Autorretrato - aprendiendo a dibujar


Si eres feo como yó te será más fácil el hacer un autorretrato, pero si eres lindo, o linda, el trabajo será un tanto más complicado. Y es que cuando uno hace un retrato tiene que captar las exageraciones del rostro. En mi caso se hace evidente la exageración de la mandíbula, las cejas como de pocos amigos, la cara medio seca por los casi 40 años, la frente a dos tiempos, etc... Entonces lo que tienes que hacer es ver las particularidades sin piedad, pero también captando las virtudes de tu rostro, por ejemplo: mi mirada es fuerte y varonil (a pesar de ser cuatro ojos), ojos grandes , la nariz bien formada, bueno, mas o menos... y creo que no hay más.

Sin embargo, más importante que el parecido es el gesto, tal vez sea la única ventaja del arte sobre la foto, el poder ver el "contenido" de la forma, el sentimiento que provoca lo observado, más aún si se trata de ti mismo.

Muchos pintores han tomado el arte del autorretrato como un medio de mejorar la técnica de la "observación" ¿escuchas lo que te digo? "observación", no he dicho "la técnica del dibujo", porque, a decir verdad, cada quien mata sus pulgas a su manera. No me atrevería a decir como tienes que dibujar, podría dejar unas pautas, pero ahora quiero que tu hagas las cosas a tu manera, después hablaremos de proporciones, esfumados, trazos expresivos, ritmo de linea, atmósfera, claroscuro psíquico, contrastes y perspectiva, en fin, hay mucho de que hablar, no nos apresuremos, no quiero matar tu estilo propio en esta primera experiencia. Así que quiero que tomes tu primer autorretrato como una grafología de tu alma, y de manera lúdica, sin presionarte innecesariamente.

Entonces agarra un carbón y dibuja como jugando (recuerda que los niños juegan con pasión, entonces haz lo mismo).

Autorretrato a lápiz grafito (6 años atrás). 

También son válidos los autorretratos digitales, el que sigue fue hecho con BAMBOO, una suerte de pizarra virtual en la que se puede dibujar. Mi recomendación es que no le des mucho al detalle, trata de no caer en un hiperrealismo, con la pizarra digital es tentador hacerlo, ten en mente que solo es un medio más para expresar lo que sientes.



Ahora quiero que veas el autorretrato de un verdadero maestro, es uno de mis favoritos:

Autorretrato de Rembrandt Van Rijn (como Zeuxis)

Dibujando un rostro de perfil — por Alonso Núñez Rebaza

Anda a "Play or stop" y apaga la radio

Una clases del maestro Alonso Núñez Rezaba. Nos enseña como una modesta barra de grafito sobre un papel bond puede ayudarnos a crear verdadero arte.


Ejercicio:

Dibuja perfiles utilizando tu imaginación. No "pienses con palabras", "piensa con imágenes"
Te dejo la pauta de que el cerebro, generalmente, no es plenamente consiente del rostro en su conjunto, por eso es muy común que los cráneos sean dibujados por los aficionados como cabezas de ranas, es como si lo único importante fueran los ojos, la nariz y la boca.

Los ojos están en la mitad del rostro. Mide tu rostro y luego halla la mitad, entonces te darás cuenta que lo que te digo es verdad.
La nariz tiene la altura similar a la de la frente, y la frente tiene la casi la misma distancia que la que hay entre la base de la nariz a la base de la barbilla.

Recuerda que la mente necesita de velocidad para dibujar, por eso recuerda de "no racionalizar las formas con palabras", "racionaliza las formas con imágenes"


Cristo, por Alonso Núñez Rebaza (técnica con barra de grafito)

Cómo aprender a dibujar desde cero. De los materiales



Antes de comprar ropa cara esta navidad compra materiales de arte. Cuando quieras emborracharte como un orate piensa que ese dinero podría servirte para ser mejor persona. Y si te gusta ir de parranda a los burdeles para gastar la mitad de tu sueldo, recuerda que ese dinero le sería de gran ayuda a tus hijos.

En realidad si hay dinero para invertir en materiales, pero es cuestión que hagas una nueva escala de valores en tu vida. Te darás cuenta que son más divertido los placeres sutiles que los gustillos del bellaco.     

Cristiana — sanguinas y cretas, por Salvador Núñez.

Mas todo puede servir, no es necesario que te conviertas en un mártir del arte en tu afán de tener materiales finos para el dibujo. El lápiz, ese modesto instrumento con el que aprendimos a escribir, puede llegar a ser un objeto sagrado en las manos de quien ha aprendido a observar.
Si quieres adiestrarte con una gama cálida puedes probar con las cretas y la sanguina, pero repito, no es imprescindible para empezar tus estudios 


Proponte el dibuja del natural. Es más difícil, pero los resultados en el aprendizaje son superiores. Lo complicado es que al cerebro le cuesta adaptarse a recrear lo tridimensional en bidimensional, sin embargo, cuando el cerebro se hace de la costumbre todo deja de ser un acto tortuoso por un acto placentero, y más fuerte y duradero en la memoria.

Prueba con objetos o elementos estáticos. Hasta dibujar un tenedor puede llegar a convertirse en un reto serio, y es que no hay gran diferencia entre dibujar un vaso a un rostro, incluso el vaso resulta más complicado por lo de sus transparencias.

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Ejercicio: Dibuja objetos cotidianos, como una manzana, un lápiz, un peluche, etc, siempre con la intensión de hacerlo con el mejor de tus esfuerzos. Deja de mirar las fotos para dibujarlas, es un mal hábito si quieres aprender a dibujar en corto tiempo.              

Cómo aprender a dibujar desde cero. Surrealismo y simbolismo

¿Qué diferencia hay entre surrealismo y simbolismo?
Los dos tienen que ver con lo onírico y fantástico, pero, el surrealismo tiene por mecánica el no razonar la sucesión de imágenes, algo así como las frases honestas de un loco, o de un borracho. El simbolismo en cambio racionaliza los elementos para expresar algo concreto, o descifrable por el lenguaje de símbolos, de ahí su nombre (simbolismo).

¿Y que estilo es superior plásticamente?
El surrealismo tiene el don de la libertad, es una anarquía que no busca precisamente la belleza como concepto, la estética alcanzada es un resultado paralelo de la catarsis interna, como la belleza de una ciudad destruida por el ímpetu destructivo de los dos rivales, atacar y ser atacado en la búsqueda de una "locura iluminada". Muchas veces ni el artista sabe como llegó a conseguir la unión dentro del caos de las ideas.

El artista simbolista es diferente, es como un romántico drogado con opio. Tiene que ser un hombre instruido en el lenguaje de los símbolos, un intuitivo para captar el mensaje oculto en la imágenes. Se diría que es poesía hilada con metáforas libertinas.

¿Y a que viene tanta teoría si yo solo quiero aprender a dibujar?
La imaginación lo es todo. Si liberas tu imaginación podrás dibujar de un momento a otro, y como un gran maestro.

Si te atas a la razón no podrás ser un auténtico artista, y lo mismo va para los científicos. Muchas cosas parecen imposibles a simple vista, a si estas sean cotidianas. ¿No te parece increíble que con un dedo puedas navegar en tu celular, que a la vez tiene Internet, juegos, ordenador de archivos multimedia, cámara fotográfica y filmadora? ¿No te parece alucinante que exista un colisionador de partículas sub-atómicas capaz de recrear el origen del universo?... Cuando pintes debes hacer exactamente lo mismo, ser consciente de que nada es imposible, que en verdad el universo de tus sinapsis cerebrales pueden resolver cualquier laberinto de emociones a una velocidad que escapa a la lógica lineal. A la hora de pintar tu eres como un elefante sobre un laberinto hecho por hormigas, cuya dimensión no sobrepasa los cuatro centímetros de altura.

Araña llorando -por Odilon Redon

Retrato de Violette Heymann —por Odilon Redón 


 La armadura —por Odilon Redon

El Buda —por Odilon Redon

Silencio— por Odilon Redon.

Creo que Odilon Redon es el más purista de los pintores modernos: inteligente, sensible, atrevido, discreto, intuitivo, y sobre todo: capaz de expresarse con los justos elementos.

Cuando dibujes no intentes el ser acrobático, deja que la linea tenga su propia historia, mira en el interior de tu alma con plena fe en toda tu vida interna, que en realidad es lo único trascendente. Si alguna vez flaquea tu fe tu capacidad creadora caerá por el abismo de la razón.

Solo piensan los brutos, los que son realmente inteligentes se dejan llevar por su intuición. La inteligencia solo debes dejarla para analizar las estructuras matemáticas de la espontaneidad. En realidad la "intuición" es un pensamiento acelerado donde las palabras son un estorbo para la imaginación.

Ejercicio:
Imagina, luego dibuja pensando que solo se trata de un juego, y este consiste en develar lo que existe dentro de ti.

Cómo aprender a dibujar desde cero. Consejo de Oscar Wilde

Ningún artista ve las cosas como son realmente; si así las ve, no es gran artista.

Oscar Wilde

 Oscar Wilde - según Toulouse Lautrec

Oscar Wilde - según una cámara fotográfica.


Es bueno que desde un comienzo entiendas que un gran dibujo no es el "mejor realizado" desde un punto de vista cadémico.Un gran dibujo es el que tiene un buen contenido.


El copiar fotos es bueno, sobre todo para entender lo tridimensional en un plano bidimensional, tal cual es, sin interpretaciones, pero es mejor que veas a tu propia manera, tratando de captar la realidad, mas no desvinculándola de tu sentir interno.


Artistas que copian fotos hay por miles, desde los hiper-realistas hasta los que pretenden llegar a ese nivel, pero no pueden por falta de paciencia. Por eso hay una gran distancia entre los artistas de fotito y lupa en mano a los artistas como Rembrandt, o Picasso.


Tu visión personal de las cosas es importante, porque es con esa manera de interpretar las cosas con las que puedes liberar la grandeza de tu alma. Incluso dentro de los grandes maestros "académicos"del Renacimiento se pueden apreciar las diferencias, por ejemplo: una cosas es Rafael Sanzio, y otra Miguel Ángel, los dos son buenos, pero, el primero es más delicado en las proporciones y posturas de sus personajes, mientras el segundo se expresa con una volumetría más vigorosa, propia de la mano tridimensional de un escultor.


Entonces: Toma a la naturaleza como a una maestra, pero no como a una dictadora mete golpe de colegio primario. Ella te puede dar buenos consejos, ya que nunca miente, pero esa verdad no será plena si no le aportas con algo de tu interior.

Cómo aprender a dibujar desde cero. Consejos de Alonso Núñez Rebaza - II

S: — ¿Y entre dibujar observando a un objeto o mirando hacia adentro, con cuál de los dos te sientes más cómodo? ¿Con cuál disfrutas más?
A: —Ummm. Depende de las circunstancias. ¿No? Si yo quiero dibujar algo que estoy viendo especialmente, y me interesa lo que estoy diciendo, si hay un disfrute, si hay una búsqueda, un deseo de reproducir eso, porque me interesa el tema, pero generalmente son cosas que yo tengo adentro y me gusta dibujar. Derrepente estoy dibujando, que se yo, una viñeta o una caricatura, y se me ocurre la cara de una mujer, y mientras yo descanso empiezo a dibujar la cara de la mujer, que no existe en ninguna parte, solo en mi cabeza, y no sé, esas cosas me divierten mucho, y por eso me distraigo tanto, ni cuenta me doy de la hora que es, ni nada, pueden ser las tres de la mañana dibujando simultáneamente dos cosas, lo que tengo que hacer, que también me gusta, no me disgusta hacer caricaturas, me encanta, es un tema obligatorio, dejo de hacerlo ,y a la vez me relajo, cuando retomo lo otro lo veo más claro.
S: —Y cuando vas dibujando vas pensando a la vez que: este brazo debe ser más largo, este más corto, que la sombra así…
A: — Yo creo que lo hago por instinto, yo diría que el cerebro tiene una especie de software, porque evidentemente hay un aprendizaje de la formas, así como aprendes a caminar, hablar, igual aprendes a entender el lenguaje de las formas, en sus proporciones, movimientos, gestos, actitudes, que se yo, todo eso es aprendizaje. Llega un momento en que dejas de pensar en esos puntos y ya sabes inmediatamente si un brazo es más largo, o debe ser más corto. También puede venir lo que es la desproporción deliberada, pero, ya hay un software, una memoria de lo que has aprendido con el ejercicio constante, que te obliga a observar, registrar, a entender, comprender, reconocer. Ese proceso es largo, de toda la vida, nunca terminas de aprender. En realidad un cuerpo humano tiene todos los problemas del dibujo.
S: —Tu sientes que todavía estás aprendiendo.
A: — Si. Yo siento que no acabo de aprender. Siempre me sorprende algo. Las manos, por ejemplo, es un tema extraordinario, hasta a veces más difícil que la cara, ¿no? Porque las manos tienen una capacidad expresiva enorme, y muchos artistas se dedican a hacer manos porque es un problema de perspectiva, expresión, jodido. La mano para mí es un tema maravilloso, inagotable. Las manos siempre acompañan al gesto.
El cuerpo entero está hablando cuando tú te comunicas.
S: — ¿A ti te ha pasado que cuando dibujas un rostro no muy agraciado, en las norma de lo que es el canon universal, de pronto al dibujarlo encuentra una belleza?
A: — ¡Ah!, por supuesto. Para mi cada rostro…
S: — Y al final cada rostro te parece hermoso...
A: — Por su puesto, totalmente de acuerdo. Cada cara tiene una estructura propia, una armonía propia.
Yo creo que el lenguaje del arte te conecta más sanamente a la vida, y eso lo hace mejor ser humano. Soy un convencido de que el arte tiene ese papel social.

Mozart —por Alonso Núñez Rebaza

Cómo aprender a dibujar desde cero. Consejos de Alonso Núñez Rebaza

Salvador: —Tío Alonso. Para ti la línea que es. Leonado decía que era un límite imaginario, que en realidad no existía.
Alonso: —No existen pues, es una concepción abstracta. L a línea es una sucesión de puntos en el espacio.
S: — Y qué es el dibujo  en el papel
A: —Es una huella, un registro, con tu manera de ser una simple línea puede revelar mucho de ti. A través de una letra un grafólogo puede llegar a saber cómo eres. Igual si tú trazas una línea recta, no sé, la manera en que está, cada una es distinta. En el trazo hay una especia de registro que revela tu estado de ánimo.
S: —Claro, se pueden ver y sentir  las diferencias entre Rembrandt, Goya, Daumier…
A: —Detrás de la línea está la historia más íntima de esos maestros.
S: — ¿Cómo es que unos llegaron a recrear la forma con la línea y otro no? Esa precisión… Según tu experiencia en que radica el hecho de tener esa habilidad, de dibujar bien.
A: —Esa habilidad  es solo eso ¿no? Una habilidad. Porque un buen dibujo no es necesariamente un dibujo “correctamente”  hecho en cuanto a proporciones, perspectiva, para mí un buen dibujo es un concepto más completo, ¿no? puede ser de repente un dibujo no hecho muy correctamente.
S: —Como Chagall
A: —Claro, Picasso también hacía trabajos así, unos casi garabatos, y muy expresivos, con mucho contenido. Entonces para mí el buen dibujo…
S: —Pero Picasso era un buen dibujante. Me refiero al sentido de la línea tal cual es, al acto mecánico, de dar una forma definida en el papel, desde un punto de vista académico, claro, porque desde un punto de vista conceptual ni siquiera la forma es necesaria para expresar algo.
A: —Bueno, el dibujo es una habilidad que puede ser desarrollado en algunos casos, pero a mi manera de ver es innato el reproducir en un papel una forma mientas la estás viendo.
S: — ¿Mientras tú dibujas puede hablar? O prefieres el silencio, la privacidad.
A: —ummm
S: —Creo que así es más fácil
A: —Sí, sí, sí. Yo prefiero estar concentrado en mi dibujo. Me distraigo y me distraigo, y pierdo…
S: —y que te pregunten ¿cómo lo hiciste?
A: —No, no, no, pierdo completamente la capacidad de registro. Yo estoy viendo algo y mi concentración es absoluta en la forma.
S: —Una vez recuerdo que le preguntaba al abuelo del como hacía sus dibujos, y eran varias las preguntas, él me dijo: —“Primero mira y después te explico” —Era como si ese mundo fuese muy privado y complejo.
A: —Si pues. Yo también siento lo mismo.
S: —Es concentración entonces.
A: —Una parte concentración. Es otro lenguaje. Como si estuvieras hablando otro idioma. Si estás hablando castellano no puedes hablar inglés y castellano al mismo tiempo, algo así.
S: — ¿Y has experimentado la perdida de la noción del tiempo?
A: —Totalmente
S: — Carajo, puedes estar cinco horas…
A: —Puedes tenerme toda la mañana dibujando…
S: —Pero si estás sentado cinco hora sin hacer nada de tu oficio te aburres.
A: —Así es. Creo que es una característica de todo buen dibujante
S: —Es como un yoga.
A: —Sí, sí, sí. Es un tipo de realización también. Yo cuando estoy deprimido dibujo, como una necesidad, algo así como salvar el día, en vez chupar dibujo cualquier cosa, no importa que sea algo importante, un garabato, si es un invento, lo que sea, el hecho es que el acto de dibujar me da un estado de ánimo especial, me sana, es curativo el acto de dibujar… Dibujar es como un ritual, es un acto creativo, místico. No me gusta dibujar y hablar…claro, cuando hablo por teléfono no, en ese caso si deja mover la mano y hacer dibujos, pero generalmente es con personas que no generan en mi ninguna atención, está molestando, y para no aburrirme dibujo, quiere decir que no estoy muy concentrado en lo que me dice y más concentrado en el garabato que estoy haciendo.

Continuará...
George Bush -por Alonso Núñez Rebaza

Como aprender a dibujar desde cero (mirando dentro de tu alma)

Ahora que tienes una idea de lo que eres capaz de hacer mirando un objeto natural, ahora dibuja un objeto imaginario, es decir, mirando dentro de tu alma, en tus recuerdos.

Cierra los ojos y "visualiza" algo cotidiano. Una vez que lo tengas bien presente, en todos sus detalles, incluso evocando olores, texturas y sentimientos, trata de dibujarlo, uno con los ojos cerrados y otro más con los ojos abiertos.

El dibujo que hagas con los ojos cerrados es probable de que no salga proporcionado, enlazado en sus partes, pero la sensación te ayudará a comunicarte con tu alma. Serás consciente de que estás en la capacidad de recordar cualquier cosa con una increíble cantidad de datos, todos enlazados de manera asombrosa en un solo instante (si el proceso de meditación es el correcto)

Llegando la noche -por Salvador Núñez (escena imaginaria)

Para que puedas meditar correctamente debes focalizarte en ese elemento, "contemplarlo con humildad y profundo amor", sentir que es "real" porque en verdad está dentro de ti. No cuestiones nada, no te preguntes si es real o no, simplemente "contémplalo" y dibújalo.

Es posible que en este primer intento frases como: ¿es así la mano? ¿se puede entender que es una figura en esa postura? ¿tienen que verse todos los dedos de la mano?...etc, y que con "eso" el resultado se amengüe en calidad. La duda es el enemigo de todo resultado artístico.

Ahora tienes que empezar a "ver". Lo que padeces es una suerte de ceguera. Entonces hay que sacar el velo que está cubriendo tus ojos y empezar a "descubrir el mundo tal cual es". No te sientas mal si tropiezas con tu "raciocinio", es natural caer en la torpeza de creer que todo lo aprendido valió la pena.

El siguiente paso es dibujar del natural, mirando con mucha atención la cosas como son, y no solo el objeto, es necesario que mires las formas que están fuera de él, pero eso lo dejaremos para la siguiente clase, cuando hablemos de la linea. Por ahora te diré que es un límite conceptual entre el objeto en cuestión y su entorno.

Si miras solo el objeto este se escapará en sus límites, por eso debes observar lo que está alrededor de él. Eso también tiene una forma, y si tratas de dibujar lo externo también estarás dibujando el contenido. Empieza a reflexionar sobre el concepto del "límite" y destruye toda jerarquía de lo que es tú considerabas más importante. A los ojos del pintor todo es importante. Mira este dibujo de Leonardo da Vinci y entenderás a lo que me refiero.


Entonces elije un objeto cualquiera y trata de ver lo que hay alrededor de él, este ejercicio le dará fortaleza a tu capacidad de observación, por ahora no es necesario que lo dibujes, simplemente imagina. También puedes practicarlo con dibujos de grandes maestros del renacimiento, sin embargo es preferible que lo hagas con objetos reales. El hecho de procesar elementos tridimensionales es más instructivo para el cerebro que analizar imágenes planas.

Cómo aprender a dibujar desde cero

—Primero debes olvidar lo que hayas aprendido, todo.
—¿Olvidar? eso es imposible.
—Falso. Si se puede. Lo que pasa es que manejas "símbolos" al igual que usas las letras para crear palabras que guarden un significado con las cosas.
—¿Símbolos? Una cosa es una nariz, y otra cosa una palabra.
—Te equivocas. Dejaría de ser una "nariz" si aprendieras a ver. Hazme un favor: Agarra un lápiz 2B y un papel sencillo, de esos blancos que usas para la impresora, o incluso papel craft, no importa. Lo que deseo es que intentes dibujar un rostro.
—Me pides imposibles. Ni siquiera se dibujar bien un vaso, ¿y quieres que dibuje un rostro?
—No hay gran diferencia entre dibujar una piedra a un rostro, pero lo que me dices es más difícil, un vaso tiene características muy especiales,como transparencia, distorsión, brillos, sombras iluminadas... eso si es un tanto más complicado. Yo solo te pido un rostro, y que detrás de ese dibujo le pongas la fecha, este día trascendente en el que entenderás de una vez por todas que dibujar no es tan complicado como parece, es solo cuestión de "ver", y de sentir que eso que está frente a tus ojos es completamente nuevo, como si se tratase del rostro de un extraterrestre. Imagina que tu amigo, amiga, madre, esposa... o tu amante, es un alienígena, un E.T. recién salido de su platillo volador.
—Pero a mi esposa la veo todos los días, su rostro lo conozco.
—Tal vez lo conozcas, pero aún no lo has "visto". Me explico: El cerebro está dividido en dos hemisferios, el izquierdo y el derecho. El izquierdo se encarga de escribir, memorizar, razonar los números, ordenar las secuencias paso a paso hasta llegar a un concepto bien definido. El derecho en cambio se encarga de ser holístico, de integrara las partes en un todo espontaneo, no paso a paso, sino de golpe.

El hemisferio derecho no acude a la memoria porque sabe que lo "evidente" muchas veces es "falso".

—Ya, Salvador, atraco, pero dame unas pautas, como debo hacer, supongo que hay un método.
—No lo hay. Te engañaría. El rostro de tu esposa es diferente al rostro de Rocío, y el rostro de Rocío, como el de tu esposa, son únicos en el mundo, no hay otros iguales. Por eso te digo que no hay reglas, cada rostro es especial, tiene un acertijo que solo puede ser entendible si lo miras como algo completamente nuevo.
—Pero como le haces cuando dibujas de memoria. Yo te he visto dibujar de memoria, y te sale como es en la realidad. ¿Ahí qué estás mirando?
—Simple. Estoy mirando hacia adentro. No se trata de un "don". Todos tenemos un banco extenso de imágenes dentro de nuestras mentes, solo tienes que "mirar" y copiar desde adentro. Incluso es más fácil, porque eso que "sale" ya está afianzado y puedes modificarlo a tu regalado antojo, pero un modelo del natural no puede ser alterado, si es que pretendes hacer una "imagen fiel".
—Me va a dar vergüenza dibujar. Mi trazo es el de un niño de nueve años. Creo que voy a desistir.
—No lo hagas. Mejor quedemos en un trato. Si tú en nueve meses no aprendes a dibujar te devolveré el dinero que hayas invertido.
—¡Satisfacción asegurada, o le devolvemos su dinero! ya pareces de Tele-mercado: ¡Llame ahora mismo y tendrá un 20% de descuento!
—Ja ja ja... que socarrón ante mi oficio de maestro, pero repito: "Dame nueve meses y aprenderás a dibujar como los dioses"
—Trato hecho.
—Bueno. Empieza por hacerle un retrato a tu esposa. Si te da vergüenza tu trazo dile que no se lo puedes enseñar, que esa es una condición del ejercicio. Mejor si la dibujas de perfil, cuando esté mirando televisión, así será más fácil que si la hicieras de frente, o tres cuartos. Cuando tengas listo el retrato me lo envías a este correo: salvadorpintor@gmail.com


22 años - anónimo

06/11/2011
Aquí el defecto principal es la proporción entre el rostro y la cabeza (el cráneo está muy pequeño). El rostro está mejor realizado, incluso hay algo de mérito en la estilización de la boca y barbilla.


Ahora traten de dibujar una silla, un personaje de memoria a cuerpo entero, y la mano izquierda. Si eres zurdo dibuja tu derecha.


Gracias a los blogueros que enviaron sus dibujos. Sigan enviando. Los he revisado todos.


Sin especificar edad... Aquí se puede ver la cabeza a proporción, y una resolución de escorzo bien hecha, el problema está el  las manos y  el grosor de los antebrazos.

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Nota: Los lectores de este blog también pueden enviar sus dibujos, y digan si quieren el anonimato, o no. Sabré respetar vuestra decisión. Dejen su edad , solo a manera de referencia.

¿Serías capaz de renunciar a todo, incluso a tu propia felicidad, por amor al arte?

¿Serías capaz de renunciar a todo, incluso a tu propia felicidad, por amor al arte?

Esa pregunta debes hacértela ahora, sobre todo si eres joven.

Muchos creen que el oficio de arte es pura diversión, bohemia, exposiciones y halagos, pero, que pasaría si la gente que te rodea, de los amigo y familiares, dejaran de creer en ti. Si vieran en tu profesión una suerte de auto-tortura, un sadomasoquismo intelectual que tratase de enseñar a ver a las personas más allá de lo necesario... ¿Acaso los topos necesitan de una gran visión para lograr y adquirir lo que necesitan?

Tienes que saber que el camino no es fácil para todos, que la moda y las palabras aveces pueden más que el sentido común. Ejemplos:

1.- Envuelve caca en papel aluminio, de tal forma que parezcan deliciosos bombones de chocolate. Después introduce esa pestilencia dentro de un cubo de cristal perfectamente hermético y ponle un letrerito que diga: "Lo que ves no siempre es lo que aparenta".

2.- Amarra a un perro dentro de una galería, diseña un sistema que impida que el perro pueda caminar en varias direcciones, solo una monótona trayectoria recta. No le des de comer, ni beber, y no permita que la gente haga lo contrario a tu putrefacta y cruel voluntad. Finalmente déjalo morir de inanición y repite la payasada en otras prestigiosas galerías...

Aunque no lo creas esas cosas ya se han hecho y han recibido elogios de la "crítica especializada". Y en estos mismos momentos hay artistas que sufren de tuberculosis, que viven en cuartuchos húmedos y sin calefacción, héroes que en silencio escriben un pedazo de la historia de la vida interna de los humanos.

Hay gente incomprendida, solitaria, divorciados, maldecidos, encerrados en manicomios, pero que no dejan su "santo oficio del arte", porque saben que es el llamado ineludible de lo más puro de su universo interno, y que renunciar a ello simbolizaría caer en la muerte en vida, perder la razón del porqué se vive. Por eso te digo: ¿Serías capaz de renunciar a todo, incluso a tu propia felicidad, por amor al arte? ¡Yo sí!

No quiero que por monería digas que también lo harías, se humilde, analiza tus taras mentales, tus defectos como persona, comprende cual es el límite de tu osadía a la hora de plasmar tus sueños en un lienzo, tu pasión en una piedra, o que podrías hacer con el barro que Rodín empleó para recrear la vida a la manera de un semidiós. Cuando tengas todo claro en tu cabeza atrévete a decir: ¡Si, yo quiero ser un artista!

¿Quién tuvo el estilo de dibujo perfecto?

Leonardo, sin lugar a dudas, pero permítame explicarle el porqué.

Uno podría alegar que Degas, Daumier, o Goya, merecerían tal calificativo, de: "el mejor", y tal vez lo sean, pero permítame aclarar que la opinión que doy es una vista de ¡cinco siglos! Realmente el reto es grande, y al parecer mi respuesta es algo simplista, apoyarse en un genio es cosa fácil, pero hago recordar que hubieron grandes genios del arte que eran muy "regulares" a la hora de dibujar. Por ejemplo: Auguste Rodin y Fernando de Szyszlo. Rodin era capaz de hacer las puertas del mismo infierno por encargo de Dios y Satanás, pero era incapaz de manejar la pluma como lo hizo Miguel Ángel, o su genial paisano Degas. Y el Señor Fernando de Szyszlo no creo que esté en la capacidad de hacer un buen retrato, a pesar de ser más trascendente que Carlos Baca Flor, el más grande retratista académico peruano.

El dibujo es una suerte de embrujo, en el que la capacidad de observación y recreación es algo prácticamente instintivo, pero muchos en el camino, el 99.9%, "aprenden a observar de manera incorrecta".

Un buen dibujante debe ser preciso y a la vez algo indefinido. Si uno es demasiado exacto y rígido pierde atmósfera y movimiento, y si uno es demasiado vago en los contornos puede perder los límites entre la formas. El más grande dibujante alemán, Albert Dürer, era demasiado rígido, justo, eso si, como un reloj atómico, pero duro como el buril que cavaba sus maravillosas xilografías. Rembrandt era muy acertado a la hora de crear sus composiciones, genio del claro oscuro, mejor dibujante que pintor, pero muchas veces sus contornos se desvanecían en la maraña de su vértigo, como una araña que con vehemencia teje en la esquina de una casa abandonada para capturar a la esquiva mosca llamada "atmósfera ideal", y nadie lo logró mejor que él, ni siquiera Leonardo. Pero Leonardo combinaba ambas cualidades: la exactitud y la vaguedad de contornos, y si lo logró es porque era un fanático en tomar a la naturaleza por maestra, incluso las cosas ya memorizadas por él siempre pasaban al lienzo con el apoyo de sus bocetos, bocetos para las manos, para la ropa, el paisaje, el rostro... prácticamente construía  sobre suelo rocoso, nada quedaba en el tenebrismo de la improvisación, tal vez por eso pintó tan poco, pero ese método de estudio le permitió entender como trabajar con el dibujo: —"Los límites de los cuerpos están determinados por el juego de la luz y la sombra, la linea es solo un concepto que en realidad no existe" —ese dicho es harto conocido, pero poco practicado. "La linea no existe", y es por eso que Leonardo la usa solo como una referencia, él maestro Leonardo concebía a la linea como un límite imaginario, y que lo más importante era lo que estaba contenida dentro de ella, o fuera del objeto en si. Es así que su "linea" cumplía solo con el modesto cometido: Limitar los volúmenes.  

Santa Ana, la Virgen, el Niño y San Juan Bautista, por Leonado (estudio previo) 

Recomiendo a los estudiantes de arte y profesores que estudien el virtuosismo de Leonardo, en materia de dibujo, el conocerlo podría darle al alumno el ahorro de muchos años de estudios chapuceros y disparos intuitivos sin rumbo definido. Es vital conocer ese dibujo, de familiarizarse con su trazo exacto, pero a la vez con la atmósfera e intensidad de las curvas tonales correctas del gran Leonardo.

Estudio de un caballo, por Leonardo da Vinci. 



Estudio de ángel para "La Virgen de las Rocas" —por Leonardo Da Vinci


Estudio para la Batalla de Angliari —por Leonardo Da Vinci.


Fuera de todas estas razones "superficiales" está el contennido. Leonardo siempre le supo dar alma a sus creaciones. Todo dibujante, aunque sea aficionado, sabe que lo más difícil del dibujo es generar la actitud, el sentido de las pequeñas partes en el todo. Esa mueca de la boca, la tristeza de los ojos, la paz del alma, la serenidad, la furia que contiene el miedo y lo hace correr para adelante ( los dibujos para la batalla de Angliari), la dulzura del infante que a su vez revela inteligencia, en fin, todas esas cosas dominaba Leonardo, y es ahí donde radica la genialidad de un verdadero maestro. Hablamos de décimas de milímetros, distancias ínfimas que hablan de la grandeza interna de lo que se recrea. Desde ahora trata de hacer las cosas tratando  de ver el contenido de la vida, si no adquieres ese hábito solo llegarás a ser una medianía sin futuro.


Estudio para la batalla de Angliari —por Leonardo Da Vinci

Diego Velázquez, el mejor retratista de todos los tiempos

Antes de tamaña afirmación pensé en Lucian Freud, Franz Hals, Leonardo, Goya, Rembrandt, Rafael Sanzio, Van Gogh, Boldini, y Eugène Carrière... En realidad la lista es mucho más amplia, menos tiránica y pretenciosa. Sería injusto suprimir de la lista de Renoir, Picasso, Dalí, Van Dyck, Dürer, Holbein, etc, etc, pero lo que quería era dar solamente una lista superficial de la vasta historia del arte, para luego dar mis razones del porqué Don Diego Velázquez Silva fue el mejor.

Lucian Freud era poderoso a a hora de mostrar la psiquis, al igual que su abuelo. Rembrandt captaba la belleza interna, y para ello no disfrazaba lo exterior con recetas de embellecimiento, como lo hizo el genio de Velázquez, o Leonardo, en eso es muy similar a Goya, pero con menos color.

Miremos los besos de Carrière que nos llevan a un universo paralelo de la ternura, una imagen más exacta de lo que es el afecto, pero ese efecto dramático también lo halló Pablo Picasso, y con una pincelada más cargada.

Dürer es el más preciso, el que da con la perspectiva del rostro como Leonardo, pero sin ese sfumato que le daba aire y profundidad al entorno del retratado.

Boldini era veloz, ahorrador de caminos como Hals, pero sin ese drama de Van Gogh, sin esas pinceladas arquitectónicas de Rembrandt en la búsqueda constante de una "nueva verdad", que era igual de rápido, pero más reflexivo en la impronta, eso es evidente sobre todo en sus trabajos de edad avanzada, esa etapa de la vida en la que casi todos los maestros decaen y ya no aportan nada nuevo, ahí Rembrandt nos dejó un legado que incluso le sirvió a los impresionistas.

El Triunfo de Baco, por Diego Velazquez

Rafael es el único que está a la altura de Velázquez, pero es como si todos sus personajes retratados compartiesen casi el mismo carácter, y ahí Velázquez es superior. Uno mira el rostro de Inocencio X y se queda sin habla,o contempla a su dios Marte y le nace una sonrisa indecisa... —¿eso es el dios de la guerra? —se pregunta uno atrapado en la burlesca languidez del conjunto. ¿Y "El Triunfo de Baco", acaso no es un grupo de gente sencilla, directos en su baja pasión, mirando risueños, brindando de igual a igual con el dios de los borrachos?

El Bufón de Calabacillas, por Diego Velázquez.

Don Diego Velázquez nunca es mezquino al compartir su genio, nos da lo mismo  en genio al retratar al Rey de España, como a un bufón de la corte, incluso los trata con respeto, con algo de aprecio por lo que hacían, (hacer reír).

Y si hablamos de su dibujo, pues es insuperable, nunca equivoca en la perspectiva, no le falta a la verdad, pero la adornó un poco cuando esta fue muy cruel con la gente a la cual servía, tal es el caso de Felipe IV, uno de los reyes que pagó la ambición desmedida de sus parientes que acapararon reinados y voluntades con matrimonios entre parientes.

Felipe IV, por Diego Velázquez


Se dice que en el arte del retrato lo más delicado es la recreación de la infancia, esos pequeños modelos vivientes todavía no tienen una personalidad definida, sus rasgos son suaves, y por ello muy difíciles de plasmar en parecido externo y vida interna. Sus faces no conocen la dimensión de la maldad, el rencor que envenena, el placer de la malicia, las astucia que se viste de gala y señorío; lo que ellos conocen es el juego, son aprendices que renuevan sus emociones y re-categorizan sus recuerdos a cada instante. ¿Cómo captar esa santidad involuntaria? Velázquez lo hizo.

Si hay algo que criticar a Veláquez, y lo digo a título personal, es el que haya hecho tantos retratos, invirtiendo tiempo de manera excesiva en lo que bien pudo emplear para cuadros de género mayor, como su Cristo, La Fragua de Vulcano, El Triunfo de Baco, La Santa Trinidad... ¿Me entienden? en todo caso creo que ese error no es del todo suyo, simplemente la gente no invirtió en esa cualidad, preferían retratos para embalsamar su vanidad, pero aún así, dentro del género retrato, hay un cuadro que entra en la categoría de arte mayor, y con ese cuadro cualquier duda de que si fue uno de los mejores pintores de todos los tiempos cae por los suelos, me refiero a "Las Meninas", inspiración y enseñanza hasta para Picasso y Dalí.

Las Meninas, de Velázquez.

Porno versus arte (según Google)

Escribe "porno", y luego escribe "arte", veras en primera lista las páginas más visitadas en ambas especialidades. Luego coloca estas direcciones de: http://es.pornhub.com/http://www.artelista.com/http://es.wikipedia.org/wiki/Arte , etecétera, etcétera, en la siguiente dirección: http://www.mipagerank.com/ y de ahi te darás con la sorpresa de que la palabra "arte" tiene mejor pagerank. Wikipedia en "arte" tiene como ¡8!, mientras que pornhub, el más popular sitio porno de habla hispana e inglesa solo ¿4?... si, así como lo oyes, el arte gana según el buscador de Google, pero luego pones "porno" en la mísma página de wikipedia (http://es.wikipedia.org/wiki/Porno) y verás que su pagerank también es de "8".

¿Qué es lo que determina entonces la posición de tu página en el buscador? simple: los vínculos de otras páginas hacia tu portal, no importando si tu portal es de baja calidad y pobre contenido. ¿Pero acaso el porno es pobre de contenido? no lo es, pero si es muy directo y agresivo para las almas pequeñas, me refiero a los niños. Además despierta el instinto en las bestias maníacas, tal vez por eso Google manipula en algo las cifras y sistemas de búsqueda para proteger a la niñez, eso es un hecho.

 Rebeca Linares (actriz porno española)

Los griegos miraban esas cosas del sexo como algo divino y sagrado, literalmente "rezaban" antes de entrar a los burdeles, pero no para arrepentirse de lo que iban a hacer, todo lo contrario; era como un acto de agradecimiento a sus dioses Apolo, Dionisio, Afrodita y demás seres imaginarios dotados de belleza y fuerza.

Demás está decir que grandes artistas hicieron bellas creaciones con esos dioses y diosas de encanto. El nacimiento de Venus, por citar un ejemplo, ha sido un tema muy tratado a lo largo de la historia del arte. Obras como las de William-Adolphe Bouguereau o Sandro Botticelli a uno simplemente lo dejan sin aliento, extasiado y orgulloso de ser humano.

El Nacimiento de Venus - por William-Adolphe Bouguereau

Sería bueno dejar de ver el tema del sexo como algo indigno, y seguir el ejemplo y sensibilidad de los griegos y romanos. Tal vez no sea malo después de todo. Además: ¿Quién se atreve a decir cómo debe ser el hombre, o la mujer? Que arroje la primera piedra el que nunca en su vida estuvo excitado.

Tanagra, el arte del inframundo

Tanagra (griego Τανάγρα/Tánagra) ciudad de Beocia, invadida y saqueada por los atenienses, y finalmente destruida por los tebanos en los años 360 a.C.

De no ser por las cerámicas en terracota nadie podría suponer siquiera que era una ciudad de un gusto muy refinado en las artes, pues en nuestro días solo quedan restos de torres y muros derruidos. Es como si el tiempo y la ambición hubiesen complotado para borrarlo todo, porque hasta ahora es víctima de pillaje por parte de los lugareños y coleccionistas de ese arte destinado para el inframundo.


El ver esas pequeñas piezas modeladas con tanta fuerza interna y perfección en forma uno se da cuenta que la esperanza en la otra vida y el respeto por los que se iban era muy superior al sentimiento mortuorio de los actuales habitantes del planeta Tierra, lo digo con algo de burla, pero es verdad, porque esas figurillas estaban destinadas hasta para la gente humilde de Tanagra, era como si la última oportunidad de agradecer al ser querido estuviera en contener algo de "alma" en esas esculturillas de terracota. Y ese sentimiento de respeto no solo ha sido en Tanagra; en China, la India, Perú, Norte América, , Indonesia, Egipto, México, y demás culturas del pasado, se ha percibido ese arte mágico en donde la tristeza y la esperanza emergían de las manos del artista para ayudar a decir un último adiós.

Ahora lo usual es ponerle al fenecido un horroroso terno negro, un maquillaje burdo, y un cajón con la monótona imagen del Cristo crucificado (en el mejor de los casos, un diseño original, ya que en la mayoría es solo un arte industrial)

Vayan a los entierros y verán que no les miento, vayan a los museos, y tomarán conciencia de que hasta se han perdido recursos humanos en esta época acelerada y de mal gusto. ¿Acaso quita algo de tiempo o dinero el enterrar al ser querido con su pipa, su libro favorito, o una cerámica que acompañe aquel sueño en solitario? Eso si, se gasta en pagarle al enterrador, al cura, incluso a la cocinera para levantar los ánimos de los que se quedan (eso último si que es horrible, a mi se me quita el hambre cuando veo a un muerto, pero en Perú, mi tierra, existe todavía esa costumbre de servir algo de comidita).

La magia se ha perdido, más se valora el paisaje pixelado del frío televisor, que la campiña iluminada por el Sol que nos saluda y despide todos los días, y de la Luna que nos ayuda con su reflejo a abrir la puerta cuando hay apagón, y ver a la ciudad como un cementerio de monótonos rectángulos de concreto.

¿No será que ha muerto el espíritu mágico del hombre, tal vez absorbido por las luces de neón y embrutecido por las ondas electromagnéticas que invaden nuestros oídos y ojos para comprar lo que no hay que comprar, y aceptar lo que era pernicioso para el espíritu, la soledad interna nacida del egoísmo cultivado?

Veamos el arte de Tanagra, tomemos conciencia que esos tiempos no fueron fáciles, habían más guerras y enfermedades que ahora, pero el hombre se daba un tiempo para contemplar la vida, para sentir la voz interna de la conciencia, ese llamado que lo impulsó a crear maravillas con herramientas sencillas, a escribir las bases de la civilización moderna con un arte e imaginación hasta ahora no igualado. Uno lee la Biblia, a Homero, o recuerda las leyendas que sobrevivieron con las tradiciones orales, y simplemente se da cuenta de que la mente ha sufrido una triste metamorfosis hacia lo pragmático.

La realidad ha superado la ficción, y es que se ha tenido que inventar muy deprisa para evitar que la civilización colapse en su espíritu consumista y auto-destructor. Es como si existiesen dos clases de seres humanos: los creadores y los homínidos consumistas, y eso es muy peligroso, porque el peso de los problemas cada vez es más grande que la habilidad de los genios para resolverlos.

Si la gente fuese más sensible en este mundo moderno tal vez se tendría el coraje de cambiar el curso de la historia, pero el hombre antiguo ha muerto. Hay menos guerras, pero curiosamente hay más injusticias. Hay más comodidades, y sin embargo no existe el espíritu agradecido y confortado. Siempre se quiere más. Es como Roma en sus últimos días, en donde el populus, afortunado por todo el oro que robaron en sus conquistas, gustaba de ir a los vomitorios por el solo placer de seguir comiendo. ¿Eso no es lo que se hace cuando se compra un aparatejo en un súper-mercado para desecharlo al año de uso?


En las cerámicas de Tanagra se siente el espíritu originario del hombre, y eso perdurará hasta el final de los tiempos, nunca pasará de moda, es un caso claro en el que lo utilitario y sencillo puede llegar a convertirse en algo trascendente, parte del patrimonio que servirá para el posible destino de la humanidad: la resurrección de su dignidad.

Rodin, el Delacroix del volumen

La Piedad, por Delacroix
¿Porqué comparar a Rodin con Delacroix? no es curioso que los dos sean franceses, amantes del erotismo, el drama, y la fuerza de la expresión.

Delacroix vivió dentro la magia del romantisismo francés, mientras Rodin vivió en la época de oro de impresionismo frances. Los dos maestros dibujaban con gran velocidad, plasmando sus ideas con la fuerza de un meteorito apocalíptico. No reparaban a la hora de mostrar el contenido en destruir el purismo académico. Es por eso que los dos sufrieron, cada quién en su época, de intelectuales y filósofos del "así tiene que ser".

No es sencillo ser un precursor en el arte, es como trepar una montaña a mano pelada y sin cuerda de seguridad. Tampoco hay puntos referenciales, entonces sería como trepar ese empinado con los ojos vendados y la certeza de que la aventura tendrá una gran recompensa en la cima. En pocas palabras: "para ser un pionero en el arte hay que ser genio, valiente e intuitivo".

Las tres sombras, por Rodin
Decían de Eugenio Delacroix: —"Que hombre tan encantador, y que lástima que se empecine en ser pintor" —Y es que en realidad era encantador. Gustaba de leer y cultivar el sentido común, es por eso que su manera de hablar era atrayente, articulada y sólida. Pero como no fue un intelectual puro, es decir, un narrador erudito del ingenio ajeno, nos dejó una producción que sirvió de referente para casi todo el impresionismo francés, no en vano Cezanne se refería a él como a un "padre".

En el caso de Rodin su erudición no solo era de escultor, también gustaba hablar de arquitectura y literatura como si la ejerciera de profesión. Amó tanto la buena literatura que le dio a Balzac una de sus mejores creaciones, tan genial que fue detestada por los de su tiempo, simplemente miró demasiado lejos para los miopes de biblioteca y salón. Su obra fue calificada de grotesca, de haber sido "modelada con los pies", y ser un homenaje mediocre para el célebre autor de "La Comedia Humana".

Balzac, por Rodin
 Los pintores necesitan ver en volumen el alma humana, es por eso que Miguel Ángel y Donatello son las columnas físicas del renacimiento italiano, como Tilman Riemenschneider (1) lo fue para Alemania (¿acaso no se puede ver su influencia en el gran Alberto Durero?)


Pues la gratitud que le deben los maestros del renacimiento a estos notables escultores es similar a la gratitud que los impresionistas guardaron por él. Gracias a Rodin se pudo entender la importancia del lenguaje de la forma no solo en sus imitaciones a la naturaleza, también se pudo apreciar el trazo del material como parte esencial de la psicología de la forma. "El arte está concluido cuando la obra empieza a hablar por si sola", creo que esa podría ser una de las sentencias para el aporte del francés universal por excelencia, el gran maestro Augusto Rodin.

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(1) Obra de Tilman Riemenschneider en al que se puede ver el mismo estilo de Durero en la inventiva de los pliegues de la ropa y el movimiento interno previo que generó el resultado del alma volumétrica en reposo.
También se puede apreciar la actitud de las manos y la solemnidad germánica de la época. Es prácticamente imposible negar la influencia de este escultor en todo el arte germánico del renacimiento.
Esa precisión en la talla del tilo, de ausencia de vaguedad, se puede apreciar en los xilografías de Durero, en el que la dureza es parte esencial de ese peculiar lenguaje geométrico de la "verdad estética".

El dibujo infantil (para pedagogos)

Si se estudia como ha evolucionado el dibujo en las escuelas se puede apreciar que cada vez que se apartó a los alumnos de la naturaleza se presentó un retraso pedagógico en la linea del tiempo. Unos justificaron el estudio de geométricos elementos antes de la copia del natural por el asunto de la complejidad, es decir, de menos a más. Otros emplearon láminas de los grandes maestros para crear el sentido de la observación bidimensional, ignorando que la observación tridimensional estimula más al cerebro y por lo tanto a la lógica constructiva del trazo en el estudiante.

Los pedagogos alemanes analizaron a fondo el hecho de que los niños tienen estadios de aprendizaje, y que no se le puede pedir a un niño de tres años que racionalice la forma como un niño de cinco (hablo del congreso internacional de dibujo del año 1928, en Praga) y que a su vez era importante el dibujo creativo, que el desarrollo de la expresión no debía ser aplacado por los métodos de nemotecnia y grafías.

Esto fue desarrollado por el profesor suizo Berger:
"Hay dos clases de dibujo en cuanto a sus fuentes de inspiración: El uno sirve para reproducir, más o menos fielmente, lo que se ve, es el dibujo de "impresión". Si el modelos es un objeto, una planta, un paisaje real, el dibujo se llama del natural; cuando el modelo es un dibujo o un cuadro, se dice que es una copia. El otro dibujo es el que expresa una idea, o una imagen, sin modelo real o gráfico, es lo que se designa por dibujo de "expresión", por oposición al dibujo de "impresión".

El profesor Roth, de Viena, llega más lejos:
"En lugar de obligar al niño a reproducir sobre el papel un modelo (impresión) con sus características exactas, es mejor, conforme a su psicología, el hacerle imaginar algo nuevo, dejarlo crear (expresión); sin el cuidado de tomar continuamente medidas, el niño da libre curso a su dinamismo, dibuja más rápidamente y con más alegría. Como el dibujo del natural tiene sus dificultades, es preferible hacer que los niños dibujen flores, pájaros, animales, de imaginación. Así el alumno se acostumbrará a dibujar sin que la falta de parecido con algún modelo pueda desanimarlo. Al fin de algún tiempo de dibujar de imaginación, lo cual le ha servido para que evolucione su expresión gráfica, el niño adquiere un gusto extraordinario por la observación, va a pasar a la etapa del y es momento de ponerlo a dibujar del natural".

De los métodos antiguos los  más sobresalientes son los de Lecoq de Boisbaudran (1847) y el de Guillaume (1867).
Lecoq de Boisbaudran en su libro "Educación de la Memoria Pictórica" da el método para adquirir un "vocabulario gráfico" muy similar a los preceptos de repetición y modo gradual que propone Leonardo Da Vinci en su "Tratado de la Pintura, del paisaje, luz y sombra". La diferencia es que el da una secuencia muy detallada de como el alumno puede ascender hasta saber dibujar correctamente. Fue tan exitoso el método que hasta tuvo la aprobación de Horacio Vernet, Delaroche, Delacroix, Viollet le Duc, Arago, Chevreuil, y otros personajes notables de aquella época.

El método Guillaume perduró hasta 1909 y trata el dibujo desde su forma elemental "las líneas", luego pasa a la generación de figuras geométricas de dos y tres dimensiones, después a las formas curvas e irregulares, inspiradas en las formas vegetales. Con esa base pasa a los principios de la perspectiva y el fenómeno de la luz y sombra. Recién cimentado el pulso y la teoría pasa a la recreación de elementos arquitectónicos, del paisaje y la figura humana.

Si se trata de fusionar los diversos criterios se puede llegar a la conclusión que lo mejor es estimular la observación y la imaginación en la primera infancia (hasta los 5 años) dejando que el niño se exprese libremente. Después se le puede inculcar la noción del espacio de acuerdo a la "perspectiva intuitiva" en el estudio del ser humano y su entorno, no olvidando que ese estudio debe ser gradual, sin pretender dar grandes saltos, de entender, como decía Miguel Ángel, que el gran arte esta hecho de pequeños grandes detalles.  

Teodoro Núñez Rebaza -por Teodoro Núñez Ureta


Te extraño papá. Gracias por dejarme tan hermosa biblioteca. No he vendido ningún libro, he comprado muchos más. Lamento que no hayas conocido a mis hijitos, Dianita y Rafael. Trataré de cumplir con el reto de ser padre.
No imaginas la emoción que me da leer los libros que marcaste, tus apuntes con lápiz en esas hojas con las que compartías lo más emocionante y valioso de tu lectura. Te extraño papito, y ahora estoy llorando porque me duele esta soledad. Sin ti nada volverá a ser igual.

El arte anti-humanista versus el arte de la vida

¿Que es el arte anti-humanista?
Es el arte que se inspira en la nada, en la negación del ser para refugiarse en el placer lúdico del arte. Es algo así como jugar por el solo placer de jugar sin esperar beneficio alguno, ni para uno, ni para los demás. Digamos que es el ego en acción, el ocio de crear algo bello para los ojos, mas solo entendible para la lengua enredada y sofisticada de los críticos.

Por el contrario, el arte de la vida es un modo de contemplar y reflexionar acerca del entorno y el hombre, de tratar de encontrar un significado a la existencia con el solo auxilio de la belleza, me refiero a ese oficio que se ha encargado por más de 20000 años de legarlos el mundo interno y sensible de las civilizaciones: "el arte al servicio de la vida."

Al hablar de esta manera yo se que me expongo a ser tachado de anticuado y anti-evolucionista, que voy en contra de la vanguardia y la curiosidad de los "creadores auténticos". Yo les pregunto: ¿Hay algo nuevo bajo el Sol? ¿Existe una fuente contemporánea de la que emane el veneno aniquilador de lo verdaderamente nuevo? Hace 100 años que empezó la revolución de las artes, de las nuevas teorías, y todo ello ya está enmohecido y pidiendo a gritos el ser enclaustrado en los sótanos de los museos de la "nada".

No quiero decir que todo el arte contemporáneo haya sido en vano, pero si ha sido muy ingrato con su pasado, un asesino desleal para con los padres del arte, complotadores que para brillar embarraron la gloria de los grandes maestros: Insultaron a Miguel Ángel, criticaron a Rembrandt, cuestionaron a los impresionistas, se burlaron de Leonardo para tutearle sin que este pudiera defenderse. ¿Y para qué? para justificar lo injustificable, para bendecir lo hediondo y de mal gusto, sin prudencia alguna ante el hecho de que
iban a ser juzgados por sus propios descendientes.

Chagall

Chagall es como el Fray Angélico del renacimiento contemporáneo. He visto en estos dos años maravillas por Internet, artistas de veinte años con una madurez sorprendente, y creo decir con instinto acertado que estamos a puertas de un arte nunca antes imaginado en toda la historia de la humanidad. El único enemigo de temer es la televisión y la teoría de la sociedad de consumo, esa maldita manera de pensar en que el ser humano es como un preservativo para usar y desechar, de que "nadie es imprescindible", y yo les digo: ¿acaso no es verdad que cuando un numero es cambiado en la ecuación el resultado es diferente? La verdad es que todos ustedes son imprescindibles, que cada ser humano es valioso e irrepetible, mágico y trágico al mismo tiempo. Pero se nos ha hecho creer que el individuo vale poco, que lo sencillo merece el desprecio, y que lo cotidiano es más valioso que el hecho de "ver" y analizar lo que nos huele a injusticia. ¿No es terrorífica la indiferencia que tantos jóvenes tienen al ver las noticias de invasiones y represiones contra civiles desarmados?

El mundo está jodido y la ceguera es como el último recurso de nuestros gobernantes y líderes para obtener el amor y gratitud de su pueblo. Son anti-humanistas y necesitan de un arte que no diga nada, pero que guste y sea aplaudido ante la sociedad.

Dibujando del natural

Estudio de mujer sentada — por Salvador Núñez

Cuando dibujes del natural no trates de ver la imagen plana en el papel, imagina que esa imagen esta viva en el papel, y que está atrapada detrás de un vidrio. Tu lápiz debe ser como una cuchilla que intenta cortar ese vidrio. Cuando el dibujo esté realizado coloca las sombras como para evitar que ese ser imaginario atrapado en el papel intente escapar.

Trata de no borrar, de ser lo más exacto posible desde el comienzo, para eso debes retener la imagen en tu cerebro, recrearla una y otra vez con el auxilio de la memoria y la imaginación. También ayuda el hecho de comparar las distancias de manera instintiva, analizando parte por parte, disfrutando todo aquello que te pueda permitir recordar al ser vivo que está en tu delante: su tono de voz, su sonrisa y conversación... he ahí la ventaja de dibujar del natural. El aprendizaje será más intenso y humano.

Otra ventaja de dibujar del natural es que nacerá tu forma propia de ver las cosas, no será un eco de fotografía, será un dialogo de tu alma con el modelo, y lo mismo que digo para el desnudo puede ser aplicado para el paisaje y el bodegón. No es lo mismo mirar una manzana en una fotografía que compartirla después de dibujarla con los seres que amas, sentir su aroma, su dulzura y lisura que se delata al tacto de tus manos.

Cuando hayas terminado tu trabajo y la noche te invite a dormir, recuerda lo vivido y aprendido, imagina que estás ante tu modelo, conversando con ella, mirando dentro de su alma como cuando la dibujabas. El recordar lo aprendido es la única manera de almacenar la forma en el alma, para eso es necesario sentir y amar la vida, celebrar el "milagro" de la conciencia que se revela en el talento de tus manos.

El artista, por amor propio, no debe trabajar

¿Qué es el trabajo? Dedicarse a una actividad que genere una fuente de ingreso, bien puede ser en beneficio personal, o bien para el beneficio de un patrón,  o las dos cosas al mismo tiempo.
El artista no trabaja en realidad, la verdad que es una suerte de ocio, un pasatiempo que se encarga de mostrar lo sublime y lo miserable en el ser humano. Un artista es un ilusionista, un creador de espejismo que por más que sean pisoteados al final determinan parte de la autoestima, o vergüenza, de los pueblos que los vieron crecer, sufrir y morir en vano.

El artista no es un maestro, solo es el Diógenes que con su lámpara alumbra lo oculto a los ojos casi ciegos de su época, por eso es común que los cataloguen de locos. ¿Quien perdería todo el día en mirar la vida para sentirla dos veces? Es como escribir con la fuerza de un enfermo mental que quiere dejar sus palabras con relieve hasta que se parta el lápiz sobre el indiferente papel que lo soporta todo, hasta los malos poemas y máximas que estúpidamente anhelan marcar la pauta de una "nueva verdad."

Yo no trabajo, soy artista, y no se porque pagan bien mi trabajo, me parece absurdo: ¿Usted le pagaría a un niño por jugar? Creo que el oficio que practico me acerca al estado más grandioso que podría esperar mi alma, en ese estado cinco horas son iguales a un minuto, un día una hora, y mil intentos un solo esfuerzo. Entonces, ¿el arte es un trabajo? no lo creo, y el que dijera que si es un trabajo es que en realidad no disfruta de su oficio creador.

Hasta hace poco estaba trabajando en un mural escultórico, en un encargo soberbio y digno como para dedicarle medio año de mi vida, pero de pronto el "patrón" se le ocurrió darme otro oficio, el de juguetero y artesano. No me quejo del encargo, pero esa tarea (trabajo) esta lejos de mi soberbia y vanidad infantil. ¡Yo soy artista! Así que es muy probable que le devuelva su dinero adelantado y me dedique a crear algo digno de mi tiempo. Yo soy caballo, no un burro de carga, soy un galgo, no un conejo de presa, y eso me está llevando a tomar esa decisión drástica.

No creo que el Señor, que pretendió tener un trabajo mío, acepte dos rollos enormes de fibra de vidrio, polvo de mármol, y dos mil quinientos kilos de arcilla como devolución, así que le daré dinero en efectivo, para eso no demoraré ni tres días. Me da pena por la economía de mi hogar, pero primero está la dignidad y el buen gusto de amarse. La vida es solo una y yo no creo en Dios ni en la vida eterna. Solo busco la felicidad de manera ingeniosa en las artes y oficios, y en los juegos simples de mis hijos pequeños.

      



ANNIBALE CARRACCI (siglo XVII) - Cartas a su primo Ludovico

En elogio de Correggio:

Parma, 18 de abril de 1580

Escribo la presente para saludaros y haceros saber que llegue a Parma ayer... No pude contenerme de ir a visitar en seguida la gran cúpula, que tantas veces me habéis encomiado. A pesar de ir prevenido, quedé atónito al contemplar una tan vasta y compleja construcción — tan admirablemente concebida en cada detalle y tan bién escorzada desde abajo, con tanto rigor y no obstante con tanto gusto, tanta gracia y un colorido que es carne real. ¡Gran Dios! Ni Tibaldi, ni Niccolino, ni, estaba por decir, Rafael mismo tienen nada en común con Correggio. No pretendo ser un gran perito, pero esta mañana fui  ver el retablo de San Jerónimo y Santa Catalina, y la Madonna huyendo a Egipto y, ¡por Dios!, que no tocaría ninguno de estos por la Santa Cecilia. ¿Quién puede describir la gracia de esta Santa Catalina, que tan graciosamente descansa su cabeza sobre el pie de este encantador niño Jesús?

          
Retablo de San Jerónimo y Santa Catalina - por Corregio (detalle)


¿No es más deliciosa que Santa María Magdalena? Y este gallardo anciano San Jerónimo ¿no tiene a la vez más grandeza y ternura — que es lo importante — que el San Pablo, que antes me parecía un milagro, pero que ahora me parece de leño, de duro y anguloso que es? No puede decirse todo, y sin embargo merece mucho más. Que tenga paciencia paciencia vuestro Parmigianino, pues observo que ha intentado imitar toda la gracia de este gran hombre, a pesar de lo cual se queda a gran distancia, pues los putti de Correggio respiran, viven y ríen con tanta gracia y verdad, que os obligan a reír y regocijaros con ellos.


Retablo de San Jerónimo y Santa Catalina - por Corregio

Anécdota y Fantasía — por Marc Chagall

No hay nada anecdótico en mis pinturas: no hay cuentos de hadas ni literatura en el sentido de sugerencias legendarias y populares. Maurice Denis describió las pinturas de los sintetistas franceses de hacia 1899 como superficies planas "cubiertas con colores dispuestos en un cierto orden". Para los cubistas una pintura es una superficie plana cubierta con elementos formales en un "cierto orden". Para mi la pintura es una superficie plana cubierta con representaciones de objetos — animales, pájaros u hombres — en un cierto orden en el cual la explicación lógica de la anécdota no tiene importancia. Lo primero es la efectividad visual de la composición pintada. Toda consideración extra-estructural es secundaria.
Estoy en contra de los términos "fantasía" y "simbolismo" en si mismos. Todo nuestro mundo interior es realidad, y lo es más quizá que nuestro mundo visible. Llamar a todo lo que parece ilógico "fantasía", cuento de hadas o quimera, equivaldría prácticamente a admitir que no se comprende la naturaleza.
El impresionismo y el cubismo son relativamente fáciles de entender, porque se limitan a proponer a nuestra consideración un solo aspecto de un objeto: sus relaciones de luz y sombra, o sus relaciones geométricas. Pero un aspecto de un objeto no es bastante para constituir la temática entera del arte. Los aspectos de un objeto son múltiples.
No soy un reaccionario del cubismo. He admirado a los grandes cubistas y he sacado provecho del cubismo... [Pero] a mi me parecía que el cubismo limitaba indebidamente la expresión pictórica. Sentí que persistir en él era empobrecer el propio vocabulario. Si el empleo de formas no tan desnudas de asociaciones como las de los cubistas había de producir "pintura literaria", me sentía dispuesto a aceptar censuras por haber recurrido a él.

VALORES PLÁSTICOS Y VALORES POÉTICOS:

En pintura, las imágenes de una mujer o de una vaca tienen valores diferentes de plasticidad, pero no valores poéticos diferentes. Literariamente hablando, me siento más "abstracto" que Mondrian o Kandinski en mi uso de los elementos pictóricos. "Abstracto", no en el sentido de que mis pinturas no evoquen la realidad. Una pintura abstracta así es, en mi opinión, más bien ornamental y decorativa, y siempre de alcance limitado. Lo que entiendo por "abstracto" es algo que viene a la vida espontáneamente a través de una gama de contrastes, plásticos al mismo tiempo que psíquicos, y penetra tanto la pintura como el ojo de espectador con concepciones de elementos nuevos y desusados...
El hecho de que utilice vacas, lecheras, gallos y arquitectura rusa provincial como formas originales, se explica porqué forman parte del ambiente de donde salí y sin duda fueron, entre todas las experiencias, las que más profundo recuerdo visual dejaron en mí. Todo pintor ha nacido en un sitio u otro. Y aunque después esté sometido a las influencias de otras atmósferas, una cierta esencia — un cierto "aroma" — de su lugar natal queda siempre pegado a su obra. Pero no me interpretéis mal: lo importante aquí no es el "asunto" en el sentido en que los "asuntos" pictóricos eran pintados por los antiguos académicos. La marca vital dejada por estas tempranas influencias está, por así decir, en la caligrafía del artista.
Marc Chagall
Nueva York (1944)


   El poeta tendido — por Marc Chagall