frente a un hombre de mundo (si eres mujer) y que solo quieres conseguir afecto y dicha: Si eres niño, imagina que estas comiendo un helado y no debes parar, porque si lo haces tu mamá te lo quitará. Bueno, en verdad los niños no necesitan de este ejercicio porque ellos siempre pintan con emoción y felicidad, no para quedar bien, lo hacen de manera espontanea. Así que si eres un adulto recuerda como dibujabas de niño.
La idea no es hacer un mamarracho. Lo que se quiere es que plasmes una emoción, y esa emoción tiene una forma, recuérdalo: "Las emociones tienen forma y esa forma solo tú puedes darla." Si otro quisiera recrear una emoción similar es casi seguro de que la forma que recree será diferente (partiendo del hecho de que no ha visto tu trabajo, simplemente el mandato de recrear una emoción) . Es a lo que yo llamo matices emotivos, o razones armónicas.
Diseñando la cabecera de tu blog
Primero hay que decir que en gustos y en colore no han escrito los autores, sin embargo hay unas pautas que pueden ayudar.
Los que visitan este blog se habrán dado cuenta que le he dado vueltas varias veces al asunto, desde propuestas muy personales hasta cosas de experimento indebido, pero justamente gracias al experimentar uno puede llegar a aprender. Este por ejemplo es en base a un trabajo del gran maestro Bosco, pero luego pensé que era faltar respeto usar la imagen de un santo para mis fines y propias búsquedas.
Así que trabajé en algo más propio, pero me excedí en lo personal, puse un retrato que le hice a mi esposa y un dibujo que representa mi soledad (yo soy el ogro)
Un amigo mío me dijo que estaba re-mal, muy personal, y que no le agradaba para nada, a mi me gustó porque se trataba de un drama personal. Como ustedes saben ahora me encuentro encadenado y mudo por una performance que estoy realizando...ustedes ya saben: 666días sin hablar ni una sola palabra y encadenado del tobillo. Así que mi amigo me presentó un trabajo más mínimal, purista:
Por desgracia ese logo con fondo claro fue diseñado para una página de fondo claro, el logo resaltaba demasiado y daba la ilusión de un pega-pega, así que no hubo más remedio que cambiar el fondo del logo y variar los tonos más hacia el oro:
Y con ese logo diseñar el trabajo final, en un comienzo pensé en hacerlo purista, pero luego me dije: " no todos los que visitan este blog hablan castellano", pero lo desarrollé de igual forma:
y de ahí procedí al trabajo con referencias de materiales de arte y un fragmento de una escultura que hice el año pasado, y el resultado fue este:
Con esto no quiero decir que es la mejor de todas las anteriores, pero para mi resulta claro en sus finalidades y a pesar de los elementos añadidos esta cabecera sigue siendo sobria.
Un fuerte abrazo y gracias por visitar el blog, hasta la próxima clase.
El origen de la creación
Boceto para la última cena - por Leonardo da Vinci
Entre los conocimientos necesario para realizar el proceso creativo está la estética, sin embargo este conocimiento pude ser obviado si el creador tiene un instinto holístico innato de su entorno, denominado como "talento innato"
NO se puede expresar nada si no existe un motivo directo o indirecto. El motivo directo nace de la vivencia propia, y el indirecto de lo aprendido con la ayuda de un mediador. En ambos casos se establece una sucesión: Estímulo detonante interno o externo, diálogo emotivo o analítico del artista con su propio yo, trabajo mecánico o proceso de ejecución. La grandes obras arte tienen por cualidad un diálogo emotivo y analítico universal, es decir que una gran obra de arte tendrá por resultado un mensaje entendible por una gran cantidad de conciencias.
No sabes todo lo que amo —¿cómo saberlo? ( 621 - 666 )
—¿Cómo saberlo?
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