El desorden genera suciedad, el orden te dará luz. Es muy importante pensar en la evolución de los colores y planos. Tienes que imaginar dentro de tu mente cómo quedará el cuadro desde el inicio, las variables resuélvelas dentro de tu imaginación, no en el lienzo.
La copa la realicé en SketchUp, de Google. Pero lo interesante son los dos perfiles que delimitan la copa.
Cuando dibujes imagina lo de afuera como forma vital, necesaria, y compárala con la de adentro. Es como un rompecabezas de dos piezas que "atrapan" la línea. Así evitarás a las "imágenes preestablecida" de la mente. Esa clase de imágenes son las que "deforman" la "realidad" al momento de dibujar.
Las imágenes preestablecidas nos dicen que un vaso de perfil es "rectangular", pero que tiene una cavidad, cuya entrada está en la parte superior, entonces dibujan de ésta manera: Arriba, como parte esencial del vaso, dibujan un elipse (sin darse cuenta de su simetría y variables de curvatura), y abajo, como imagen secundaria, la "línea base del rectángulo".
Se olvidan que un vaso tiene dos círculos vistos en perspectiva, y que no necesariamente tienen que ser dos líneas las que limiten a ese vaso, y si no fueran curvas, suponiendo que sean rectas, las inclinaciones de estas pueden adoptar son muchas, y hay que aprender a verlas.
Es probable que no sepas nada de perspectiva, pues no importa, mejor aún. Interpreta la humilde forma de un vaso de la manera correcta, imagina que nunca viste a ese vaso de la casa en tu vida, capta sus "formas vitales", olvida los conceptos, esas "imágenes preestablecidas", y recrea las cosas tal cual son, analiza la curvatura de la elipse, fíjate que esa curva es más abierta en el centro, y cerrada en sus extremos, compara los diámetros, el mayor con el menor, y no olvides que la base también es curva.
Si dibujas un vaso "correctamente" podrás dibujar absolutamente todo. No hay gran diferencia, en dificultad, de dibujar un vaso, un elefante, o los bordes etéreos de un jirón de nube.
Ejercicio: Dibuja un vaso con las pautas que te he dado (solo lineas, nada de sombras o lineas secundarias, concéntrate en el contorno y lo esencial). Cuando te explique lo que es la perspectiva verás que su conocimiento en verdad no es tan necesario, pero lo compartiré para que racionalices tu percepción en la siguiente clase: "La perspectiva intuitiva".
Nota: Practica, si no lo haces de nada servirá lo que te comparto.
Y los niños también pueden aprender, así que comparte con tu hijo.
No basta con mirar las cosas que nos rodean, no basta con reproducir fielmente lo que nos interesa, o conmueve de manera convincente. Es más, tampoco basta con representar la forma con un "cierto estilo" y decir que uno es artista.
Es complicado hablar de belleza y verdad al mismo tiempo, como si estos conceptos dependieran uno del otro. La mentira también puede ser hermosa, y creo que desde que le engañamos al cerebro recreando una imagen ya estamos hablando engañosamente, ya que la forma en un papel nunca será una persona, un toro, o un objeto cualquiera. De esto nos habló Rene Magritte con su "Ceci n'est pas une pipe" ( "Esto no es una pipa") refiriéndose a "la traición de la imagen" como el origen de todo el arte figurativo, desde la prehistoria hasta nuestros días.
He visto con preocupación como las máquinas está acercándose a los hombres de una manera vertiginosa, y creo que, si los robots algún día adquirieran el sentido de la existencia, a través de las emociones, valorarían más a Goya y a Van Gogh, que a los virtuosos del hiperrealismo. No se mostrarían asombrados ante la academia de los prerrafaelistas, pero si ante Rafael... ¿Me dejo entender?
El dibujo es más que una rama de la geometría. No puedo negar que es divertido dibujar lo que uno ve, es algo así como magia. Pero es más divertido dibujar "lo que uno siente"
Yo les puedo enseñar a dibujar, pero jamás les enseñaré a sentir, creo que con eso se nace, y si se desarrolla la sensibilidad debe ser de una manera muy personal, ya que el alma se estropea cuando se le fuerza a crecer con fórmulas y teorías. La voz del alma es el arte, y esta debe nutrirse directamente de la vida.
EJERCICIO:
¿Saben ustedes cual es el sentido más importante para un pintor?... no, no es la vista, es el tacto. Si uno aprende a sentir aprenderá a dibujar. El mérito del dibujo está en recrear la "forma". La "vista" es solo un intermediario entre la forma y la interpretación del cerebro. Para interpretar la "forma" el sentido más importante es el "tacto".
¿No han visto cómo los bebes se lo llevan todo a la boca? Se les puede ver felices mientras palpan con sus manitas el mundo que les rodea. Los que nacieron sin manos, o las perdieron, desarrollan toda su interrelación con el mundo exterior a través de la boca, y los ciegos aprenden del mundo con el tacto, pudiendo llegar a ser grandes escultores, y a veces hasta dibujantes, solo porque el sentido del tacto les dio toda la información que requerían. El máximo es el Sr. Esref Armagan.
Entonces guarda un objeto dentro de una bolsa, mejor aún si alguien te hace el favor, y luego dibuja lo que sientas con tus manos. Todo objeto es valioso para este aprendizaje. Lo ideal es que llegues a realizarlo con elementos complejos, como rostros y manos.
Primero realiza este ejercicio mirando tus trazos, y luego hazlo con los ojos vendados. De esta manera estarás estimulando tu hemisferio derecho del cerebro, que es el hemisferio del "artista".
Os he estimado, desde hace muchos años, como el mejor orfebre que jamás haya existido, y os reconozco hoy por un escultor tan digno. Debo haceros saber que messer Bindo Altoviti me llevó a ver un retrato de él hecho en bronce. me dijo que esta obra era vuestra. Sentí un gran placer, pero lamenté mucho que estuviera expuesta bajo tan mala luz. Si fuera iluminada más razonablemente, se vería qué hermosa obra habéis hecho...
Hay veces que el modelo no brindará el claro oscuro indicado para aplicarlo a una determinada obra, por ejemplo, tienes la imagen de un personaje de la historia de Argentina, pero, el conjunto de la composición de sombras no te permite colocarlo en el lienzo. Entonces tienes que cambiar la ubicación de las sombras, y eso es lógica y geometría básica: los objetos más próximos, planos y perpendiculares a la dirección de la luz serán más luminosos, mientras que los curvos y oblicuos en relación a las líneas de luz serán más oscuros, y si el plano están en la misma dirección de los rayos de luz entonces más oscuro aún será, mas si se llega al giro de 180°, de su origen al punto final, habrá una negación de la luz, a menos que se refleje la luz en un plano cercano sobre el "plano modelo". Durante más claro y cercano sea ese plano reflector la sombra del objeto principal será mas suave.
Otro punto a tomar en es drama de la luz. Debes hallar un foco principal, un punto donde la luz se realce, aunque en al vida real ese efecto lumínico no exista, sin embargo psicológicamente existe, a eso se le denomina "cono visual preponderante".
El Bufón- por Salvador Núñez. (Óleo de 81cm x 60cm.)
Al igual que la escritura el dibujo tiene una grafología, una caligrafía, y un código de significados en el trazo. Si quieres dibujar un rostro en tinta china debes perder tus temores, ser decidido, tratar de hallar tu propia caligrafía.
Lo complicado de la tinta es que no hay tonos medios en la linea en si, es como un tajo en el papel, no hay titubeos o miramientos endebles, pero, lo que si puedes hacer es aprender a dar el ángulo de ataque a la pluma, y de medir la presión justa. Si aprietas mucho saldrá una mancha, si aprietas poco el trazo resultará entrecortado. Mas en lo demás eres libre, puedes medir tu trazo, cruzarlo, hacerlo en círculos, en garabato, oval, punteando, dando trazos cortos, como de viruta de madera, etc, etc.
Lo que debes acostumbrarte es a no tener miedo por esa línea fuerte y pura, así es el dibujo a pluma, y una vez que lo domines te acostumbraras a ella, incluso llegarás a amarla, a pesar que no perdona errores, es algo así como una novia exigente y poco tolerante, pero la amarás si pasas un buen rato con ella, tienes que pasear en el papel una y otra vez, con ella, con esa dama metálica y poco flexible, todo lo contrario del pincel.
El trazo clásico es un buen comienzo, ya que es ordenado y te dará pulso, pero no está demás que practiques desde un comienzo con el trazo circular y cruzado, mucho más expresivo y fácil de avanzar. El zigzag de trazo corto lo empleaba Goya en su grabados, es excelente para alcanzar realismo sin tener que poseer un pulso extraordinario, como el del Leonardo Da Vinci.
La práctica hace al maestro, pero la sensibilidad a la hora de trabajar lo hace más divertido. Aprende de tus errores y disfruta de tus aciertos.
Es preferible usar una plumilla fina, después prueba con plumas más gruesas, hasta llegar a la pluma de caña, que es para trazos muy expresivos, realmente es de una textura divina, y por ello debo tratarlo en otra clase.
Siempre limpiarás tus plumillas y las secarás, para que no se oxide y pierda fluidez el instrumento de dibujo. Tampoco las hagas caer, si se dobla la punta no volverá a ser la misma.
No la prestes, ya que tu presión es diferente a la de otras manos, y si cae en una mano pesada esta se adecuará a esa presión, y cuando vuelva a tus manos no será igual. Es como una barita mágica, o como si fuera tu mujer... ¿tú la prestarías? igual es la pluma. Debes amarla, ser celoso de ella. No es como el lápiz, que siempre será el mismo, es como una puta, se acomodará a quien la toque y no le importará si lo hace bien o lo hace mal.
Practica en un papel aparte antes de poner el trazo en tu trabajo, y no te olvides de retirar el excedente de tinta antes de sacar la plumilla del tintero, eso evitará que caiga una gota no deseada sobre el papel, o que genere un trazo exagerado y no esperado.
También es valedero hacer un trazo previo a lápiz, ya que como indique más arriba: "la pluma no admite errores". Pero si son pequeños los puedes arreglar raspando con una cuchilla o una hoja de afeitar, pero si la falla es muy insolente nada se podrá hacer... a menos que hagas una técnica mixta, pero eso tiene que ser porque quieres, no porque no te queda otro camino. El mundo del dibujo es muy amplio, pero no por eso hay que temerle.
"Lo que deseo" (técnica mixta: tinta china, aguada, lijado y creta)- por Salvador Núñez
Cuando se hace un retrato uno debe captar no solo la forma. Si te concentras en su mirada, en un leve gesto, en la postura de su cuello, tal vez algo involuntario para la modelo, incluso para ti, estarás en el camino correcto, y no importa si lo recreaste del recuerdo, de una foto, o de natural, lo importante es que hayas sido capaz de captar ese instante que lo resume todo. Es preferible trabajar del natural, o como en este ejercicio, que viene de un ejercicio nemotécnico, sugerido por Leonardo, que es repetir el modelo varias veces hasta que se grabe en la memoria, yo lo copié 5 veces a lápiz, y el quinto lo hice de memoria con el carbón. En apariencia es una perdida de tiempo, pero no lo es, cada pintor debe tener en su mente un buen "archivo de imágenes", y eso con los años es más trascendente, ya que la memoria se debilita si no se ejercita.
He tratado en todo instante captar el lindo rostro de mi amiga Ximena, pero tuve unas fallas, por ejemplo: sus ojos son más chinitos, la edad que aparenta en el dibujo es un tanto mayor, pero me agrada su postura y la recreación casi exacta del claro oscuro. También me alegro de la manera simplona con la que hice los detalles de la bata, como jugando, y me salió bien. Pero lo que más me contenta es que aún me funciona la memoria y la paciencia.
Cuando dibujas un rostro agraciado debes tener mucho cuidado con la distancias, basta que te equivoques unos dos milímetros para que la cara sea de otra persona. Tienes que imaginar que es un trabajo de cartografía, y que un desatino podría provocar una guerra. No mires por mirar, limitándote a recrear los "elementos" que tienes en tu delante, tienes que analizar profundamente sus "características". Incluso si no supieras de proporciones, pero intuyeras de manera salvaje "la correcta manera de mirar" el resultado será bueno.
Diversos autorretratos del maestro Van Gogh, y un daguerrotipo
Si uno compara los autorretratos del mismo Van Gogh, gran maestro, uno se dará cuenta que ninguno es igual al otro, y lo mismo ocurre con los varios retratos que hizo Rembrandt de Saskia. Pero si quieres que salga igualito la manera correcta es a la antigua, con cuadrícula en vidrio y visor, si es del natural, o proyectando una imagen sobre el lienzo, como Dalí, o copiando con una cámara oscura al modelo, a la manera de Vermeer.
En el año 1951 se le encargó al maestro Teodoro Núñez Ureta la ejecución de un mural en el Colegio Militar Francisco Bolognesi que recreara la historia de los héroes nacionales. Él, como historiador, concibió el termino de heroísmo como la "historia de la resistencia", de la perseverancia y la lucha por la libertad, y en esa historia no podía estar ausente la historia prehispánica. Entonces, ahí vino el reto. Tuvo que narrar la historia general de los peruanos en un espacio reducido de 8 metros de largo por 3.10 metros de alto. Y de protagonista principal de esa historia puso a la "Madre Patria", mujer mestiza, con los brazos abiertos, abrazando con amor la historia y vida de su pueblo.
Idea alternativa para la Madre Patria, en tinta china.
La mujer mira hacia nuestro futuro, no al espectador. Esa concepción resultó muy incómoda a los militares, ya que los héroes, que debieron ser los protagonistas, están en calidad de miniaturas. Tupac Amaru se ve sobre-dimensionado, como un semidiós, hijo del Sol con alguna digna hija de la tierra. El otro superhombre es "Manco Inca", guerrero protector de Huascar, que al verlo asesinado por el general Quisquis, bajo las ordenes de Atahualpa, vio en Francisco Pizarro a uno aliado. Después se dio cuenta del engaño, su rebelión y redención fue tardía, aunque casi logró expulsar a los españoles del Cuzco. Lo asesinaron por ordenes de Alonso de Toro, Teniente Gobernador de Cuzco, delante de su hijo, Titu Cusi Yupanqui, quien escuchó de su padre: "No te dejes engañar con sus melosas palabras, son todas mentiras, si tu les crees te engañarán como lo hicieron conmigo". - En otra versión se dice que ese personaje es Cahuide (Quispe Tito) que luchó contra los españoles en defensa del Sacsayhuamán. Tal mérito fue su bravura que Hernando Pizarro ordenó que lo capturaran con vida, unos dicen que como trofeo, otros como reconocimiento a su arrojo en la batalla. Cuando vio que la intención era darle captura, se tapó el rostro con su manto y se arrojó desde lo alto del torreón de piedra que defendía. También puede simbolizar las dos cosas, la rebeldía ante la invasión. Pero el detalle de brazo que se alza con el manto da más la idea de Cahuide.
Un dato curioso, pero lógico, es que en el primer plano no están los guerreros, mas si los trabajadores, esos eternos que con su oficio y arte sostuvieron la economía de las naciones, o los imperios, con toda la parentela, incluyendo a los artistas y bufones, sin importar si era un Inca, de los tantos hijos del Sol, la familia del Rey de España, o quien sea. Ahí están los alfareros, tejedores, campesinos, talladores; todos a la espera de un futuro más prometedor, sin guerras ni explotaciones.
Adelante de todos, y de todo, está ese muchacho que nos mira de frente, con sus ojos grandes, serenos, sin ese gesto que se graba con los años y que nos caracteriza en un resumen de lo que somos en virtudes y defectos. Ese, es el hijo de nuestra "madre patria", mujer amada por su pueblo, y burlada miles de veces por aquellos que se hacen llamar "los padres de la patria".
El mural nos habla de un futuro que podemos formar, donde los jóvenes no olviden la importancia de la libertad y el amor al trabajo.
Estudio alternativo para el "hijo de la madre patria"
Estudio anatómico previo, en sepia y creta blanca.
Manuel A. Odría mandó a tapiar ese mural por ser ofensivo a nuestros héroes nacionales, [1] pero, secretamente unos militares amigos de Teodoro Núñez Ureta (posiblemente masones) lo hicieron con cal blanda apagada, llamada "mezcla pobre" por tener más arena de la debida, y como su periodo de secado fue diferente al del mural la cohesión entre ambos nunca se dio, y años después, en el primer gobierno de Fernando Belaúnde Terry (1963-1968), con la ayuda de la compañía de bomberos y la mirada del propio Teodoro Núñez Ureta, la capa pobre de cal fue removida con chorros de agua, entre las risas y el asombro de los bomberos que vieron intacto el polémico mural.
Después, el año 1979, un terremoto de 6.2 de magnitud, en la escala MM, creó unas fisuras pequeñas, esta vez la restauración estuvo a cargo de su hijo mayor Teodoro Núñez Rebaza, quien recibió las pautas de su padre para los debidos retoques.
Fisura superior (año 2012)
Estado actual del mural, detalle de Tupac Amaru (año 2012)
Sin embargo ese sismo fue la crónica de una muerte anunciada, desde un punto de vista estructural, ya que el muro mostraba claramente un debilitamiento, dibujo infernal de grietas que en el terremoto del 23 de Junio del 2001 darían por resultado el actual estado del mural: placas desmoronadas, grietas abiertas, cavidades internas que separan al intonaco del soporte, y un estado endeble y peligroso no solo para el mural, también para la integridad del edificio en si. En buen castellano: "un terremoto más y nada quedará", solo el recuerdo, y unas caras largas de unos fulanos que entre ellos se quitarán "sus culpas" (¿Han visto como los monos se quitan las pulgas entre ellos? así son los políticos)
Ciudadela inca, detalle (año 2012)
Solución:
La paleta de Teodoro Núñez Ureta era la siguiente (para sus pinturas al fresco)
Amarillo de cromo (en muy pocas cantidades, y sin mezcla)
Tierra puzolana
Negro de Marfil
Ocre amarillo
Rojo de cadmio medio (el claro queda descartado por su poca resistencia a la luz, lo mismo va para el amarillo de cadmio)
Rojo de Venecia
Siena natural
Siena tostada
Sombra natural
Sombra tostada
Tierra verde
Oxido de cromo (usarlo sin mezcla)
Azul cobalto
Azul ceruleo
El banco es la cal hidráulica apagada disuelta en agua.
Procedimiento Pictórico:
Arriccio: La primera capa es el muro en si, y sobre el va el arriccio, que es una mezcla de arena y cal, y en ocasiones se refuerza con cemento puzolánico:
Dos de arena
Una de cemento puzolánico
Una de cal, o simplemente dos de cal y dos de arena. Lo importante es que el muro esté bien húmedo.
Intonaco: Segunda capa compuesta de:
tres de cal, una de polvo de mármol y una de arena fina (muy bien lavada)
También puede ser de: tres de cal hidráulica apagada y una de arena fina
Enlucido: Que es la tercera y última capa, se conforma de cal hidráulica fina (tamizada en malla fina), otros le agregan un poco de polvo de mármol (tres da cal por una de polvo de mármol), sin embargo hay gente que no utiliza el intonaco.
Sobre la capa final, intonaco o enlucido, se pinta al "fresco", de ahí viene su nombre, ya que si se pinta sobre la cal fraguada el pigmento caerá en polvillo. La pintura es simplemente pigento disuelto en agua, que puede ser reforzado con un poco de cal fina para ayudar en la cohesión. Para los retoques finales se le puede agregar al pigmento algo de goma arábiga, pero lo recomendable es ya no pintar una vez que el muro "pierda su frío". Es indispensable la humedad para la permanencia de los colores. Si no se acabara de acuerdo a los deseos del pintor, o el restaurador, lo mejor es remover con cuidado y empezar de nuevo.
Ingeniería:
El estado actual del mural lo hace vulnerable a una destrucción total, en el que esos futuros restauradores harán de armadores de un rompecabezas casi imposible de terminar, y que a pesar de esos esfuerzos nunca se llegará al resplandor inicial.
He hablado con el ingeniero Carlos Benavente, que de amigo me ha dado las siguientes pautas:
Crear una malla estructural de acero, y ese acero hay que recubrirlo de fibra de vidrio con resina epóxica para evitar su oxidación en el futuro.
Sujetar ese tejido acerado a un marco hecho de dos columnas y dos vigas. Las columnas le darán rigidez al mural evitando así su derrumbamiento. Todo ese proceso se debe realizar en la parte posterior del mural, donde actualmente funciona la cocina del Colegio Militar Francisco Bolognesi.
En el primer piso se debe alzar un segundo muro en el que se hará una réplica exacta del mural, bajo la misma técnica, aunque según Alonso Núñez Rebaza la mejor técnica, para esa réplica, sería la pintura acrílica, y sobre un fondo de madera aglomerada de fibra dura.
Sería como una "H" gigantesca. La parte superior de esa H sostendría al original, y la inferior a la réplica.
Si se quiere restaurar el mural original hay que pedirle permiso y asesoramiento a la UNESCO. Hay que sacar muestras de las capas que se emplearon para el mural, deducir las cantidades exactas y hacer ensayos fuera del mural para saber las proporciones de colores empleadas.
Pero lo que se deba hacer de inmediato es el trabajo de ingeniería para evitar un posible derrumbamiento.
Pido a las autoridades del Estado peruano que no dejen que se "caiga" - literalmente - la historia del Perú. No tratemos de manera irresponsable, con dejadez, el legado que nos dejó el maestro Teodoro Núñez Ureta.
Gracias de todo corazón. Yo se que harán algo, y que la burocracia será una arma filuda para que esto se haga deprisa. ya han pasado muchos años, y hasta ahora la suerte nos ha acompañado.
Todas las autoridades: El INC, el Gobierno Regional, el Municipio ( en la época de Simón Balbuena) fueron notificadas. Y de seguro que el expediente está traspapelado. Ya que di todas las pautas, que aquí las resumo, al detalle.
Yo no tengo las relaciones, ni el dinero para realizar esa restauración, pero tengo el conocimiento y puedo colaborar en lo que las autoridades me soliciten.
El equipo ideal estaría formado por Alonso Núñez Rebaza, Evaristo Callo Ancco, Darío Callo Ancco, Ronald Companoca, y este servidor, Salvador Núñez. Sin embargo me someto a las pautas que pudiese dar la UNESCO, que tienen amplia experiencia en este tipo de restauraciones monumentales.
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[1] Olvidando que los héroes, no importando su nacionalidad, siempre lucharon por su pueblo y sus causas justas, nunca por sus gobernantes, muchas veces traidores y poco consecuentes con sus promesas.
Comparte esta información con tus amigos, te lo pido con humildad y fe.
La maravilla del lápiz es que su trazo es controlado, y no como el carbón que es más brumoso y caprichoso en su avance. Para el motivo de hacer estudios es conveniente usar un lápiz 2B, que no es ni muy duro, ni muy blando, es ideal.
No intentes representar el claro oscuro de manera descontrolada, poco meditada, mira las sombras y plasma con calma "lo que miras", paso a paso, por eso es que el lápiz es insuperable para esa clase de estudios. La tinta china también es controlada, pero el contraste radical entre el papel y su negro intenso intimida al principiante. El carbón responde bien a la presión y tiene tonalidades medias muy hermosas, pero su blandura más se parece al pincel, por ello conviene saber como avanzar con él, y requiere más práctica.
Mira con respeto a ese humilde instrumento de dibujo: el lápiz grafito, y recuerda que con ese material se han hecho maravillas, desde los dibujos académicos del romanticismo hasta de trazos resueltos y en movimiento de Daumier.
Dibujo digital en pizarra Bamboo, por Salvador Núñez
Pueda parecer extraño esta forma de ver, de suprimir todos los detalles y medios tonos, pero solo así se consigue encajar los límites del juego de luces y sombras, una manera de lograrlo es mirando medio desenfocado, como sospechando al observar. Eso te dará una visión borrosa, simplificada, de un claroscuro marcado.
Hay un chiste que dice: "Los chinos no miran, sospechan"... - es así como debes mirar, como entre las pestañas, achinando los ojos. Eso reduce la entrada de luz a tus ojos, y es así que el cerebro se esforzará en captar lo más importante de la forma, sacando un resumen de luz desesperado para que no pierdas la visión.
Otra manera de acentuar el contraste es dejando pasar la luz indirecta del sol por una pequeña ventana, dentro de un cuarto grande, eso borrará los reflejos y medios tonos mejorando tu idea de contraste.
Practica esa nueva forma de mirar con todo, "sospecha de tu antigua forma de mirar". Hazlo con una manzana, un cenicero, una lámpara, etc, etc. Siempre con la idea de "ver" los límites de las luces.
En la vida hay miles de formas de ver las luces. Aveces las tonalidades son muy tenues, como cuando la luz es invasora desde varios puntos, como en una sala de gran ventanal, o en una cafetería implementada con varias luces. Aún así puedes establecer límites, pero el apoyo de juegos tonales será más trascendente.
Los tonos oscuros, como un polo negro, hacen resaltar los tonos claros, bien podría ser un rostro pálido.Un ejercicio complicado son frutas de varios colores sobre un mantel blanco. Sin embargo conviene que en un comienzo busques los contrastes máximos, no pruebes por ahora con tonos sutiles y variados, eso vendrá más adelante, busca cosas simples que te sean familiares. Puedes dibujar tu rostro frente aun espejo, con el apoyo de una lámpara de noche de lumen bajo.
Si eres feo como yó te será más fácil el hacer un autorretrato, pero si eres lindo, o linda, el trabajo será un tanto más complicado. Y es que cuando uno hace un retrato tiene que captar las exageraciones del rostro. En mi caso se hace evidente la exageración de la mandíbula, las cejas como de pocos amigos, la cara medio seca por los casi 40 años, la frente a dos tiempos, etc... Entonces lo que tienes que hacer es ver las particularidades sin piedad, pero también captando las virtudes de tu rostro, por ejemplo: mi mirada es fuerte y varonil (a pesar de ser cuatro ojos), ojos grandes , la nariz bien formada, bueno, mas o menos... y creo que no hay más.
Sin embargo, más importante que el parecido es el gesto, tal vez sea la única ventaja del arte sobre la foto, el poder ver el "contenido" de la forma, el sentimiento que provoca lo observado, más aún si se trata de ti mismo.
Muchos pintores han tomado el arte del autorretrato como un medio de mejorar la técnica de la "observación" ¿escuchas lo que te digo? "observación", no he dicho "la técnica del dibujo", porque, a decir verdad, cada quien mata sus pulgas a su manera. No me atrevería a decir como tienes que dibujar, podría dejar unas pautas, pero ahora quiero que tu hagas las cosas a tu manera, después hablaremos de proporciones, esfumados, trazos expresivos, ritmo de linea, atmósfera, claroscuro psíquico, contrastes y perspectiva, en fin, hay mucho de que hablar, no nos apresuremos, no quiero matar tu estilo propio en esta primera experiencia. Así que quiero que tomes tu primer autorretrato como una grafología de tu alma, y de manera lúdica, sin presionarte innecesariamente.
Entonces agarra un carbón y dibuja como jugando (recuerda que los niños juegan con pasión, entonces haz lo mismo).
Autorretrato a lápiz grafito (6 años atrás).
También son válidos los autorretratos digitales, el que sigue fue hecho con BAMBOO, una suerte de pizarra virtual en la que se puede dibujar. Mi recomendación es que no le des mucho al detalle, trata de no caer en un hiperrealismo, con la pizarra digital es tentador hacerlo, ten en mente que solo es un medio más para expresar lo que sientes.
Ahora quiero que veas el autorretrato de un verdadero maestro, es uno de mis favoritos:
Una clases del maestro Alonso Núñez Rezaba. Nos enseña como una modesta barra de grafito sobre un papel bond puede ayudarnos a crear verdadero arte.
Ejercicio:
Dibuja perfiles utilizando tu imaginación. No "pienses con palabras", "piensa con imágenes"
Te dejo la pauta de que el cerebro, generalmente, no es plenamente consiente del rostro en su conjunto, por eso es muy común que los cráneos sean dibujados por los aficionados como cabezas de ranas, es como si lo único importante fueran los ojos, la nariz y la boca.
Los ojos están en la mitad del rostro. Mide tu rostro y luego halla la mitad, entonces te darás cuenta que lo que te digo es verdad.
La nariz tiene la altura similar a la de la frente, y la frente tiene la casi la misma distancia que la que hay entre la base de la nariz a la base de la barbilla.
Recuerda que la mente necesita de velocidad para dibujar, por eso recuerda de "no racionalizar las formas con palabras", "racionaliza las formas con imágenes"
Cristo, por Alonso Núñez Rebaza (técnica con barra de grafito)
Antes de comprar ropa cara esta navidad compra materiales de arte. Cuando quieras emborracharte como un orate piensa que ese dinero podría servirte para ser mejor persona. Y si te gusta ir de parranda a los burdeles para gastar la mitad de tu sueldo, recuerda que ese dinero le sería de gran ayuda a tus hijos.
En realidad si hay dinero para invertir en materiales, pero es cuestión que hagas una nueva escala de valores en tu vida. Te darás cuenta que son más divertido los placeres sutiles que los gustillos del bellaco.
Cristiana — sanguinas y cretas, por Salvador Núñez.
Mas todo puede servir, no es necesario que te conviertas en un mártir del arte en tu afán de tener materiales finos para el dibujo. El lápiz, ese modesto instrumento con el que aprendimos a escribir, puede llegar a ser un objeto sagrado en las manos de quien ha aprendido a observar.
Si quieres adiestrarte con una gama cálida puedes probar con las cretas y la sanguina, pero repito, no es imprescindible para empezar tus estudios
Proponte el dibuja del natural. Es más difícil, pero los resultados en el aprendizaje son superiores. Lo complicado es que al cerebro le cuesta adaptarse a recrear lo tridimensional en bidimensional, sin embargo, cuando el cerebro se hace de la costumbre todo deja de ser un acto tortuoso por un acto placentero, y más fuerte y duradero en la memoria.
Prueba con objetos o elementos estáticos. Hasta dibujar un tenedor puede llegar a convertirse en un reto serio, y es que no hay gran diferencia entre dibujar un vaso a un rostro, incluso el vaso resulta más complicado por lo de sus transparencias.
Ejercicio: Dibuja objetos cotidianos, como una manzana, un lápiz, un peluche, etc, siempre con la intensión de hacerlo con el mejor de tus esfuerzos. Deja de mirar las fotos para dibujarlas, es un mal hábito si quieres aprender a dibujar en corto tiempo.
¿Qué diferencia hay entre surrealismo y simbolismo?
Los dos tienen que ver con lo onírico y fantástico, pero, el surrealismo tiene por mecánica el no razonar la sucesión de imágenes, algo así como las frases honestas de un loco, o de un borracho. El simbolismo en cambio racionaliza los elementos para expresar algo concreto, o descifrable por el lenguaje de símbolos, de ahí su nombre (simbolismo).
¿Y que estilo es superior plásticamente?
El surrealismo tiene el don de la libertad, es una anarquía que no busca precisamente la belleza como concepto, la estética alcanzada es un resultado paralelo de la catarsis interna, como la belleza de una ciudad destruida por el ímpetu destructivo de los dos rivales, atacar y ser atacado en la búsqueda de una "locura iluminada". Muchas veces ni el artista sabe como llegó a conseguir la unión dentro del caos de las ideas.
El artista simbolista es diferente, es como un romántico drogado con opio. Tiene que ser un hombre instruido en el lenguaje de los símbolos, un intuitivo para captar el mensaje oculto en la imágenes. Se diría que es poesía hilada con metáforas libertinas.
¿Y a que viene tanta teoría si yo solo quiero aprender a dibujar?
La imaginación lo es todo. Si liberas tu imaginación podrás dibujar de un momento a otro, y como un gran maestro.
Si te atas a la razón no podrás ser un auténtico artista, y lo mismo va para los científicos. Muchas cosas parecen imposibles a simple vista, a si estas sean cotidianas. ¿No te parece increíble que con un dedo puedas navegar en tu celular, que a la vez tiene Internet, juegos, ordenador de archivos multimedia, cámara fotográfica y filmadora? ¿No te parece alucinante que exista un colisionador de partículas sub-atómicas capaz de recrear el origen del universo?... Cuando pintes debes hacer exactamente lo mismo, ser consciente de que nada es imposible, que en verdad el universo de tus sinapsis cerebrales pueden resolver cualquier laberinto de emociones a una velocidad que escapa a la lógica lineal. A la hora de pintar tu eres como un elefante sobre un laberinto hecho por hormigas, cuya dimensión no sobrepasa los cuatro centímetros de altura.
Araña llorando -por Odilon Redon
Retrato de Violette Heymann —por Odilon Redón
La armadura —por Odilon Redon
El Buda —por Odilon Redon
Silencio— por Odilon Redon.
Creo que Odilon Redon es el más purista de los pintores modernos: inteligente, sensible, atrevido, discreto, intuitivo, y sobre todo: capaz de expresarse con los justos elementos.
Cuando dibujes no intentes el ser acrobático, deja que la linea tenga su propia historia, mira en el interior de tu alma con plena fe en toda tu vida interna, que en realidad es lo único trascendente. Si alguna vez flaquea tu fe tu capacidad creadora caerá por el abismo de la razón.
Solo piensan los brutos, los que son realmente inteligentes se dejan llevar por su intuición. La inteligencia solo debes dejarla para analizar las estructuras matemáticas de la espontaneidad. En realidad la "intuición" es un pensamiento acelerado donde las palabras son un estorbo para la imaginación.
Ejercicio: Imagina, luego dibuja pensando que solo se trata de un juego, y este consiste en develar lo que existe dentro de ti.
Ningún artista ve las cosas como son realmente; si así las ve, no es gran artista.
Oscar Wilde
Oscar Wilde - según Toulouse Lautrec
Oscar Wilde - según una cámara fotográfica.
Es bueno que desde un comienzo entiendas que un gran dibujo no es el "mejor realizado" desde un punto de vista cadémico.Un gran dibujo es el que tiene un buen contenido.
El copiar fotos es bueno, sobre todo para entender lo tridimensional en un plano bidimensional, tal cual es, sin interpretaciones, pero es mejor que veas a tu propia manera, tratando de captar la realidad, mas no desvinculándola de tu sentir interno.
Artistas que copian fotos hay por miles, desde los hiper-realistas hasta los que pretenden llegar a ese nivel, pero no pueden por falta de paciencia. Por eso hay una gran distancia entre los artistas de fotito y lupa en mano a los artistas como Rembrandt, o Picasso.
Tu visión personal de las cosas es importante, porque es con esa manera de interpretar las cosas con las que puedes liberar la grandeza de tu alma. Incluso dentro de los grandes maestros "académicos"del Renacimiento se pueden apreciar las diferencias, por ejemplo: una cosas es Rafael Sanzio, y otra Miguel Ángel, los dos son buenos, pero, el primero es más delicado en las proporciones y posturas de sus personajes, mientras el segundo se expresa con una volumetría más vigorosa, propia de la mano tridimensional de un escultor.
Entonces: Toma a la naturaleza como a una maestra, pero no como a una dictadora mete golpe de colegio primario. Ella te puede dar buenos consejos, ya que nunca miente, pero esa verdad no será plena si no le aportas con algo de tu interior.
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