Tienes que ver ante todo a la escultura como un dibujo al carbón, el volumen s lo que dicta la esencia de un buen trabajo, si después lo pintas, eso es solo un complemento. Las antiguas esculturas griegas eran pintadas después de su acabado en talla, ese mármol que ahora vemos blanco, es la antigüedad era una superficie pintada con carnaciones en esfumatos muy elaborados, los griegos lo que buscaban era el aproximarse a la belleza idealizada, y en ese concepto entraba el color.
En el renacimiento italiano el policromado de las esculturas s reservo para la imaginería de santos católicos.
En la actualidad el color a vuelto a ser una parte gravitante en la idea percibida por el artista, un ejemplo es Oldenburg:
¿Ustedes creerían que la escultura tendría el mismo significado sin el color rojo de la cereza?
Sin embargo si usted la ven en blanco y negro su poder volumétrico no perderá valor:
Ahora volvamos a nuestra clase de escultura, como te decía el volumen de una escultura es como un trabajo al carbón, un dibujo que evoluciona con las intenciones de expresión que uno quiere darle, la imagen que sigue es una etapa primaria de la escultura que estoy haciendo, sin embargo para el arte contemporáneo esto ya podría ser la culminación del trabajo:
Si analizas el claro oscuro del trabajo, veras que la intención desde un comienzo era lograr una luz y sombra de transiciones suaves, si hubiese sido mi intención darle con el garfio gruesoa la imagen o aplicarle rayas de cuchillo a su volumetría el claro oscuro sería sido atonal, y con esto me refiero a la armonía de la luz sobre el cuerpo.
Esto es muy importante que lo tomes en cuenta a la hora de concebir tu escultura, en este caso voy a progresar paso a paso y daré una melodía muy establecida en la escala de valores de los degradados.
Mira este
arte del maestro
Wilhelm Lehmbruck, aquí puedes ver lo que es la continuidad melódica, que tal vez guarda unas armonías de acordes modificados como esos de séptima que empleaba Debussy, pero su melodía sigue uniforme y con sentido tonal:
En la imagen que sigue Linda Prokop a logrado disonancias en su claro oscuro, no respeta el dibujo y le da libertad plena a su enarmonía para alcanzar mas intensidad expresiva, esta se llama "Los Mejores Amigos"
Como podrás ver lo importante en el arte no es acercarse a la verdad de la superficie, eso solo es válido si lo que querías expresar en tu obra lo justificaba, por ejemplo: el hiperrealismo de Ronmueck.
Los pasos
Ahora procederemos a la descripción del ejercicio:
Primero debes hacer un estructura de madera o metal que pueda soportar el peso de la arcilla, si no tienes una estructura que soporte el trabajo, simplemente la arcilla se vendrá abajo por su propio peso. Además de la estructura deberás colocar unas maderitas o tubitos colgados por alambre para que contenga las formas:
Si es que tienes un niño, es el momento ideal para hacerlo participar del trabajo, es valioso para el niño formar su psicomotricidad, así después no dedique al arte, simplemente déjalo jugar
Con el avance de la obra entenderás lo importante que es el empleo de esos palitos de madera, y del porqué deben estas suspendidas por alambres.
Si en el modelado vez que un palito incomoda simplemente tienes que empujarlo y este se esconderá entre la blandura de la arcilla.
La segunda etapa consiste en elaborar las proporciones, trata de ver las distancias y respetarlas tratando en encontrar la simetría, si es que la postura es totalmente asimétrica debes ayudarte con un compás de madera para comparar las medidas.
Coloca la arcilla tratando de ubicar los músculos interpretando las tensiones del cuerpo, si los brazos están en tensión los músculos serán más notorios, pero si la postura es relajada estos volúmenes disminuirán detrás de la piel.
En esta etapa no trates de acabar la lisura de la piel, eso te impedirá ver en bruto los volúmenes, simplemente coloca con rudeza las formas:
Cuando estés más seguro del "bosquejo" detalla un polo la anatomía pero sin acabar la superficie, siempre trata de mirar el trabajo como si estuviera en cero, cuestione capa parte que apliques, corrige, levanta, desbasta, revisa los niveles y el ritmo muscular de la escultura. para eso es útil que utilices una luz lateral movible y veas con mucha atención el claro oscuro. Recuerda que es como dibujar
Después que el esbozo esté definido, empieza a corregir las proporciones y los volúmenes con toda confianza.
Si te das cuenta verás que he traído un poco del cabello sobre el rostro y parte del pecho, ademas he corregido la simetría muscular y la postura original de la mano y la pierna izquierdas, es por eso que es importante que el armazón sea flexible, si es muy rígido es más problemático corregir la composición del cuerpo.
Revisa el claro oscuro con un solo punto focal, también genera contrastes de eclipse para ver la silueta
Ahora llegada esta etapa ya debes pensar en el posible acabado final, la escultura de esta mujer mide aproximadamente 1.50m, si uno eleva esta imagen a la altura de 2.30m le dará una sensación de ingravidez que realzará el sentido diáfano de la postura de la mujer.
Estuve pensando en tres posibilidades:
1.-Colocar en la parte posterior un sujetador de metal y colocar la escultura con la sensación de suspendida en la pared, este arnés de metal debería ser lo suficientemente fuerte como para afianzar la escultura.
2.-La segunda posibilidad es realizar una suerte de nervios de metal que salgan de las bases de las raíces de los dientes, con eso se conseguirá elevar la escultura y crear esa sensación de levitación.
3.-La tercera es más convencional, y es simplemente colocarla sobre un paralelepípedo sobrio y puro, totalmente minimalista, que eleve la escultura a esa altura requerida de 2.30m.
En el boceto original el diente era más alto, y es posible que mañana eleve la altura de las raíces del diente, aunque esta se aparte un poco de la anatomía real del diente, porque para empezar no existe una muela tan grande que pueda entrar en la dentadura de un hombre de igual proporción, todo esto es fantástico y lo que he querido comunicar en el dolo que produce el amor, porque en metáfora el dulce que produce la caries es similar al dolor que produce un amor dominante, un amor que se instala por encima de la voluntad del hombre.
En la mujer no hay gesto de odio, ni de gozo por estar encima de un diente, algo así como que se la están comiendo, no, todo lo contrario, su gesto es de resignación, de paciencia, de reposo, una espera a que ese hombre, que ha sido surrealístamente representado como un diente, le de un lugar aparte, un trono diferente al puro deseo, en ese futuro hipotético interpretativo el hombre dejaría de ser un diente para convertirse en un Adán voluntario de un renovado amor.
Después de este proceso de modelado lo que viene es el sacado de molde, debes considerar todas las posibilidades de que la pieza quede atrapada, sería bueno que tus partes no sean pocas, trata que al momento de hacer le molde este no quede propenso a quebrarse.
Las partes deben estar separadas por latones delgados que entren en la arcilla fresca, como si fueran cuchillos, pero con un corte limpio y dejando una saliente que oscila entre 10 y 18cm aproximadamente, esa saliente permitirá que las partes de yeso no se unan y pueda desarmarse el molde de manera fácil.
Visite la segunda parte: El molde
