La importancia de ser ordenado a la hora de pintar






El desorden genera suciedad, el orden te dará luz. Es muy importante pensar en la evolución de los colores y planos. Tienes que imaginar dentro de tu mente cómo quedará el cuadro desde el inicio, las variables resuélvelas dentro de tu imaginación, no en el lienzo.

Yo soy Peter Pan. (Respuesta solidaria a favor de los marginados por los críticos del arte)

Yo soy Peter Pan.

Estimado Juan Infante:

Eres muy ignorante en el tema del arte, y por lo tanto no tienes la autoridad necesaria para hablar del tema.

Vender arte no es como vender zapatos, vestidos, o comida, ni tampoco ofrecer servicios a la manera de los médicos y abogados. Más claro: el arte es un elemento "suntuario", no necesario. Y si es original, es decir, pieza única, el tiempo invertido puede llegar a tomar hasta un año en su ejecución, y es probable que nadie valore ese largo esfuerzo en su real dimensión económica.

Ahora hablas de "engancharse" en la actividad económica de tu entorno, ser exitoso, competitivo, pero, y ahí está el asunto: ¿Qué pasa con los que hacen un arte fuera de su época? Ahí no estás "enganchado", como una res para hacerla tajadas y servirla. (Me viene a la memoria la res de Rembrandt).

La historia del arte está llena de héroes, por decirlo así, de la pintura, gente que apostó por algo novedoso, yendo a contracorriente, ahí tienes a Käthe Kollwitz con su arte social, que hablaba de la vida de la gente sencilla, de los trabajadores, y esa grandiosa artista, comunista, fue declarada como parte del arte degenerado, no deseado del Tercer Reich. Y en Estados Unidos, al arte social, no le fue muy bien gracias a McCarthy, y su casería de brujas (1). Tanto así que ese arte que se inspiraba en el pueblo fue sistemáticamente bombardeado por la crítica que se encargaba de dirigir el mercado del arte, para la élite.

¿También sabes de la casa Sotheby's, y del cómo emplean la venta de arte para que las mega corporaciones evadan impuestos? Se ha especulado tanto con el arte moderno que las reglas, para distinguir lo grandioso de lo mediocre, ya no existen. Hace poco tiempo se subastó un cuadro de Goya, y no pudo ser vendido. Pero se han vendido cuadros de azul parejo (por no decir monótono), calaveras diamantadas, mariposas impresas, animales en cloroformo, a precios exorbitantes, injustificados. Y ante el mundo se les presenta como a los paradigmas, o iconos, que hay que seguir.



También te hablaría de Vincent Van Gogh, el mantenido, el Peter Pan tan amado por su hermano Teo, y que lo apoyó desde siempre, comprándole materiales para que siguiera con sus poemas de color, de esas nubes con vida propia, o esos caminos sinuosos que conducían a los secretos parajes de su alma atormentada, de verdes, cadmios, rojos de garanza, y azules, que hablaban de su tristeza, pero a la vez de un gran amor y admiración ante la vida, mas no creo que seas tan ignorante como para tener refrescarte la memoria.

Si uno hace arte por la necesidad de hacer dinero, entonces es una puta que tratará de venderse al mejor postor. Y es mejor que sea honesto y busque actividades que generen más ingresos. Un artista tiene que estar preparado para ser un Víctor Humareda, un Van Gogh, o tener la entereza de Rembrandt, para soportar el ser declarado como hombre insolvente, de ver sus bienes rematados, y aún así, en la vejez, proseguir con el sueño de hacer ese arte aventurero, de brumas y texturas que hablaran en un lenguaje nuevo para el alma.

Un artista no es una rata, ya que no es político que piensa en expandir sus intereses en naciones ajenas, ni trabaja en la bolsa de valores especulando sobre ganancias que aún no existen. Un artista es un ser social, vive de sueños, y sus sueños se alimentan en la medida que sea capaz de amar más a su pueblo, aunque ese esfuerzo lo lleve al auto-sacrificio, o en el mejor de los casos a la vida con mesura, a la manera del antiguo cristiano (Antes de Constantino).

Tampoco creo que un artista no esté en su derecho de ser millonario, que entre a concursos vomitando sobre lienzos el último grito de la moda. Que escuche servilmente las ordenes de un sistema que ha perdido sensibilidad ante la vida de la gente, que necesita vender más, pero a la vez necesita pagar cada vez menos, como diría Eduardo Galeano.

Si uno deja morir su niño, pues ya es imposible que haga buen arte. Siempre es necesario algo de inocencia al momento de contemplar la vida. Ahora entiendo por qué la revista Time y CNN lo destacaron como líder. A usted le gusta escupir desde arriba, y secretamente desea que le laman el culo. ¡Pues yo no! ¡Soy Peter Pan y no me vendo! Lo que hago yo es compartir, y las familias que han "comprado" mis cuadros hicieron exactamente lo mismo. Ya que el arte, al menos para mi, no es un negocio, es una forma de vida que linda con la locura, el amor, la soledad, y el placer de soñar, día a día, con un mundo más justo para todos. 

Salvador Núñez.

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(1) Nota: Cuando hablo de artistas siempre lo hago en sentido atemporal, porque el artista no muere, ahí está su obra para hablar por él.

Käthe Kollwitz, como los demás pintores del realismo social, no tienen la misma aceptación que los artistas no sociólogos, desde un punto de vista económico (Si se compara un Jackson Pollock con uno de Käthe Kollwitz la diferencia de precios es abismal). Y a eso me refiero cuando digo que la crítica del arte actualmente está manipulada por los poderes reales del sistema global.

La persecución de McCarty fue en 1950, y Käthe Kollwitz murió en 1945. Y cuando me refiero que en EEUU no le fue bien, como a los otros comunistas, es que su arte "no trascendió al nivel que merecía", si lo comparamos con los representantes del Bauhaus, o con Dalí, abiertamente monárquico, imperial, avida dollars (aunque confieso estimarlo, a pesar que fue un franquista, amante del totalitarismo hitleriano, y de la brutalidad stalinista).

Una situación similar se dio con los representantes del "muralismo" mexicano, y los "costumbristas", llamados indigenistas latinoamericanos (hay que reflexionar del carácter despectivo), tildados como anecdóticos, figurativistas, y hasta subversivos.

Actualmente, a nivel planetario, existe una guerra de conceptos a nivel estético, en muchos casos dentro de una bruma densa, de terminología extraña, pero tal enfrentamiento ha generado una innecesaria competencia, muchas veces desleal, entre artistas.

Mientras el mundo sea dividido entre" triunfadores y perdedores" siempre habrán motivos para psicópatas armados con metralleta masacrado a personas inocentes en supermercados, cines, y demás lugares públicos. Es, muchas veces, una razón de venganza, el saberse fracasado, no reconocido.

Es momento de pensar: El arte por el arte, o el arte para la humanidad.

Diego Ribera.




El dibujo creativo - "despacio que estoy apurado" - En las clases de arte

8 años de edad

En las clases de arte los profesores se preocupan por que todos los alumnos rindan lo mismo, que se estandarice la producción de sus alumnos. Los que trabajan distinto son mediocres, pero, los que son académicos son excelencia... eso es incorrecto y negativo para el estudiante.

Se ponen notas, nivel, distinciones, y con eso se fuerza a estandarizar el espíritu humano, y eso, como ya se sabe: es "imposible".

Se pueden estandarizar los consejos, las reflexiones, pero lo que nunca se debe hacer es forzar la caligrafía del alumno. Ese error es el causante que muchos alumnos se desanimen a proseguir con sus investigaciones y prácticas.

Ejercicio: Dibuja un elemento que creas conocer en sus generalidades, como por ejemplo: un toro, un perro, un gato... y hazlo enteramente de memoria, no uses ninguna referencia visual, Después busca esa imagen, la que creías conocerla bastante bien, y corrige todos tus errores. Se juicioso contigo mismo, incluso puedes llamar a terceras personas de tu entorno para que comparen la realidad con el resultado del dibujo.

No te angusties, ni te deprimas, si el resultado no es "muy bueno". Lo importante es que midas hasta que punto va tu memoria, que descubras cómo eres capaz de mirar hacia tu interior. Ese es el motivo del ejercicio. Puedes practicar frente a un espejo, el mejor modelo, el más paciente, confidente, es uno mismo.

Recuerda que Van Gogh, Picasso, Rembrandt, Rodin, Velázquez, Rafael, Durero, etc, etc, practicaron el autorretrato, como ejercicio, o como obra de arte.



También puedes realizar este ejercicio en la arcilla, o con la plastilina. Es increíble la cantidad de información que uno tiene en la memoria, y no la llega a usar.

El dibujo creativo y el hemisferio derecho II


La copa la realicé en SketchUp, de Google. Pero lo interesante son los dos perfiles que delimitan la copa.

Cuando dibujes imagina lo de afuera como forma vital, necesaria, y compárala con la de adentro. Es como un rompecabezas de dos piezas que "atrapan" la línea. Así evitarás a las "imágenes preestablecida" de la mente. Esa clase de imágenes son las que "deforman" la "realidad" al momento de dibujar.

Las imágenes preestablecidas nos dicen que un vaso de perfil es "rectangular", pero que tiene una cavidad, cuya entrada está en la parte superior, entonces dibujan de ésta manera: Arriba, como parte esencial del vaso, dibujan un elipse (sin darse cuenta de su simetría y variables de curvatura), y abajo, como imagen secundaria, la "línea base del rectángulo".

Se olvidan que un vaso tiene dos círculos vistos en perspectiva, y que no necesariamente tienen que ser dos líneas las que limiten a ese vaso, y si no fueran curvas, suponiendo que sean rectas, las inclinaciones de estas pueden adoptar son muchas, y hay que aprender a verlas.

Es probable que no sepas nada de perspectiva, pues no importa, mejor aún. Interpreta la humilde forma de un vaso de la manera correcta, imagina que nunca viste a ese vaso de la casa en tu vida, capta sus "formas vitales", olvida los conceptos, esas "imágenes preestablecidas", y recrea las cosas tal cual son, analiza la curvatura de la elipse, fíjate que esa curva es más abierta en el centro, y cerrada en sus extremos, compara los diámetros, el mayor con el menor, y no olvides que la base también es curva.

Si dibujas un vaso "correctamente" podrás dibujar absolutamente todo. No hay gran diferencia, en dificultad, de dibujar un vaso, un elefante, o los bordes etéreos de un jirón de nube.

Ejercicio: Dibuja un vaso con las pautas que te he dado (solo lineas, nada de sombras o lineas secundarias, concéntrate en el contorno y lo esencial). Cuando te explique lo que es la perspectiva verás que su conocimiento en verdad no es tan necesario, pero lo compartiré para que racionalices tu percepción en la siguiente clase: "La perspectiva intuitiva".

Nota: Practica, si no lo haces de nada servirá lo que te comparto. 


Y los niños también pueden aprender, así que comparte con tu hijo.

El dibujo creativo y el empleo del hemisferio derecho del cerebro

No basta con mirar las cosas que nos rodean, no basta con reproducir fielmente lo que nos interesa, o conmueve de manera convincente. Es más, tampoco basta con representar la forma con un "cierto estilo" y decir que uno es artista.

Es complicado hablar de belleza y verdad al mismo tiempo, como si estos conceptos dependieran uno del otro. La mentira también puede ser hermosa, y creo que desde que le engañamos al cerebro recreando una imagen ya estamos hablando engañosamente, ya que la forma en un papel nunca será una persona, un toro, o un objeto cualquiera. De esto nos habló Rene Magritte con su "Ceci n'est pas une pipe" ( "Esto no es una pipa") refiriéndose a "la traición de la imagen" como el origen de todo el arte figurativo, desde la prehistoria hasta nuestro días.



He visto con preocupación como las máquinas está acercándose a los hombres de una manera vertiginosa, y creo que si los robots algún día adquirieran el sentido de la existencia, a través de las emociones, valorarían más a Goya y a Van Gogh, que a los virtuosos del hiper-realismo. No se mostrarían asombrados ante la academia de los prerrafaelistas, pero si ante Rafael... ¿Me dejo entender?

El dibujo es más que una rama de la geometría. No puedo negar que es divertido dibujar lo que uno ve, es algo así como magia. Pero es más divertido dibujar "lo que uno siente"

Yo les puedo enseñar a dibujar, pero jamás les enseñaré a sentir, creo que con eso se nace, y si se desarrolla la sensibilidad debe ser de una manera muy personal, ya que el alma se estropea cuando se le fuerza a crecer con fórmulas y teorías. La voz del alma es el arte, y esta debe nutrirse directamente de la vida.

EJERCICIO:

¿Saben ustedes cual es el sentido más importante para un pintor?... no, no es la vista, es el tacto. Si uno aprende a sentir aprenderá a dibujar. El mérito del dibujo está en recrear la "forma". La "vista" es solo un intermediario entre la forma y la interpretación del cerebro. Para interpretar la "forma" el sentido más importante es el "tacto".

¿No han visto cómo los bebes se lo llevan todo a la boca? Se les puede ver felices mientras palpan con sus manitas el mundo que les rodea. Los que nacieron sin manos, o las perdieron, desarrollan toda su interrelación con el mundo exterior a través de la boca, y los ciegos aprenden del mundo con el tacto, pudiendo llegar a ser grandes escultores, y aveces hasta dibujantes, solo porque el sentido del tacto les dio toda la información que requerían. El máximo es el Sr. Esref Armagan.

            

Entonces guarda un objeto dentro de una bolsa, mejor aún si alguien te hace el favor, y luego dibuja lo que sientas con tus manos. Todo objeto es valioso para este aprendizaje. Lo ideal es que llegues a realizarlo con elementos complejos, como rostros y manos.

Primero realiza este ejercicio mirando tus trazos, y luego hazlo con los ojos vendados. De esta manera estarás estimulando tu hemisferio derecho del cerebro, que es el hemisferio del "artista".