El dibujo creativo - "despacio que estoy apurado" - En las clases de arte

8 años de edad

En las clases de arte los profesores se preocupan por que todos los alumnos rindan lo mismo, que se estandarice la producción de sus alumnos. Los que trabajan distinto son mediocres, pero, los que son académicos son excelencia... eso es incorrecto y negativo para el estudiante.

Se ponen notas, nivel, distinciones, y con eso se fuerza a estandarizar el espíritu humano, y eso, como ya se sabe: es "imposible".

Se pueden estandarizar los consejos, las reflexiones, pero lo que nunca se debe hacer es forzar la caligrafía del alumno. Ese error es el causante que muchos alumnos se desanimen a proseguir con sus investigaciones y prácticas.

Ejercicio: Dibuja un elemento que creas conocer en sus generalidades, como por ejemplo: un toro, un perro, un gato... y hazlo enteramente de memoria, no uses ninguna referencia visual, Después busca esa imagen, la que creías conocerla bastante bien, y corrige todos tus errores. Se juicioso contigo mismo, incluso puedes llamar a terceras personas de tu entorno para que comparen la realidad con el resultado del dibujo.

No te angusties, ni te deprimas, si el resultado no es "muy bueno". Lo importante es que midas hasta que punto va tu memoria, que descubras cómo eres capaz de mirar hacia tu interior. Ese es el motivo del ejercicio. Puedes practicar frente a un espejo, el mejor modelo, el más paciente, confidente, es uno mismo.

Recuerda que Van Gogh, Picasso, Rembrandt, Rodin, Velázquez, Rafael, Durero, etc, etc, practicaron el autorretrato, como ejercicio, o como obra de arte.

También puedes realizar este ejercicio en la arcilla, o con la plastilina. Es increíble la cantidad de información que uno tiene en la memoria, y no la llega a usar.

El dibujo creativo y el hemisferio derecho II

La copa la realicé en SketchUp, de Google. Pero lo interesante son los dos perfiles que delimitan la copa.

Cuando dibujes imagina lo de afuera como forma vital, necesaria, y compárala con la de adentro. Es como un rompecabezas de dos piezas que "atrapan" la línea. Así evitarás a las "imágenes preestablecida" de la mente. Esa clase de imágenes son las que "deforman" la "realidad" al momento de dibujar.

Las imágenes preestablecidas nos dicen que un vaso de perfil es "rectangular", pero que tiene una cavidad, cuya entrada está en la parte superior, entonces dibujan de ésta manera: Arriba, como parte esencial del vaso, dibujan un elipse (sin darse cuenta de su simetría y variables de curvatura), y abajo, como imagen secundaria, la "línea base del rectángulo".

Se olvidan que un vaso tiene dos círculos vistos en perspectiva, y que no necesariamente tienen que ser dos líneas las que limiten a ese vaso, y si no fueran curvas, suponiendo que sean rectas, las inclinaciones de estas pueden adoptar son muchas, y hay que aprender a verlas.

Es probable que no sepas nada de perspectiva, pues no importa, mejor aún. Interpreta la humilde forma de un vaso de la manera correcta, imagina que nunca viste a ese vaso de la casa en tu vida, capta sus "formas vitales", olvida los conceptos, esas "imágenes preestablecidas", y recrea las cosas tal cual son, analiza la curvatura de la elipse, fíjate que esa curva es más abierta en el centro, y cerrada en sus extremos, compara los diámetros, el mayor con el menor, y no olvides que la base también es curva.

Si dibujas un vaso "correctamente" podrás dibujar absolutamente todo. No hay gran diferencia, en dificultad, de dibujar un vaso, un elefante, o los bordes etéreos de un jirón de nube.

Ejercicio: Dibuja un vaso con las pautas que te he dado (solo lineas, nada de sombras o lineas secundarias, concéntrate en el contorno y lo esencial). Cuando te explique lo que es la perspectiva verás que su conocimiento en verdad no es tan necesario, pero lo compartiré para que racionalices tu percepción en la siguiente clase: "La perspectiva intuitiva".

Nota: Practica, si no lo haces de nada servirá lo que te comparto. 

Y los niños también pueden aprender, así que comparte con tu hijo.

El dibujo creativo y el empleo del hemisferio derecho del cerebro

 

No basta con mirar las cosas que nos rodean, no basta con reproducir fielmente lo que nos interesa, o conmueve de manera convincente. Es más, tampoco basta con representar la forma con un "cierto estilo" y decir que uno es artista.

Es complicado hablar de belleza y verdad al mismo tiempo, como si estos conceptos dependieran uno del otro. La mentira también puede ser hermosa, y creo que desde que le engañamos al cerebro recreando una imagen ya estamos hablando engañosamente, ya que la forma en un papel nunca será una persona, un toro, o un objeto cualquiera. De esto nos habló Rene Magritte con su "Ceci n'est pas une pipe" ( "Esto no es una pipa") refiriéndose a "la traición de la imagen" como el origen de todo el arte figurativo, desde la prehistoria hasta nuestros días.

He visto con preocupación como las máquinas está acercándose a los hombres de una manera vertiginosa, y creo que, si los robots algún día adquirieran el sentido de la existencia, a través de las emociones, valorarían más a Goya y a Van Gogh, que a los virtuosos del hiperrealismo. No se mostrarían asombrados ante la academia de los prerrafaelistas, pero si ante Rafael... ¿Me dejo entender?

El dibujo es más que una rama de la geometría. No puedo negar que es divertido dibujar lo que uno ve, es algo así como magia. Pero es más divertido dibujar "lo que uno siente"

Yo les puedo enseñar a dibujar, pero jamás les enseñaré a sentir, creo que con eso se nace, y si se desarrolla la sensibilidad debe ser de una manera muy personal, ya que el alma se estropea cuando se le fuerza a crecer con fórmulas y teorías. La voz del alma es el arte, y esta debe nutrirse directamente de la vida.

EJERCICIO:

¿Saben ustedes cual es el sentido más importante para un pintor?... no, no es la vista, es el tacto. Si uno aprende a sentir aprenderá a dibujar. El mérito del dibujo está en recrear la "forma". La "vista" es solo un intermediario entre la forma y la interpretación del cerebro. Para interpretar la "forma" el sentido más importante es el "tacto".

¿No han visto cómo los bebes se lo llevan todo a la boca? Se les puede ver felices mientras palpan con sus manitas el mundo que les rodea. Los que nacieron sin manos, o las perdieron, desarrollan toda su interrelación con el mundo exterior a través de la boca, y los ciegos aprenden del mundo con el tacto, pudiendo llegar a ser grandes escultores, y a veces hasta dibujantes, solo porque el sentido del tacto les dio toda la información que requerían. El máximo es el Sr. Esref Armagan.
          
Entonces guarda un objeto dentro de una bolsa, mejor aún si alguien te hace el favor, y luego dibuja lo que sientas con tus manos. Todo objeto es valioso para este aprendizaje. Lo ideal es que llegues a realizarlo con elementos complejos, como rostros y manos.

Primero realiza este ejercicio mirando tus trazos, y luego hazlo con los ojos vendados. De esta manera estarás estimulando tu hemisferio derecho del cerebro, que es el hemisferio del "artista".

Una Flor Para Carmela - dibujo en tinta china, por Salvador Núñez

Una Flor Para Carmela - dibujo en tinta china con plumilla, por Salvador Núñez.

El claro oscuro en los bocetos

Hay veces que el modelo no brindará el claro oscuro indicado para aplicarlo a una determinada obra, por ejemplo, tienes la imagen de un personaje de la historia de Argentina, pero, el conjunto de la composición de sombras no te permite colocarlo en el lienzo. Entonces tienes que cambiar la ubicación de las sombras, y eso es lógica y geometría básica: los objetos más próximos, planos y perpendiculares a la dirección de la luz serán más luminosos, mientras que los curvos y oblicuos en relación a las líneas de luz serán más oscuros, y si el plano están en la misma dirección de los rayos de luz entonces más oscuro aún será, mas si se llega al giro de 180°, de su origen al punto final, habrá una negación de la luz, a menos que se refleje la luz en un plano cercano sobre el "plano modelo". Durante más claro y cercano sea ese plano reflector la sombra del objeto principal será mas suave.

Otro punto a tomar en es drama de la luz. Debes hallar un foco principal, un punto donde la luz se realce, aunque en al vida real ese efecto lumínico no exista, sin embargo psicológicamente existe, a eso se le denomina "cono visual preponderante".

     

El Bufón- por Salvador Núñez. (Óleo de 81cm x 60cm.) 

Como dibujar un rostro con tinta china

Al igual que la escritura el dibujo tiene una grafología, una caligrafía, y un código de significados en el trazo. Si quieres dibujar un rostro en tinta china debes perder tus temores, ser decidido, tratar de hallar tu propia caligrafía.

Lo complicado de la tinta es que no hay tonos medios en la linea en si, es como un tajo en el papel, no hay titubeos o miramientos endebles, pero, lo que si puedes hacer es aprender a dar el ángulo de ataque a la pluma, y de medir la presión justa. Si aprietas mucho saldrá una mancha, si aprietas poco el trazo resultará entrecortado. Mas en lo demás eres libre, puedes medir tu trazo, cruzarlo, hacerlo en círculos, en garabato, oval, punteando, dando trazos cortos, como de viruta de madera, etc, etc.

Lo que debes acostumbrarte es a no tener miedo por esa línea fuerte y pura, así es el dibujo a pluma, y una vez que lo domines te acostumbraras a ella, incluso llegarás a amarla, a pesar que no perdona errores, es algo así como una novia exigente y poco tolerante, pero la amarás si pasas un buen rato con ella, tienes que pasear en el papel una y otra vez, con ella, con esa dama metálica y poco flexible, todo lo contrario del pincel.

El trazo clásico es un buen comienzo, ya que es ordenado y te dará pulso, pero no está demás que practiques desde un comienzo con el trazo circular y cruzado, mucho más expresivo y fácil de avanzar. El zigzag de trazo corto lo empleaba Goya en su grabados, es excelente para alcanzar realismo sin tener que poseer un pulso extraordinario, como el del Leonardo Da Vinci.

La práctica hace al maestro, pero la sensibilidad a la hora de trabajar lo hace más divertido. Aprende de tus errores y disfruta de tus aciertos.



Es preferible usar una plumilla fina, después prueba con plumas más gruesas, hasta llegar a la pluma de caña, que es para trazos muy expresivos, realmente es de una textura divina, y por ello debo tratarlo en otra clase.

Siempre limpiarás tus plumillas y las secarás, para que no se oxide y pierda fluidez el instrumento de dibujo. Tampoco las hagas caer, si se dobla la punta no volverá a ser la misma.

No la prestes, ya que tu presión es diferente a la de otras manos, y si cae en una mano pesada esta se adecuará a esa presión, y cuando vuelva a tus manos no será igual. Es como una barita mágica, o como si fuera tu mujer... ¿tú la prestarías? igual es la pluma. Debes amarla, ser celoso de ella. No es como el lápiz, que siempre será el mismo, es como una puta, se acomodará a quien la toque y no le importará si lo hace bien o lo hace mal.

Practica en un papel aparte antes de poner el trazo en tu trabajo, y no te olvides de retirar el excedente de tinta antes de sacar la plumilla del tintero, eso evitará que caiga una gota no deseada sobre el papel, o que genere un trazo exagerado y no esperado.

También es valedero hacer un trazo previo a lápiz, ya que como indique más arriba: "la pluma no admite errores". Pero si son pequeños los puedes arreglar raspando con una cuchilla o una hoja de afeitar, pero si la falla es muy insolente nada se podrá hacer... a menos que hagas una técnica mixta, pero eso tiene que ser porque quieres, no porque no te queda otro camino. El mundo del dibujo es muy amplio, pero no por eso hay que temerle.

"Lo que deseo" (técnica mixta: tinta china, aguada, lijado y creta)- por Salvador Núñez

Te deseo el mejor de los éxitos.

Dibujar un rostro hermoso

Ximena- por Salvador Núñez

Cuando se hace un retrato uno debe captar no solo la forma. Si te concentras en su mirada, en un leve gesto, en la postura de su cuello, tal vez algo involuntario para la modelo, incluso para ti, estarás en el camino correcto, y no importa si lo recreaste del recuerdo, de una foto, o de natural, lo importante es que hayas sido capaz de captar ese instante que lo resume todo. Es preferible trabajar del natural, o como en este ejercicio, que viene de un ejercicio nemotécnico, sugerido por Leonardo, que es repetir el modelo varias veces hasta que se grabe en la memoria, yo lo copié 5 veces a lápiz, y el quinto lo hice de memoria con el carbón. En apariencia es una perdida de tiempo, pero no lo es, cada pintor debe tener en su mente un buen "archivo de imágenes", y eso con los años es más trascendente, ya que la memoria se debilita si no se ejercita.



He tratado en todo instante captar el lindo rostro de mi amiga Ximena, pero tuve unas fallas, por ejemplo: sus ojos son más chinitos, la edad que aparenta en el dibujo es un tanto mayor, pero me agrada su postura y la recreación casi exacta del claro oscuro. También me alegro de la manera simplona con la que hice los detalles de la bata, como jugando, y me salió bien. Pero lo que más me contenta es que aún me funciona la memoria y la paciencia.

Cuando dibujas un rostro agraciado debes tener mucho cuidado con la distancias, basta que te equivoques unos dos milímetros para que la cara sea de otra persona. Tienes que imaginar que es un trabajo de cartografía, y que un desatino podría provocar una guerra. No mires por mirar, limitándote a recrear los "elementos" que tienes en tu delante, tienes que analizar profundamente sus "características". Incluso si no supieras de proporciones, pero intuyeras de manera salvaje "la correcta manera de mirar" el resultado será bueno.

Diversos autorretratos del maestro Van Gogh, y un daguerrotipo

Si uno compara los autorretratos del mismo Van Gogh, gran maestro, uno se dará cuenta que ninguno es igual al otro, y lo mismo ocurre con los varios retratos que hizo Rembrandt de Saskia. Pero si quieres que salga igualito la manera correcta es a la antigua, con cuadrícula en vidrio y visor, si es del natural, o proyectando una imagen sobre el lienzo, como Dalí, o copiando con una cámara oscura al modelo, a la manera de Vermeer.

Magistral retrato de Saskia, por Rembrandt.

Retrato a lápiz, sus ventajas para el estudio.

Diana, mi hija - por Salvador Núñez

La maravilla del lápiz es que su trazo es controlado, y no como el carbón que es más brumoso y caprichoso en su avance. Para el motivo de hacer estudios es conveniente usar un lápiz 2B, que no es ni muy duro, ni muy blando, es ideal.
No intentes representar el claro oscuro de manera descontrolada, poco meditada, mira las sombras y plasma con calma "lo que miras", paso a paso, por eso es que el lápiz es insuperable para esa clase de estudios. La tinta china también es controlada, pero el contraste radical entre el papel y su negro intenso intimida al principiante. El carbón responde bien a la presión y tiene tonalidades medias muy hermosas, pero su blandura más se parece al pincel, por ello conviene saber como avanzar con él, y requiere más práctica.

Mira con respeto a ese humilde instrumento de dibujo: el lápiz grafito, y recuerda que con ese material se han hecho maravillas, desde los dibujos académicos del romanticismo hasta  de trazos resueltos y en movimiento de Daumier.

Mirar en bloque - El arte del retrato

 Dibujo digital en pizarra Bamboo, por Salvador Núñez

Pueda parecer extraño esta forma de ver, de suprimir todos los detalles y medios tonos, pero solo así se consigue encajar los límites del juego de luces y sombras, una manera de lograrlo es mirando medio desenfocado, como sospechando al observar. Eso te dará una visión borrosa, simplificada, de un claroscuro marcado.

Hay un chiste que dice: "Los chinos no miran, sospechan"... - es así como debes mirar, como entre las pestañas, achinando los ojos. Eso reduce la entrada de luz a tus ojos, y es así que el cerebro se esforzará en captar lo más importante de la forma, sacando un resumen de luz desesperado para que no pierdas la visión.

Otra manera de acentuar el contraste es dejando pasar la luz indirecta del sol por una pequeña ventana, dentro de un cuarto grande, eso borrará los reflejos y medios tonos mejorando tu idea de contraste.

Practica esa nueva forma de mirar con todo, "sospecha de tu antigua forma de mirar". Hazlo con una manzana, un cenicero, una lámpara, etc, etc. Siempre con la idea de "ver" los límites de las luces.

En la vida hay miles de formas de ver las luces. Aveces las tonalidades son muy tenues, como cuando la luz es invasora desde varios puntos, como en una sala de gran ventanal, o en una cafetería implementada con varias luces. Aún así puedes establecer límites, pero el apoyo de juegos tonales será más trascendente.

Los tonos oscuros, como un polo negro, hacen resaltar los tonos claros, bien podría ser un rostro pálido.Un ejercicio complicado son  frutas de varios colores sobre un mantel blanco. Sin embargo conviene que en un comienzo busques los contrastes máximos, no pruebes por ahora con tonos sutiles y variados, eso vendrá más adelante, busca cosas simples que te sean familiares. Puedes dibujar tu rostro frente aun espejo, con el apoyo de una lámpara de noche de lumen bajo.

Dibujando un rostro de perfil — por Alonso Núñez Rebaza

Anda a "Play or stop" y apaga la radio

Una clases del maestro Alonso Núñez Rezaba. Nos enseña como una modesta barra de grafito sobre un papel bond puede ayudarnos a crear verdadero arte.


Ejercicio:

Dibuja perfiles utilizando tu imaginación. No "pienses con palabras", "piensa con imágenes"
Te dejo la pauta de que el cerebro, generalmente, no es plenamente consiente del rostro en su conjunto, por eso es muy común que los cráneos sean dibujados por los aficionados como cabezas de ranas, es como si lo único importante fueran los ojos, la nariz y la boca.

Los ojos están en la mitad del rostro. Mide tu rostro y luego halla la mitad, entonces te darás cuenta que lo que te digo es verdad.
La nariz tiene la altura similar a la de la frente, y la frente tiene la casi la misma distancia que la que hay entre la base de la nariz a la base de la barbilla.

Recuerda que la mente necesita de velocidad para dibujar, por eso recuerda de "no racionalizar las formas con palabras", "racionaliza las formas con imágenes"

Cristo, por Alonso Núñez Rebaza (técnica con barra de grafito)

Cómo aprender a dibujar desde cero. De los materiales

Antes de comprar ropa cara esta navidad compra materiales de arte. Cuando quieras emborracharte como un orate piensa que ese dinero podría servirte para ser mejor persona. Y si te gusta ir de parranda a los burdeles para gastar la mitad de tu sueldo, recuerda que ese dinero le sería de gran ayuda a tus hijos.

En realidad si hay dinero para invertir en materiales, pero es cuestión que hagas una nueva escala de valores en tu vida. Te darás cuenta que son más divertido los placeres sutiles que los gustillos del bellaco.     

Cristiana — sanguinas y cretas, por Salvador Núñez.

Mas todo puede servir, no es necesario que te conviertas en un mártir del arte en tu afán de tener materiales finos para el dibujo. El lápiz, ese modesto instrumento con el que aprendimos a escribir, puede llegar a ser un objeto sagrado en las manos de quien ha aprendido a observar.
Si quieres adiestrarte con una gama cálida puedes probar con las cretas y la sanguina, pero repito, no es imprescindible para empezar tus estudios 

Proponte el dibuja del natural. Es más difícil, pero los resultados en el aprendizaje son superiores. Lo complicado es que al cerebro le cuesta adaptarse a recrear lo tridimensional en bidimensional, sin embargo, cuando el cerebro se hace de la costumbre todo deja de ser un acto tortuoso por un acto placentero, y más fuerte y duradero en la memoria.

Prueba con objetos o elementos estáticos. Hasta dibujar un tenedor puede llegar a convertirse en un reto serio, y es que no hay gran diferencia entre dibujar un vaso a un rostro, incluso el vaso resulta más complicado por lo de sus transparencias.

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Ejercicio: Dibuja objetos cotidianos, como una manzana, un lápiz, un peluche, etc, siempre con la intensión de hacerlo con el mejor de tus esfuerzos. Deja de mirar las fotos para dibujarlas, es un mal hábito si quieres aprender a dibujar en corto tiempo.              

Cómo aprender a dibujar desde cero. Surrealismo y simbolismo

¿Qué diferencia hay entre surrealismo y simbolismo?
Los dos tienen que ver con lo onírico y fantástico, pero, el surrealismo tiene por mecánica el no razonar la sucesión de imágenes, algo así como las frases honestas de un loco, o de un borracho. El simbolismo en cambio racionaliza los elementos para expresar algo concreto, o descifrable por el lenguaje de símbolos, de ahí su nombre (simbolismo).

¿Y que estilo es superior plásticamente?
El surrealismo tiene el don de la libertad, es una anarquía que no busca precisamente la belleza como concepto, la estética alcanzada es un resultado paralelo de la catarsis interna, como la belleza de una ciudad destruida por el ímpetu destructivo de los dos rivales, atacar y ser atacado en la búsqueda de una "locura iluminada". Muchas veces ni el artista sabe como llegó a conseguir la unión dentro del caos de las ideas.

El artista simbolista es diferente, es como un romántico drogado con opio. Tiene que ser un hombre instruido en el lenguaje de los símbolos, un intuitivo para captar el mensaje oculto en la imágenes. Se diría que es poesía hilada con metáforas libertinas.

¿Y a que viene tanta teoría si yo solo quiero aprender a dibujar?
La imaginación lo es todo. Si liberas tu imaginación podrás dibujar de un momento a otro, y como un gran maestro.

Si te atas a la razón no podrás ser un auténtico artista, y lo mismo va para los científicos. Muchas cosas parecen imposibles a simple vista, a si estas sean cotidianas. ¿No te parece increíble que con un dedo puedas navegar en tu celular, que a la vez tiene Internet, juegos, ordenador de archivos multimedia, cámara fotográfica y filmadora? ¿No te parece alucinante que exista un colisionador de partículas sub-atómicas capaz de recrear el origen del universo?... Cuando pintes debes hacer exactamente lo mismo, ser consciente de que nada es imposible, que en verdad el universo de tus sinapsis cerebrales pueden resolver cualquier laberinto de emociones a una velocidad que escapa a la lógica lineal. A la hora de pintar tu eres como un elefante sobre un laberinto hecho por hormigas, cuya dimensión no sobrepasa los cuatro centímetros de altura.

Araña llorando -por Odilon Redon

Retrato de Violette Heymann —por Odilon Redón 

 La armadura —por Odilon Redon

El Buda —por Odilon Redon

Silencio— por Odilon Redon.

Creo que Odilon Redon es el más purista de los pintores modernos: inteligente, sensible, atrevido, discreto, intuitivo, y sobre todo: capaz de expresarse con los justos elementos.

Cuando dibujes no intentes el ser acrobático, deja que la linea tenga su propia historia, mira en el interior de tu alma con plena fe en toda tu vida interna, que en realidad es lo único trascendente. Si alguna vez flaquea tu fe tu capacidad creadora caerá por el abismo de la razón.

Solo piensan los brutos, los que son realmente inteligentes se dejan llevar por su intuición. La inteligencia solo debes dejarla para analizar las estructuras matemáticas de la espontaneidad. En realidad la "intuición" es un pensamiento acelerado donde las palabras son un estorbo para la imaginación.

Ejercicio:
Imagina, luego dibuja pensando que solo se trata de un juego, y este consiste en develar lo que existe dentro de ti.

Cómo aprender a dibujar desde cero. Consejo de Oscar Wilde

Ningún artista ve las cosas como son realmente; si así las ve, no es gran artista.

Oscar Wilde

 Oscar Wilde - según Toulouse Lautrec

Oscar Wilde - según una cámara fotográfica.


Es bueno que desde un comienzo entiendas que un gran dibujo no es el "mejor realizado" desde un punto de vista cadémico.Un gran dibujo es el que tiene un buen contenido.


El copiar fotos es bueno, sobre todo para entender lo tridimensional en un plano bidimensional, tal cual es, sin interpretaciones, pero es mejor que veas a tu propia manera, tratando de captar la realidad, mas no desvinculándola de tu sentir interno.


Artistas que copian fotos hay por miles, desde los hiper-realistas hasta los que pretenden llegar a ese nivel, pero no pueden por falta de paciencia. Por eso hay una gran distancia entre los artistas de fotito y lupa en mano a los artistas como Rembrandt, o Picasso.


Tu visión personal de las cosas es importante, porque es con esa manera de interpretar las cosas con las que puedes liberar la grandeza de tu alma. Incluso dentro de los grandes maestros "académicos"del Renacimiento se pueden apreciar las diferencias, por ejemplo: una cosas es Rafael Sanzio, y otra Miguel Ángel, los dos son buenos, pero, el primero es más delicado en las proporciones y posturas de sus personajes, mientras el segundo se expresa con una volumetría más vigorosa, propia de la mano tridimensional de un escultor.


Entonces: Toma a la naturaleza como a una maestra, pero no como a una dictadora mete golpe de colegio primario. Ella te puede dar buenos consejos, ya que nunca miente, pero esa verdad no será plena si no le aportas con algo de tu interior.

Cómo aprender a dibujar desde cero. Consejos de Alonso Núñez Rebaza - II

S: — ¿Y entre dibujar observando a un objeto o mirando hacia adentro, con cuál de los dos te sientes más cómodo? ¿Con cuál disfrutas más?
A: —Ummm. Depende de las circunstancias. ¿No? Si yo quiero dibujar algo que estoy viendo especialmente, y me interesa lo que estoy diciendo, si hay un disfrute, si hay una búsqueda, un deseo de reproducir eso, porque me interesa el tema, pero generalmente son cosas que yo tengo adentro y me gusta dibujar. Derrepente estoy dibujando, que se yo, una viñeta o una caricatura, y se me ocurre la cara de una mujer, y mientras yo descanso empiezo a dibujar la cara de la mujer, que no existe en ninguna parte, solo en mi cabeza, y no sé, esas cosas me divierten mucho, y por eso me distraigo tanto, ni cuenta me doy de la hora que es, ni nada, pueden ser las tres de la mañana dibujando simultáneamente dos cosas, lo que tengo que hacer, que también me gusta, no me disgusta hacer caricaturas, me encanta, es un tema obligatorio, dejo de hacerlo ,y a la vez me relajo, cuando retomo lo otro lo veo más claro.
S: —Y cuando vas dibujando vas pensando a la vez que: este brazo debe ser más largo, este más corto, que la sombra así…
A: — Yo creo que lo hago por instinto, yo diría que el cerebro tiene una especie de software, porque evidentemente hay un aprendizaje de la formas, así como aprendes a caminar, hablar, igual aprendes a entender el lenguaje de las formas, en sus proporciones, movimientos, gestos, actitudes, que se yo, todo eso es aprendizaje. Llega un momento en que dejas de pensar en esos puntos y ya sabes inmediatamente si un brazo es más largo, o debe ser más corto. También puede venir lo que es la desproporción deliberada, pero, ya hay un software, una memoria de lo que has aprendido con el ejercicio constante, que te obliga a observar, registrar, a entender, comprender, reconocer. Ese proceso es largo, de toda la vida, nunca terminas de aprender. En realidad un cuerpo humano tiene todos los problemas del dibujo.
S: —Tu sientes que todavía estás aprendiendo.
A: — Si. Yo siento que no acabo de aprender. Siempre me sorprende algo. Las manos, por ejemplo, es un tema extraordinario, hasta a veces más difícil que la cara, ¿no? Porque las manos tienen una capacidad expresiva enorme, y muchos artistas se dedican a hacer manos porque es un problema de perspectiva, expresión, jodido. La mano para mí es un tema maravilloso, inagotable. Las manos siempre acompañan al gesto.
El cuerpo entero está hablando cuando tú te comunicas.
S: — ¿A ti te ha pasado que cuando dibujas un rostro no muy agraciado, en las norma de lo que es el canon universal, de pronto al dibujarlo encuentra una belleza?
A: — ¡Ah!, por supuesto. Para mi cada rostro…
S: — Y al final cada rostro te parece hermoso...
A: — Por su puesto, totalmente de acuerdo. Cada cara tiene una estructura propia, una armonía propia.
Yo creo que el lenguaje del arte te conecta más sanamente a la vida, y eso lo hace mejor ser humano. Soy un convencido de que el arte tiene ese papel social.

Mozart —por Alonso Núñez Rebaza

Cómo aprender a dibujar desde cero. Consejos de Alonso Núñez Rebaza

Salvador: —Tío Alonso. Para ti la línea que es. Leonado decía que era un límite imaginario, que en realidad no existía.

Alonso: —No existen pues, es una concepción abstracta. L a línea es una sucesión de puntos en el espacio.

S: — Y qué es el dibujo  en el papel

A: —Es una huella, un registro, con tu manera de ser una simple línea puede revelar mucho de ti. A través de una letra un grafólogo puede llegar a saber cómo eres. Igual si tú trazas una línea recta, no sé, la manera en que está, cada una es distinta. En el trazo hay una especia de registro que revela tu estado de ánimo.

S: —Claro, se pueden ver y sentir  las diferencias entre Rembrandt, Goya, Daumier…

A: —Detrás de la línea está la historia más íntima de esos maestros.

S: — ¿Cómo es que unos llegaron a recrear la forma con la línea y otro no? Esa precisión… Según tu experiencia en que radica el hecho de tener esa habilidad, de dibujar bien.

A: —Esa habilidad  es solo eso ¿no? Una habilidad. Porque un buen dibujo no es necesariamente un dibujo “correctamente”  hecho en cuanto a proporciones, perspectiva, para mí un buen dibujo es un concepto más completo, ¿no? puede ser de repente un dibujo no hecho muy correctamente.

S: —Como Chagall

A: —Claro, Picasso también hacía trabajos así, unos casi garabatos, y muy expresivos, con mucho contenido. Entonces para mí el buen dibujo…

S: —Pero Picasso era un buen dibujante. Me refiero al sentido de la línea tal cual es, al acto mecánico, de dar una forma definida en el papel, desde un punto de vista académico, claro, porque desde un punto de vista conceptual ni siquiera la forma es necesaria para expresar algo.

A: —Bueno, el dibujo es una habilidad que puede ser desarrollado en algunos casos, pero a mi manera de ver es innato el reproducir en un papel una forma mientas la estás viendo.

S: — ¿Mientras tú dibujas puede hablar? O prefieres el silencio, la privacidad.

A: —ummm

S: —Creo que así es más fácil

A: —Sí, sí, sí. Yo prefiero estar concentrado en mi dibujo. Me distraigo y me distraigo, y pierdo…

S: —y que te pregunten ¿cómo lo hiciste?

A: —No, no, no, pierdo completamente la capacidad de registro. Yo estoy viendo algo y mi concentración es absoluta en la forma.

S: —Una vez recuerdo que le preguntaba al abuelo del como hacía sus dibujos, y eran varias las preguntas, él me dijo: —“Primero mira y después te explico” —Era como si ese mundo fuese muy privado y complejo.

A: —Si pues. Yo también siento lo mismo.

S: —Es concentración entonces.

A: —Una parte concentración. Es otro lenguaje. Como si estuvieras hablando otro idioma. Si estás hablando castellano no puedes hablar inglés y castellano al mismo tiempo, algo así.

S: — ¿Y has experimentado la perdida de la noción del tiempo?

A: —Totalmente

S: — Carajo, puedes estar cinco horas…

A: —Puedes tenerme toda la mañana dibujando…

S: —Pero si estás sentado cinco hora sin hacer nada de tu oficio te aburres.

A: —Así es. Creo que es una característica de todo buen dibujante

S: —Es como un yoga.

A: —Sí, sí, sí. Es un tipo de realización también. Yo cuando estoy deprimido dibujo, como una necesidad, algo así como salvar el día, en vez chupar dibujo cualquier cosa, no importa que sea algo importante, un garabato, si es un invento, lo que sea, el hecho es que el acto de dibujar me da un estado de ánimo especial, me sana, es curativo el acto de dibujar… Dibujar es como un ritual, es un acto creativo, místico. No me gusta dibujar y hablar…claro, cuando hablo por teléfono no, en ese caso si deja mover la mano y hacer dibujos, pero generalmente es con personas que no generan en mi ninguna atención, está molestando, y para no aburrirme dibujo, quiere decir que no estoy muy concentrado en lo que me dice y más concentrado en el garabato que estoy haciendo.

Continuará...

George Bush -por Alonso Núñez Rebaza

Como aprender a dibujar desde cero (mirando dentro de tu alma)

Ahora que tienes una idea de lo que eres capaz de hacer mirando un objeto natural, ahora dibuja un objeto imaginario, es decir, mirando dentro de tu alma, en tus recuerdos.

Cierra los ojos y "visualiza" algo cotidiano. Una vez que lo tengas bien presente, en todos sus detalles, incluso evocando olores, texturas y sentimientos, trata de dibujarlo, uno con los ojos cerrados y otro más con los ojos abiertos.

El dibujo que hagas con los ojos cerrados es probable de que no salga proporcionado, enlazado en sus partes, pero la sensación te ayudará a comunicarte con tu alma. Serás consciente de que estás en la capacidad de recordar cualquier cosa con una increíble cantidad de datos, todos enlazados de manera asombrosa en un solo instante (si el proceso de meditación es el correcto)

Llegando la noche -por Salvador Núñez (escena imaginaria)

Para que puedas meditar correctamente debes focalizarte en ese elemento, "contemplarlo con humildad y profundo amor", sentir que es "real" porque en verdad está dentro de ti. No cuestiones nada, no te preguntes si es real o no, simplemente "contémplalo" y dibújalo.

Es posible que en este primer intento frases como: ¿es así la mano? ¿se puede entender que es una figura en esa postura? ¿tienen que verse todos los dedos de la mano?...etc, y que con "eso" el resultado se amengüe en calidad. La duda es el enemigo de todo resultado artístico.

Ahora tienes que empezar a "ver". Lo que padeces es una suerte de ceguera. Entonces hay que sacar el velo que está cubriendo tus ojos y empezar a "descubrir el mundo tal cual es". No te sientas mal si tropiezas con tu "raciocinio", es natural caer en la torpeza de creer que todo lo aprendido valió la pena.

El siguiente paso es dibujar del natural, mirando con mucha atención la cosas como son, y no solo el objeto, es necesario que mires las formas que están fuera de él, pero eso lo dejaremos para la siguiente clase, cuando hablemos de la linea. Por ahora te diré que es un límite conceptual entre el objeto en cuestión y su entorno.

Si miras solo el objeto este se escapará en sus límites, por eso debes observar lo que está alrededor de él. Eso también tiene una forma, y si tratas de dibujar lo externo también estarás dibujando el contenido. Empieza a reflexionar sobre el concepto del "límite" y destruye toda jerarquía de lo que es tú considerabas más importante. A los ojos del pintor todo es importante. Mira este dibujo de Leonardo da Vinci y entenderás a lo que me refiero.

Entonces elije un objeto cualquiera y trata de ver lo que hay alrededor de él, este ejercicio le dará fortaleza a tu capacidad de observación, por ahora no es necesario que lo dibujes, simplemente imagina. También puedes practicarlo con dibujos de grandes maestros del renacimiento, sin embargo es preferible que lo hagas con objetos reales. El hecho de procesar elementos tridimensionales es más instructivo para el cerebro que analizar imágenes planas.

¿Quién tuvo el estilo de dibujo perfecto?

Leonardo, sin lugar a dudas, pero permítame explicarle el porqué.

Uno podría alegar que Degas, Daumier, o Goya, merecerían tal calificativo, de: "el mejor", y tal vez lo sean, pero permítame aclarar que la opinión que doy es una vista de ¡cinco siglos! Realmente el reto es grande, y al parecer mi respuesta es algo simplista, apoyarse en un genio es cosa fácil, pero hago recordar que hubieron grandes genios del arte que eran muy "regulares" a la hora de dibujar. Por ejemplo: Auguste Rodin y Fernando de Szyszlo. Rodin era capaz de hacer las puertas del mismo infierno por encargo de Dios y Satanás, pero era incapaz de manejar la pluma como lo hizo Miguel Ángel, o su genial paisano Degas. Y el Señor Fernando de Szyszlo no creo que esté en la capacidad de hacer un buen retrato, a pesar de ser más trascendente que Carlos Baca Flor, el más grande retratista académico peruano.

El dibujo es una suerte de embrujo, en el que la capacidad de observación y recreación es algo prácticamente instintivo, pero muchos en el camino, el 99.9%, "aprenden a observar de manera incorrecta".

Un buen dibujante debe ser preciso y a la vez algo indefinido. Si uno es demasiado exacto y rígido pierde atmósfera y movimiento, y si uno es demasiado vago en los contornos puede perder los límites entre la formas. El más grande dibujante alemán, Albert Dürer, era demasiado rígido, justo, eso si, como un reloj atómico, pero duro como el buril que cavaba sus maravillosas xilografías. Rembrandt era muy acertado a la hora de crear sus composiciones, genio del claro oscuro, mejor dibujante que pintor, pero muchas veces sus contornos se desvanecían en la maraña de su vértigo, como una araña que con vehemencia teje en la esquina de una casa abandonada para capturar a la esquiva mosca llamada "atmósfera ideal", y nadie lo logró mejor que él, ni siquiera Leonardo. Pero Leonardo combinaba ambas cualidades: la exactitud y la vaguedad de contornos, y si lo logró es porque era un fanático en tomar a la naturaleza por maestra, incluso las cosas ya memorizadas por él siempre pasaban al lienzo con el apoyo de sus bocetos, bocetos para las manos, para la ropa, el paisaje, el rostro... prácticamente construía  sobre suelo rocoso, nada quedaba en el tenebrismo de la improvisación, tal vez por eso pintó tan poco, pero ese método de estudio le permitió entender como trabajar con el dibujo: —"Los límites de los cuerpos están determinados por el juego de la luz y la sombra, la linea es solo un concepto que en realidad no existe" —ese dicho es harto conocido, pero poco practicado. "La linea no existe", y es por eso que Leonardo la usa solo como una referencia, él maestro Leonardo concebía a la linea como un límite imaginario, y que lo más importante era lo que estaba contenida dentro de ella, o fuera del objeto en si. Es así que su "linea" cumplía solo con el modesto cometido: Limitar los volúmenes.  

Santa Ana, la Virgen, el Niño y San Juan Bautista, por Leonado (estudio previo) 

Recomiendo a los estudiantes de arte y profesores que estudien el virtuosismo de Leonardo, en materia de dibujo, el conocerlo podría darle al alumno el ahorro de muchos años de estudios chapuceros y disparos intuitivos sin rumbo definido. Es vital conocer ese dibujo, de familiarizarse con su trazo exacto, pero a la vez con la atmósfera e intensidad de las curvas tonales correctas del gran Leonardo.

Estudio de un caballo, por Leonardo da Vinci. 

Estudio de ángel para "La Virgen de las Rocas" —por Leonardo Da Vinci

Estudio para la Batalla de Angliari —por Leonardo Da Vinci.


Fuera de todas estas razones "superficiales" está el contennido. Leonardo siempre le supo dar alma a sus creaciones. Todo dibujante, aunque sea aficionado, sabe que lo más difícil del dibujo es generar la actitud, el sentido de las pequeñas partes en el todo. Esa mueca de la boca, la tristeza de los ojos, la paz del alma, la serenidad, la furia que contiene el miedo y lo hace correr para adelante ( los dibujos para la batalla de Angliari), la dulzura del infante que a su vez revela inteligencia, en fin, todas esas cosas dominaba Leonardo, y es ahí donde radica la genialidad de un verdadero maestro. Hablamos de décimas de milímetros, distancias ínfimas que hablan de la grandeza interna de lo que se recrea. Desde ahora trata de hacer las cosas tratando  de ver el contenido de la vida, si no adquieres ese hábito solo llegarás a ser una medianía sin futuro.

Estudio para la batalla de Angliari —por Leonardo Da Vinci

El dibujo infantil (para pedagogos)

Si se estudia como ha evolucionado el dibujo en las escuelas se puede apreciar que cada vez que se apartó a los alumnos de la naturaleza se presentó un retraso pedagógico en la linea del tiempo. Unos justificaron el estudio de geométricos elementos antes de la copia del natural por el asunto de la complejidad, es decir, de menos a más. Otros emplearon láminas de los grandes maestros para crear el sentido de la observación bidimensional, ignorando que la observación tridimensional estimula más al cerebro y por lo tanto a la lógica constructiva del trazo en el estudiante.

Los pedagogos alemanes analizaron a fondo el hecho de que los niños tienen estadios de aprendizaje, y que no se le puede pedir a un niño de tres años que racionalice la forma como un niño de cinco (hablo del congreso internacional de dibujo del año 1928, en Praga) y que a su vez era importante el dibujo creativo, que el desarrollo de la expresión no debía ser aplacado por los métodos de nemotecnia y grafías.

Esto fue desarrollado por el profesor suizo Berger:
"Hay dos clases de dibujo en cuanto a sus fuentes de inspiración: El uno sirve para reproducir, más o menos fielmente, lo que se ve, es el dibujo de "impresión". Si el modelos es un objeto, una planta, un paisaje real, el dibujo se llama del natural; cuando el modelo es un dibujo o un cuadro, se dice que es una copia. El otro dibujo es el que expresa una idea, o una imagen, sin modelo real o gráfico, es lo que se designa por dibujo de "expresión", por oposición al dibujo de "impresión".

El profesor Roth, de Viena, llega más lejos:
"En lugar de obligar al niño a reproducir sobre el papel un modelo (impresión) con sus características exactas, es mejor, conforme a su psicología, el hacerle imaginar algo nuevo, dejarlo crear (expresión); sin el cuidado de tomar continuamente medidas, el niño da libre curso a su dinamismo, dibuja más rápidamente y con más alegría. Como el dibujo del natural tiene sus dificultades, es preferible hacer que los niños dibujen flores, pájaros, animales, de imaginación. Así el alumno se acostumbrará a dibujar sin que la falta de parecido con algún modelo pueda desanimarlo. Al fin de algún tiempo de dibujar de imaginación, lo cual le ha servido para que evolucione su expresión gráfica, el niño adquiere un gusto extraordinario por la observación, va a pasar a la etapa del y es momento de ponerlo a dibujar del natural".

De los métodos antiguos los  más sobresalientes son los de Lecoq de Boisbaudran (1847) y el de Guillaume (1867).
Lecoq de Boisbaudran en su libro "Educación de la Memoria Pictórica" da el método para adquirir un "vocabulario gráfico" muy similar a los preceptos de repetición y modo gradual que propone Leonardo Da Vinci en su "Tratado de la Pintura, del paisaje, luz y sombra". La diferencia es que el da una secuencia muy detallada de como el alumno puede ascender hasta saber dibujar correctamente. Fue tan exitoso el método que hasta tuvo la aprobación de Horacio Vernet, Delaroche, Delacroix, Viollet le Duc, Arago, Chevreuil, y otros personajes notables de aquella época.

El método Guillaume perduró hasta 1909 y trata el dibujo desde su forma elemental "las líneas", luego pasa a la generación de figuras geométricas de dos y tres dimensiones, después a las formas curvas e irregulares, inspiradas en las formas vegetales. Con esa base pasa a los principios de la perspectiva y el fenómeno de la luz y sombra. Recién cimentado el pulso y la teoría pasa a la recreación de elementos arquitectónicos, del paisaje y la figura humana.

Si se trata de fusionar los diversos criterios se puede llegar a la conclusión que lo mejor es estimular la observación y la imaginación en la primera infancia (hasta los 5 años) dejando que el niño se exprese libremente. Después se le puede inculcar la noción del espacio de acuerdo a la "perspectiva intuitiva" en el estudio del ser humano y su entorno, no olvidando que ese estudio debe ser gradual, sin pretender dar grandes saltos, de entender, como decía Miguel Ángel, que el gran arte esta hecho de pequeños grandes detalles.  

Teodoro Núñez Rebaza -por Teodoro Núñez Ureta


Te extraño papá. Gracias por dejarme tan hermosa biblioteca. No he vendido ningún libro, he comprado muchos más. Lamento que no hayas conocido a mis hijitos, Dianita y Rafael. Trataré de cumplir con el reto de ser padre.
No imaginas la emoción que me da leer los libros que marcaste, tus apuntes con lápiz en esas hojas con las que compartías lo más emocionante y valioso de tu lectura. Te extraño papito, y ahora estoy llorando porque me duele esta soledad. Sin ti nada volverá a ser igual.

Dibujando del natural

Estudio de mujer sentada — por Salvador Núñez

Cuando dibujes del natural no trates de ver la imagen plana en el papel, imagina que esa imagen esta viva en el papel, y que está atrapada detrás de un vidrio. Tu lápiz debe ser como una cuchilla que intenta cortar ese vidrio. Cuando el dibujo esté realizado coloca las sombras como para evitar que ese ser imaginario atrapado en el papel intente escapar.

Trata de no borrar, de ser lo más exacto posible desde el comienzo, para eso debes retener la imagen en tu cerebro, recrearla una y otra vez con el auxilio de la memoria y la imaginación. También ayuda el hecho de comparar las distancias de manera instintiva, analizando parte por parte, disfrutando todo aquello que te pueda permitir recordar al ser vivo que está en tu delante: su tono de voz, su sonrisa y conversación... he ahí la ventaja de dibujar del natural. El aprendizaje será más intenso y humano.

Otra ventaja de dibujar del natural es que nacerá tu forma propia de ver las cosas, no será un eco de fotografía, será un dialogo de tu alma con el modelo, y lo mismo que digo para el desnudo puede ser aplicado para el paisaje y el bodegón. No es lo mismo mirar una manzana en una fotografía que compartirla después de dibujarla con los seres que amas, sentir su aroma, su dulzura y lisura que se delata al tacto de tus manos.

Cuando hayas terminado tu trabajo y la noche te invite a dormir, recuerda lo vivido y aprendido, imagina que estás ante tu modelo, conversando con ella, mirando dentro de su alma como cuando la dibujabas. El recordar lo aprendido es la única manera de almacenar la forma en el alma, para eso es necesario sentir y amar la vida, celebrar el "milagro" de la conciencia que se revela en el talento de tus manos.

La meditación en el arte

Tratar de hacer arte sin sentir es algo factible, es algo así como tener sexo sin sentir amor, o el hablar bien por el solo oficio de orador culto. No es necesario sentir para "hacer bien la cosas", pero, lo que si es imprescindible es interiorizar las percepciones, analizar las vivencias para expresarlas con excelencia y oficio. Por eso resulta muy útil el tener un cuaderno de apuntes a la mano, no solo para dibujar, también para recordar con palabras lo vivido (eso de: "recordar es volver a vivir" es más que un simple dicho cuando se habla de arte)
A continuación enunciaré a algunos artistas que solían escribir y dibujar sus ideas:
Leonardo Da Vinci, Rembrandt, Diego Velázquez, Francisco Goya, Honore Daumier, Van Gogh, Pablo Picasso, Salvador Dalí, Zorolla, etcétera, etcétera. Todos ellos grandes maestros, pero dentro de ellosen mi favorito es Goya, no solo porque "bosquejaba" lo que miraba, también eran sus recuerdos delirantes, humorísticos y críticos, ideas plasmadas a la velocidad propia del genio, reinventando una realidad con intensidad y altura. Ese nivel creativo no se puede conseguir sin emoción, y justamente esa es la diferencia entre un buen dibujante y el verdadero artista: Un hábil dibujante "hace bien las cosas", un artista genera un dialogo pleno entre el hombre y la vida.

Sopla, por Francisco Goya y Lucientes.