Fernando de Szyszlo y los nuevos hijos del arte.


Fernando de Szyszlo tiene una percepción negativa del arte actual, y la ha calificado de “decepcionante”, lo dijo a la Agencia Andina., que el arte actual posee “conceptos que no tienen nada que ver con la pintura”, puso de ejemplo al americano Andy Warhol, que alcanzan grandes cotizaciones pero que no son, en su opinión, valiosos. “Cuando uno mira el arte fríamente, esos retratos de Marilyn Monroe o Mao Tse Tung de Andy Warhol no se explica cómo hay gente que puede pagar cuatro millones de dólares”. También trajo a la reflexión que el Urinario de Duchamp se expuso en 1917, y está por cumplir un siglo.

Don Fernando aprecia una perdida de “profundidad y sentido, de significado” en las nuevas propuestas. Es afín a las ideas de Mario Vargas Llosa -"La civilización del espectáculo" - y de Robert Hughes. -NADA TIENE PESO -dijo ante la pregunta del valor real del arte ante el marketing - “es peor que eso”. “El arte que se produce ahora, se ha perdido profundidad. Se ha vuelto todo light. La novela, la pintura. Nada tiene peso. Eso se ha extendido a la vida humana. El amor ni el sexo tiene peso. Ahora el sexo es una gimnasia”.

En opinión de Fernando de Szyszlo es una mala época para las artes y la civilización. Y hace la cita histórica de que en otros tiempos algo similar se vivió: -“El siglo XVIII es uno muy malo. Hay grandes pintores. Pero cuando uno ve a Boucher y a esos pintores de la corte de los Luises, son unos artistas insoportables. El único que ha sobrevivido es Antoine Watteau “ - y con eso cuestionó de manera lapidaria los aportes del nuevo arte.

Ahora bien, analicemos si eso es verdad. En mi opinión hay dos mundos paralelos en el arte: el que califican los críticos como valioso, y el arte que se desenvuelve fuera del espectáculo, silente y marginal.

Dentro del arte seleccionado por los críticos está: Max Ernst, Lucian Freud, Hannah Faith Yata, Sarah Louise Davey, Kristof Ludwin, ("Teodoro Núñez Ureta, Fernando Szyszlo, Sérvulo Gutierrez, Humareda", por citar a unos nacionales). Pero si seguimos con los de afuera: Zdzisław Beksiński, Giger, Mateo Pugliesse, Kirk Reinert, Maman de Louise Bourgeois, Ron Mueck, Dmitri Gutov, Valery Koshlyakov... bueno en realidad son muchos más, un verdadero ejército de maestros virtuosos, tanto así que me avergüenza de hacer tan burdo resumen, mas creo que son suficientes nombres, y la historia de sus esfuerzos, para desterrar la idea del maestro Szyszlo, eso de que el arte actual es "decepcionante".

Maman de Louise Bourgeois

Si analizan esta lista verán que me refiero a los grandes "maestros artesanos", de los artistas que crean belleza con las manos, y no se dejan llevar por al fuerza del "concepto sin oficio".

Mas cabe decir que la situación actual, de la supremacía del arte conceptual, muchas veces multidisciplinario, tiene por origen el desdén por la forma y la vida de la gente, en la búsqueda incesante del "resumen vital"... ¿Acaso no era evidente que todo ese arte simplificador llevara a los jóvenes, ahora repudiados, a la conclusión de que el oficio era poco importante por ser solo un espejismo de lo aparente?

Ron Mueck

Y sin embargo, a pesar de la corriente que negaba su pasado, apartándose de la “profundidad y sentido, de significado”, como dijo el maestro Szyszlo, los artistas han llegado a un nivel artesanal nunca antes apreciado en toda la historia de las artes, y en la mayoría de casos lo hicieron en silencio, a manera de marginales, excluidos de las grandes bienales y concursos de talento, y en honor a ese esfuerzo sincero creo que es injusto decir que lo hecho en las artes recientes es "decepcionante."

Germán Rondón.

Ahora bien, hablemos de los jóvenes rebeldes. Ellos dicen que: -"no hay referentes suficientes para construir un nuevo arte" - y con ello se está usando un idioma aun más duro, recalcitrante, y expresan de manera visceral el desprecio por todo lo que se ha hecho, minimizando al "creador artesanal" y llevándolo a ocupar, con algo de suerte, el museo de los esfuerzos vanos.

Cuando veo ese arte de "vanguardia" no se si se trata de teatro, cine, danza, decoración, documental, vandalismo, o simplemente joda, pero ahí están sus intentos por decir algo, con gran oficio, o simplemente con la sinceridad, y la necesidad, de comunicar algo referido a las contrariedades de este mundo moderno.


Banksy.

¿Acaso existe autoridad moral para decirle a esos jóvenes que su arte no vale "nada"? ¿No es verdad que heredaron la ruina moral del liberalismo y la sociedad de consumo, caníbal y ciega? -"¿No es verdad que la democracia mandó a la cruz a Cristo?" - leí en un muro hace algún tiempo, y esa frase criticaba un concepto que casi se ha convertido en religión, en un dogma de carácter legal, con inquisición y todo su aparato del miedo.

También recuerdo a un árbol vestido de mujer anciana, a una trampa de osos protegiendo objetos de valor en la calle, a un niño iraní apuntando a un vaquero, como al buitre con su pico de surtidor de gasolina... son tantos los ejemplos. ¿Y acaso ese arte no tiene el mismo valor expresivo que un Humareda o un Picasso de galería? Es más, hablamos de un arte liberado del peso comercial, y muchas veces nacido del solo deseo de comunicar, bajo un seudónimo subversivo, en el acto prohibido de convertir las calles en murales, o en libros abiertos. ¿Y eso no es arte?

Banksy

 Arte en las calles de Irán.

 DMC

 Iemza



Lo que si critico a "los nuevos hijos del arte" es la falta de sensatez a la hora de clasificar las propuestas, de no darse cuenta en donde están los límites, y las mezclas, y no referirse a ellas, de manera honesta, como "disciplinas de artes mixtas".

Es muy importante categorizar y definir, y no decir de manera estúpida que se están "rompiendo los patrones", cuando en realidad solo se están combinando los códigos, cosa que, para variar, ya lo hicieron los griegos en el "teatro, danza y canto", de las tragedias. También no olvidemos a los pueblos primitivos del áfrica y la "pintura-danza", rituales que aún se conservan hoy en día.

Así que no traten de ser originales, simplemente sean. No quieran borrar las huellas para darle sentido a vuestra rebeldía, porque es fácil caer en la comedia y la farsa cuando se es ignorante, o se olvida el sentido común para apreciar las cosas del alma humana.

Salvador Núñez
      

La metralleta antiaérea de Luis Palao Berastain

Autorretrato - por Luis Palao Berastain

Esta noche fue como la crónica de una muerta anunciada (como la del Gabo). El tema era el arte contemporáneo, los ponentes: Ricardo Córdova Farfán, Milko Torres, y Jorge Monteza, en el papel de moderador.

El público en su mayoría eran jóvenes, daba gusto ver la curiosidad y la inocencia en ese grupo humano, pero, también habían mayores, y dentro de ellos Palao...

Mi amigo Jesús Álvarez me dio un preámbulo de lo que se había expuesto, pues llegué medio hora tarde, y era sobre la crítica en el arte. Después le seguí el hilo, pero angustiado, pues Palao estaba ¡ahí!, escuchando pacientemente términos en verdad ofensivos, como: "acartonados, académicos, sentencias de caducidad, innovación, honestidad, originalidad"... en fin, todos soltados de manera desordenada, con una vanidad envuelta de falsa seguridad. Daba miedo todo ese ambiente lerdo y "acartonado", y la espera. Me parecía increíble como Palao pudo cargar con ese silencio, tal vez los años, el humor resignado, no lo se, y tampoco me atrevo a decirlo.

El asunto era que, si bien se hablaba de polémica, respeto y creatividad, lo que se podía apreciar era el discurso irrespetuoso de Milko Torres, y luego sus réplicas desesperadas por tratar de no mostrarse débil ante Luis Palao. Como preludio a ese desastre se escucharon los elogios de Ricardo Córdova hacia el hombre del sombrero, que aveces apoyaba el rostro en sus pálidos dedos. Pero todos esos halagos fueron desvirtuados por un doble discurso, en el que dijo que el arte en Arequipa no tenía más allá de 100 años, repetitivo, copista, mediocre y lleno de ignorancia.

Cuando el moderador dio el paso a las preguntas, ya se podía presagiar perfectamente lo que iba a pasar. Sabía que Palao siempre ha sido un fuerte creyente en al arte de la forma y la psiquis, que tiene muy poca paciencia, "que no sabe callar". Y fue como si un viejo soldado sacara una ametralladora antiaérea. Les dijo "payasos", ignorantes, que no sabía si reír o llorar, que todo lo que habían estudiado los ponentes en verdad no servía para nada, se defendió de todas las ofensas, de la hipocresía, paso por paso. Y sentí vergüenza ajena, también mucha cólera, porque a quien más se le había faltado respeto era al público, jóvenes testigos de un debate poco alturado y "honesto", y es irónico porque esa segunda palabra fue dicha innumerables veces.

Si querían hacer valer al arte "contemporáneo" usaron las peores herramientas, no midieron las circunstancias, el entorno, mucho menos acudieron al sentido común, ya que volví a escuchar el termino "acartonado", el discurso endeble del valor de lo "novedoso", el ataque a la autoestima de los jóvenes y su historia, pero todo bajo el aire diplomático de una conferencia... ¡Yo quería ver sangre!

Fue admirable la soberbia de Milko Torres -¡Si muerdes, yo te muerdo! - la cordialidad de Ricardo Córdova ante palabras tan duras, pero lo que más me asombró fue el desconcierto del moderador, quien en ese momento debió actuar más como un juez, pues Palao, con todo el respeto que tengo por su trabajo, se comportó de manera salvaje... Los "tres" debieron presagiar lo que ya estaba escrito desde un comienzo, no era necesario ser un genio.

Pero valió la pena. Una noche maravillosa, para darnos cuenta que aún hay personas que hablan con seguridad, y que saben defender el valor de sus sueños e ideales, no importándoles si el publico, o el tiempo,  pueda resultarles adverso.

Salvador Núñez           

LA CAPILLA SIXTINA CUMPLE 500 AÑOS, EL VATICANO ESTUDIA RESTRINGIR LAS VISITAS.


LA CAPILLA SIXTINA CUMPLE 500 AÑOS, EL VATICANO ESTUDIA RESTRINGIR LAS VISITAS.

Los frescos de la Capilla Sixtina, obra de Miguel Ángel, cumplen 500 años, ocasión que el Vaticano aprovechó para advertir de que podría limitar el número de visitantes para proteger una de las maravillas de la civilización occidental.

El 13 de octubre de 1512, apenas 20 años después del descubrimiento de América, el papa Julio II realizó un servicio religioso para inaugurar la sala en la que Miguel Ángel trabajó durante cuatro años, buena parte de los cuales tumbado de espaldas para terminar los frescos del techo. Los frescos tuvieron un éxito inmediato entre la población de la ciudad y su fama se extendió pronto a todo el mundo. A partir de entonces la Capilla Sixtina se ha convertido en la sala más visitada del mundo, y precisamente ese es su gran problema. Con el crecimiento del turismo de masas, cada año unas cinco millones de personas, hasta 20.000 al día en verano, entran en la capilla, inclinando la cabeza para mirar el techo. El techo de la capilla, en la que los cardenales se reúnen en secreto en cónclaves para elegir al nuevo papa, incluye una de las escenas más famosas de la historia del arte: el brazo de un Dios gentil dando vida a Adán en el panel de la creación.

A principios de este mes, el crítico literario italiano Pietro Citati generó controversia al escribir una carta abierta en un importante periódico italiano en la que denunciaba el comportamiento de la multitud que visitaba lo que técnicamente es un lugar sagrado. Los turistas, dijo, "parecen hordas de borrachos" y los frescos pueden resultar dañados por su respiración, su sudor, el polvo de sus zapatos y su calor corporal. El ambiente, escribió Citati, está lejos de ser contemplativo ya que los turistas ignoran la petición que hace el Vaticano de silencio, compostura y la prohibición de tomar fotos. SUDOR, POLVO Y DIÓXIDO DE CARBONO

Citati ha sido el último crítico que pide que el Vaticano limite drásticamente el número de personas que visitan la capilla, imprescindible para los turistas que acuden a la ciudad eterna. Antonio Paolucci, director de los museos vaticanos, dijo que no preveía limitar el número de visitantes "a corto y medio plazo", pero dijo que los museos podrían no tener otra opción en el futuro. "La presión causada por los humanos, como el polvo introducido, la humedad de los cuerpos, el dióxido de carbono que produce la transpiración pueden causar incomodidad al visitante y, a largo plazo, posibles daños a las pinturas", dijo Paolucci en un artículo en el periódico vaticano para celebrar los 500 años de los frescos vaticanos. "Podríamos limitar el acceso, estableciendo un límite al número. Lo haremos si crece el turismo más allá de los límites de la tolerancia razonable y si no podemos responder adecuadamente al problema", dijo. Según el sistema actual, los visitantes de los museos vaticanos pueden reservar para entrar o esperar largas colas en el exterior, pero no hay límite para el número total diario.

NUEVAS TECNOLOGÍAS PARA GUARDAR LA OBRA

En 1994, a finales del proyecto de restauración de 14 años, los técnicos instalaron un elaborado sistema de humidificadores, aire acondicionado, filtros y controles de microclima en la capilla. Sin embargo, el número de visitantes se ha disparado en los últimos 18 años, lo que ha puesto el sistema bajo presión. Paolucci dijo que el aire acondicionado Carrier, unidad de United Technologies, estaba estudiando un proyecto "nuevo, radicalmente innovador y de tecnología punta" para proteger los frescos del daño atmosférico. El nuevo equipo debería estar preparado en un año", dijo. El director de los museos dijo que la capilla, a la que Miguel Ángel volvió entre 1535 y 1541 para pintar el panel del Juicio Final tras el altar principal, es para muchos "una atracción fatal, un objeto de deseo". Añadió que había que encontrar una forma de permitir entrar a tantas personas como fuera posible al tiempo que se preservan de daños los preciados resecos.

Fuente: Europapress.com

La pintura de Fujimori (su fiel autorretrato)


Autorretato- por Alberto Fujimori

No es terriblemente malo el autorretrato, desde un punto de vista imitativo ( pero se ve que ha utilizado una foto, y no un espejo, que es la manera correcta). Que bien que haya empleado el tiempo en prisión para aprender a pintar, o tal vez encontró la oportunidad de hacer crecer algo que amaba secretamente y no lo concretó por falta de apoyo en su entorno (caso similar al de Adolfo Hitler y su afición al paisaje urbano).

Lo que si está muy mal es que haya puesto su mejor gesto, y no "ese", el de la boquita de punto, medio retorcida, que acompañaba su mirada fría y calculadora, propia de un hombre sin capacidad de empatía. También pudo emplear ese deixis que utilizó cuando compartió juzgado con Vladimiro, "esa risita coquetona" de secreto y complicidad. Pues no. Simplemente se limitó a utilizar su mejor foto y copiarla con paciencia, y de esa manera demostrar "sensibilidad artística"... ahora me pregunto: ¿En su gobierno hizo algo por la cultura? No lo hizo. No tomó ninguna decisión efectiva de estado para mejorar el nivel cultural del pueblo peruano. Su máximo logro fue hacerle bailar a Tudela el "siki siki" y "el baile del chino". A esos logros también debe agregársele su escapismo, que hasta el mismo Criss Angel hubiera admirado...


Ahora examinemos su contenido escrito:
- "Perdón por lo que no llegué hacer y por lo que no pude evitar"



¿Qué más pudo hacer para desgraciar a nuestro país? pues nada. Álan García dejó al país en la banca rota, con la cerviz quebrada, en parte gracias a la actitud de los empresarios y banqueros que se limitaron a sacar sus capitales y así seguir gozando con lo que robaron sus antepasados en la época de Nicolás de Piérola y demás bastardos del Perú, en el que la libra esterlina estaba a la par del sol peruano.

Fujimori tenía a un país esperanzando por la "honradez, tecnología y trabajo" de un hombre asiático, de raza conocida por ser metódica y estudiosa. Un Perú entero se emocionó ante tales propuestas, nunca antes vistas. La honradez era una virtud de museo y biblioteca, la tecnología era algo lejano y borroso, vinculado a la ciencia, casi "ciencia-ficción" de Pedro Paulet. Y si hablamos de trabajo... bueno, García había defecado como un verdadero búfalo.

... Así que toda una nación recuperó por un instante la ilusión de vivir una esperanza, y le dijo ¡No! a Vargas Llosa, el ilustre agente del Nuevo Orden Mundial en América latina... - ¡Pobres cojudos! -dijo un viejo mientras leía el periódico, hasta ahora lo recuerdo... Pero yo salí a gritar a las calles por la victoria de un hombre decente y humanista... a los pocos meses estaba en la calle mirando a la gente completamente vencida, preocupada porque el dinero no valía absolutamente nada. Los ahorros se evaporaron, y los grandes apristas eran los únicos tranquilos, porque ya habían sido advertidos, entre ellos los actuales dueños del Grupo Gloria, los Rodríguez Banda. El resto del Perú estaba jodido.

Luego se procedió a la "venta cachinera" de todas las empresas bandera a precios de locura. No hubo la ansiada llegada de la tecnología asiática, pero si el adiestramiento televisivo para ser una sociedad consumista y consumida. -¡Bravo, nos han robado! hay que estar orgullosos como nación, ahora nada es nuestro, y la educación técnica es una de las peores del mundo. Ojo: Pero se le puede comprar a los patrones del G-8 sus nuevos juguetes- Esa era la mentalidad colectiva: "la del entreguismo vergonzoso".

Llegaron las "combis" para "mejorar" el servicio urbano. Ahí estaban los asesinos sobre ruedas entre ruidos de motores viejos, gritos guturales, o nasales, que anunciaban las nuevas rutas de todos los pueblos jóvenes que nacieron de las invasiones y el desorden generalizado. Y es así que ganó popularidad: Siendo el líder dentro del caos, el patrono de los delincuentes e ignorantes, el embajador de la chusma y el relajo moral.

Todo lo que antes era "mal gusto" de pronto fue rebautizado con el apelativo de "Cultura Chicha", el arte de las masas: ¡Que viva el ruido, la informalidad, el contrabando, el narcotráfico! claro, y por supuesto: ¡Que vivan los asesinos del huayno, que con chaveta en mano y guitarra eléctrica imponen con horrísonos ritmos el abandono de todo aquello que fue auténtico y bello! Y eso fue la muerte del Perú como nación y cultura milenaria.

Ahora díganme ustedes: ¿Esto pudo haber sido evitado? por su puesto que si.

Tal vez era inevitable el acceder a las peticiones del Grupo Bilderberg, cuya cabeza visible era la de Mario Vargas Llosa, pero el resto si pudo haber sido evitado.

Me apena haber sido testigo de la muerte de mi Perú. De sentir espectralmente las voces de Cesar Vallejo, Ciro Alegría, Mariátegui, Humareda, Malaga Grenet, Teodoro Núñez Ureta (mi abuelo), Sérvulo Gutierrez, Marta Hildebrandt (muerta viviente). Y de saber que resucitar a ese cadáver  llamado "dignidad", tal vez nos cueste el esfuerzo de varias "generaciones de ignorados", porque es así como se gesta el inicio de toda gran revolución cultural: Trabajando en silencio para escuchar los ecos del pasado que no nos abandona, que persiste con su amor de madre a la espera de que nosotros, sus hijos, reconozcamos que algún día fuimos un pueblo grande, y que podemos volver a serlo, si nos proponemos.

¡Viva el Perú!


Autorretrato - por Sérvulo Gutierrez.


Autorretrato - por Teodoro Núñez Ureta


Autorretrato - por Carlos Baca Flor.

Salvador Núñez
   

Ley de la armonía - por John Ruskin


William Turner era el pintor favorito de John Ruskin. En él estaban resumidas todas la cualidades que admiraba el crítico inglés. A pesar de ser un precursor del arte moderno, este pintor, que empezó desde muy joven, era muy diestro a la hora de crear contrastes y balances, proporciones de intensidad, en pocas palabras: Turner era un excelente observador, y no le daba pincelada al azar, sin pensar en la segunda. No se dejaba llevar por sus emociones como caballo sin riendas. Siempre controlaba sus emociones para no escapar de la realidad.

En ciertas pinturas daba la impresión de ser un ciego que súbitamente había recuperado la visión delante de ese paisaje. Y es así que siempre observaba con la inocencia de un niño. No tenía una receta o un método para plasmar la vida en sus lienzos. Todo siempre era una primera vez. Ese estado de gracia interna le permitió plasmar en sus poderosas síntesis el correcto resumen de la naturaleza. 
- S.N.U.          


La armonía

Esta última ley no es, hablando estrictamente, tanto una ley de la composición como de la verdad, pero debe guiar la composición y, por consiguiente, puede ser enunciada propiamente en este lugar.

El buen dibujo es, como hemos visto, una abstracción de los hechos naturales: no puedes representar cuanto quisieras, y continuamente te faltará fuerza para poder representar la naturaleza. Supón que tus medios y el tiempo de que dispones no te permiten dar la profundidad necesaria al color y que te ves obligado a pintarlo más claro. Si pintas todos los colores proporcionalmente más claros, como si se hubiese rebajado de todos ellos una misma cantidad de tono, todavía obtendrás una representación armoniosa y bastante igual de la naturaleza, mientras que otras están muy disminuidas, ya no tienes una copia verdadera. No puedes decirle al observador: "Imagínate esos colores un poco más profundos, y tendrás el hecho tal y como es en realidad". Añada o quite cosas con la imaginación siempre habrá algo equivocado. El cuadro quedará fuera de lo armonioso...

Fragmento literario de "Los Elementos de Dibujo, Colorido y Composición" - por John Ruskin.

Miguel Ángel le escribe a Benvenuto Cellini

Busto de Bindo Altoviti - por Benvenuto Cellini

Os he estimado, desde hace muchos años, como el mejor orfebre que jamás haya existido, y os reconozco hoy por un escultor tan digno. Debo haceros saber que messer Bindo Altoviti me llevó a ver un retrato de él hecho en bronce. me dijo que esta obra era vuestra. Sentí un gran placer, pero lamenté mucho que estuviera expuesta bajo tan mala luz. Si fuera iluminada más razonablemente, se vería qué hermosa obra habéis hecho...

Miguel Ángel Buonarroti

El arte y la religión - por Humano 666

"El arte es el canto del alma". "El arte es un juego de niños que ciertos adultos se niegan a dejar de jugarlo". "El arte es una perdida de tiempo para los necios, y un asunto de vida  muerte para las almas elevadas". "El arte es la historia del espíritu humano"... se han dicho tantas cosas sobre el arte que es muy probable que muchas de esas definiciones sean mentiras.

Ahora vamos a hablar de una de las más antiguas inspiraciones para las artes: la religión.

Creo que si mutiláramos el tema de Dios en la historia de las artes quedaría muy como para compartir. Ninguna fuerza a sido más inspiradora que el hablar de la vida y la muerte en vinculación a lo divino, al Padre del Todo, a aquel ser que se le a visto de mil formas desde que el hombre se hizo la pregunta del porqué de su existencia.

¿Se imaginan vivir sin pensar en ello? sería divertido, como un perrito que mueve su cola y es feliz con las cosas simples de la vida. Pero el hombre, ser atormentado por su gran capacidad de recordar y meditar, nunca pudo librarse de las preguntas referentes a la inmortalidad del alma:  - ¿Para que sufrir y luchar tanto si es que no hay una recompensa para después de la vida? ¿Toda riqueza obtenida, todo triunfo ganado, incluso lo vivido, es inevitablemente arrebatado por la muerte? - Y ahí nació la palabra: - - ¡DIOS! -Y es que si el hombre no podía luchar contra la muerte era necesario que alguien si pudiera, un ser superior. ¿Quién puede vencer a la muerte? Pues lo contrario: la vida. ¿La diosa de la vida? Entonces la primera diosa fue mujer... esa es mi teoría.

Figuras de la prehistoria de Ejipto.

Hay cientos de imágenes de barro, hueso, madera, mármol, piedra, rudimentarias formas de un ser capaz de dar vida, y sin embargo esa diosa, la de carne y hueso, la mujer, era mortal. Era vital crear una deidad que simbolizara y le diera explicación a los nacimientos de los nuevos hombres y mujeres. Y lo mismo pasó con el misterio del sol naciente y la luna. -¿Cómo explicar este ciclo interminable de día y noche, vida y muerte? - Entonces, los segundos dioses, si es que no nacieron simultáneamente, fueron el Sol y la Luna, los dioses creadores de todo lo existente.

 Tonatiuh - Dios Sol azteca.
Coyolxauhqui - Diosa Luna azteca.

Pero faltaba el fluido vital, el semen de Dios, entonces el río fue ese fluido, y la tierra el vientre, esos dioses fueron los que siguieron.

Los demás vinieron cuando el hombre empezó a perfeccionar sus habilidades, y cuando se vio forzado a matar o invadir para poder "crecer" como humano. En esos tiempos el derecho a la supervivencia no tenía parámetros, ni límites. Pensándolo bien, es igual que ahora, pero en estos tiempos antes de invadir a un país tienes que usar la palabra "democracia", o la frace: "por nuestra  patria".

La unión de EEUU se dio por una gran guerra, los del sur contra los de norte (los dos invocaron al mismo Dios), y Sadam Husein quiso hacer los mismo en arabia. Pero había petroleo, y ahí cambió el asunto. Era vital usar esa circunstancia para invadir, y para ello los norteamericanos invocaron a Dios, al dios hebreo Jehová, que si lo ven bien en esas circunstancias le dieron una similitud con Marte, el despiadado dios romano Ares. ¿Hicieron algo los norteamericanos cuando Gran Bretaña invadió la India, o cuando despedazaron las Malvinas, islas muy lejanas, pero muy lejanas a Inglaterra? ¿Ya ven que falso es ese Dios, y que endeble es el pretexto de la lucha por al democracia?

 Ares - dios de la guerra.

Entonces, el ser humano siempre ha necesitado de Dios para justificar sus actos, o tener el valor de hacer lo que le dicta su voluntad, o, como ya he dicho, para hallar consuelo ante la muerte. Y es por eso que los temas vinculados a Dios son infinitos en el mundo de las artes. Dios es un concepto muy fuerte que nos vincula a todos los hechos de la vida, desde lo matérico hasta todo aquello que es impalpable a nuestros sentidos externos, como el amor, o el sueño. Para todas las cosas y hechos se inventaron dioses. Y al final se unieron todos esos conceptos primitivos para unificarlos en un solo ser supremo, en el dios de un pueblo de esclavos que con el tiempo se hizo dueño del mundo. ¡Aleluya!

 Afrodita - la diosa del amor

Sin embargo, ahora que la ciencia a evolucionado y adquirido demasiado: creando vida en laboratorio, explicando el origen del universo a partir de la "nada", racionalizando el origen de la vida y la conciencia... el concepto de Dios se ha debilitado, y ahora es más dable matar en el nombre de la libertad y la democracia, que matar en el nombre de Dios. Y en estos tiempos de modernidad para explicar la maraña del alma es más fácil hacerlo con un arte abstracto que con un elaborado cuadro teísta, en el que el hombre esté vinculado a algo supremo, y esa es la razón por la cual el arte ha decaído. En estos tiempos nos estamos adaptando a una nueva realidad. Incluso los artistas que creen en Dios ya no pueden hacer las cosas como las hacía Miguel Ángel en la Sixtina... les falta fe, y es que ese sentimiento no puede ser falsificado, tiene que ser vivido para que conmueva verdaderamente.

Fragmento de la Capilla Sixtina, Dios dándole vida al hombre - por Miguel Ángel

¿Y qué arte puede conmovernos si Dios no está presente? Hay mucho que decir. Pero la gloria de lo absurdo, y realmente hermoso, no se volverá a repetir con esa intensidad. Y no me refiero a que no exista arte de gran nivel. Me refiero a que dichas creaciones no estarán inspiradas en una creencia fuerte, nacerán en el mundo de la fantasía, y es ahí que habitarán, renaciendo una y otra vez,  mientras el hombre no perezca ante la necesidad de mostrar con arte todo lo fantástico y sensible que habita dentro de la mente.

El mundo - según los vedas.  

Humano 666

Retratos del alma, el sentido del arte.



Judith Scott empezó tarde, después de estar recluida 36 años en una institución psiquiátrica, era sorda, muda, y con síndrome de Down, y ahora es parte de a historia del arte contemporáneo.

Envolvía los objetos como protegiéndolos, cintas de colores y lana, creando capullos para un mensaje involuntario, vital. Su obra es como un retrato de lo que ella era. Envuelta en su silencio, el arte se convirtió en la única forma de comunicar de manera sutil todo lo que habitaba en su mente, debajo del sombrero.

Inspírate en esta mujer que no buscaba la fama, el reconocimiento, solo expresar de manera lúdica, instintiva, la historia de su vida. Creo que ese es el sentido real del arte, no tener mezquindad a la hora de dar, ser libre de todo interés material, y vivir como un niño. Muy difícil sin duda, pero es más complicado hablar del alma con propiedad viéndose atrapado en el deseo de ser recompensado. Eso puede ser una consecuencia de la historia de la vida de un artista, el reconocimiento, pero no un origen. Muchos artistas vivieron en la miseria, a la manera de mártires, como Rembrandt en la última década de su vida, o Vincent Van Gogh, protegido por su hermano Theo. Si ellos no hubiesen tenido el instinto lúdico, y el amor real al oficio, ahora no tendríamos el legado de tales maestros.

Judith Scott dejó este mundo consciente el año 2005, a la edad de 61 años. Que te sirva de lección su pureza de vida, su sencillez y capacidad de trabajo.

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Te dejo de ejercicio que dibujes a estos bailarines chinos. No están limitados, no les tengas pena, simplemente son superartistas, y quiero que veas como componen con sus cuerpos bellas imágenes.

El claro oscuro en los bocetos


Hay veces que el modelo no brindará el claro oscuro indicado para aplicarlo a una determinada obra, por ejemplo, tienes la imagen de un personaje de la historia de Argentina, pero, el conjunto de la composición de sombras no te permite colocarlo en el lienzo. Entonces tienes que cambiar la ubicación de las sombras, y eso es lógica y geometría básica: los objetos más próximos, planos y perpendiculares a la dirección de la luz serán más luminosos, mientras que los curvos y oblicuos en relación a las líneas de luz serán más oscuros, y si el plano están en la misma dirección de los rayos de luz entonces más oscuro aún será, mas si se llega al giro de 180°, de su origen al punto final, habrá una negación de la luz, a menos que se refleje la luz en un plano cercano sobre el "plano modelo". Durante más claro y cercano sea ese plano reflector la sombra del objeto principal será mas suave.


Otro punto a tomar en es drama de la luz. Debes hallar un foco principal, un punto donde la luz se realce, aunque en al vida real ese efecto lumínico no exista, sin embargo psicológicamente existe, a eso se le denomina "cono visual preponderante".
     
El Bufón- por Salvador Núñez. (Óleo de 81cm x 60cm.) 

¿Cómo hacer arte estando con depresión?

¿Cómo hacer arte estando con depresión?
Pues trabajando.

Nuestros sentimientos, en las personas depresivas, son auto-destructivas, hablamos de matarnos, de ya no seguir adelante, que la vida vale poco si es que se vive con tristeza, nos quejamos de ser incomprendidos, poco valorados, y eso le aqueja a miles de personas, cientos, en este mundo "tan competitivo" y apurado.

Sin embargo, debes saber que todos tienen problemas, incluso los que tienen más estatus deben trabajar con mucho tino para no perder lo obtenido, como los que trabajan en la bolsa de valores o en importaciones. Lo se porque tengo amigos con mucho dinero que me cuentas todos sus temas empresariales con un honesto sentimiento de preocupación. En cambio los pobres ya se han habituado a vivir con poco, y sus motivos de felicidad son bien sencillos, por ejemplo: -"hoy día comimos un deliciosos tallarines a lo Alfredo", "nuestra vecina se ha comprado un perro del mercado, y parece que va a ser grande por sus patitas", "el Julián se ha sacado 18 en matemáticas", etc, etc, y ninguna de esas felicidades tienen que ver con viajes a Europa o la adquisición de cosas caras.

Lo primero que debes hacer es sentarte en el caballete, olvidar tus problemas, y concentrarte en tu trabajo, así no tengas ganas de hacer absolutamente nada, o con "ideas creativas" de como acabar tu existencia: Ir al volcán Misti y arrojarse por el cráter, prender el horno cerámico y tomar unos 19 clonazepám para que te agarre dormido, ir en un bote con una piedra atada a una cadena de acero para hundirte en las profundidades del mar y no ser hallado, en fin, todas esas estupideces que atacan a las personas depresivas.

Si no puedes con la depresión entonces toma fluoxetina, o litio, son muy buenos remedios, pero en mi caso "la imaginación se me achata", por eso prefiero utilizar a la depresión para volverme más creativo, pensar en cosas hermosas, en todo lo que he perdido, recuerdo a mis amigos, la familia que perdí, mis triunfos y fracasos, y todo ello eleva mi espíritu, permitiendo que pueda imaginar nuevas pinturas, o esculturas. de esa manera "el problema" se convertirá en una virtud, en un don para hacer buen arte.

Entonces ya sabes. Lo peor es no hacer nada. El ritual del arte requiere acción, y eso está en tu voluntad, no importa lo que te ordenen tus sentimientos, tu fuerza interna es más grande, siempre recuerda eso. Y que no es pecado sufrir del alma. El ocio si es pecado y de ello debes huir.

Desnudo femenino al carbón - surrealismo



Cuando dibujes del natural, en este caso un desnudo, trata de retener la imagen en tu psiquis, no basta con memorizar lo observado, si es que en verdad quieres "crear" una obra surrealista. Tienes que dejar que todas tus emociones divaguen en el subconsciente, dejar la lógica para formar conceptos espontáneos, libres de la atadura académica.

El presente ejercicio usó un modelo, es verdad, pero el dibujo llegó más allá de la simple representación, es la vida de esa persona: sus amistades, su sensualidad, el amor, los recuerdos, la tristeza, la decepción (yo fui su esposo por 10 años), y todo aquello que solo puede liberarse si la mente se entrega a la bruma de los sentimientos, es como un estado de trance, un drogadicto de las emociones que toman el control absoluto de tus manos, de tu vista, de tus deseos. En ese proceso hasta el dibujo puede cambiar: las expresiones de los rostros, los elementos del dibujo, la atmósfera... y el carbón es el medio ideal ya que es muy dúctil, pero eso si, al igual que para comer: las manos deben estar bien limpias, la grasa en los dedos puede manchar. "Es de muy mala educación dibujar con las manos sucias".  

La verdad que es una gran ventaja saber dibujar, puedes decir lo que se te venga en gana, pero no es un requisito de vida o muerte. Puedes trabajar de manera infantil, o como un demente desbocado. Lo que importa es que tu dibujo diga algo, que se exprese, y eso es aplicable para todas las corrientes del arte.

  
Feliz año nuevo - por Salvador Núñez


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Nota: Te extraño Rocío, con todo mi corazón, pero ambos sabemos que yo estoy loco.

Simon Schama - Rembrandt, el padre del arte moderno.



Belgica, por el siglo XVII, estaba bajo del dominio de España, en cambio Holanda había logrado su libertad como para permitir el crecimiento de la burguesía. En ese país los encargos mayormente eran temas épicos, pero en Holanda el mercado del arte estaba dirigido a los burgueses acomodados, es por eso que los cuadros de aquel entonces eran de formato más intimo, como retratos, paisajes, bodegones, y aquí Rembrandt destaca sobre sus similares, él es más creativo, trató temas mitológicos, bíblicos, de genero grupal, como la Ronda de Noche, o las lecciones de anatomía, con una manufactura en estilo y textura fuera de época, y a pesar que fue uno de los mejores, es probable que nunca haya salido Holanda.

Su avanzada en estilo no fue comprendida, la Guardia Civil de Amsterdam (la Ronda de Noche), no agradó, y en varias ocasiones tuvo serios problema económicos, también en gran medida por ser aficionado a la compra de obras maestras. Finalmente en 1656 fue declarado insolvente, y tanto casa, como bienes, fueron vendidos en subasta pública.

El resto de su vida la pasó en pobreza, muriendo en 1669, lleno de deudas. Su hijo Titus, juntamente con Hendrickje Stoffels, la ama de llaves del pintor, se independizó a tiempo para escapar de los acreedores de Rembrandt. Mas la venta de las obras de arte del gran maestro ya no era un tema lucrativo, su trabajo era considerado burdo, tosco, "de baja manufactura". Y es que con el pasar de los años Rembrandt exploró la expresión del trazo como nunca antes se había hecho, mirando más en su interior, a ese espejo viviente que los verdaderos maestros llevan dentro el alma. A mi manera de ver Rembrandt es el verdadero padre del arte moderno, y Goya es el otro gran pilar del arte humanista contemporáneo.



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 Nota: Disfruta de los vídeos que adjunto, es probable que después los borren por faltar a los derechos de autor. http://es.wikipedia.org/wiki/Simon_Schama

Como dibujar un rostro con tinta china


Al igual que la escritura el dibujo tiene una grafología, una caligrafía, y un código de significados en el trazo. Si quieres dibujar un rostro en tinta china debes perder tus temores, ser decidido, tratar de hallar tu propia caligrafía.

Lo complicado de la tinta es que no hay tonos medios en la linea en si, es como un tajo en el papel, no hay titubeos o miramientos endebles, pero, lo que si puedes hacer es aprender a dar el ángulo de ataque a la pluma, y de medir la presión justa. Si aprietas mucho saldrá una mancha, si aprietas poco el trazo resultará entrecortado. Mas en lo demás eres libre, puedes medir tu trazo, cruzarlo, hacerlo en círculos, en garabato, oval, punteando, dando trazos cortos, como de viruta de madera, etc, etc.

Lo que debes acostumbrarte es a no tener miedo por esa línea fuerte y pura, así es el dibujo a pluma, y una vez que lo domines te acostumbraras a ella, incluso llegarás a amarla, a pesar que no perdona errores, es algo así como una novia exigente y poco tolerante, pero la amarás si pasas un buen rato con ella, tienes que pasear en el papel una y otra vez, con ella, con esa dama metálica y poco flexible, todo lo contrario del pincel.

El trazo clásico es un buen comienzo, ya que es ordenado y te dará pulso, pero no está demás que practiques desde un comienzo con el trazo circular y cruzado, mucho más expresivo y fácil de avanzar. El zigzag de trazo corto lo empleaba Goya en su grabados, es excelente para alcanzar realismo sin tener que poseer un pulso extraordinario, como el del Leonardo Da Vinci.

La práctica hace al maestro, pero la sensibilidad a la hora de trabajar lo hace más divertido. Aprende de tus errores y disfruta de tus aciertos.



Es preferible usar una plumilla fina, después prueba con plumas más gruesas, hasta llegar a la pluma de caña, que es para trazos muy expresivos, realmente es de una textura divina, y por ello debo tratarlo en otra clase.

Siempre limpiarás tus plumillas y las secarás, para que no se oxide y pierda fluidez el instrumento de dibujo. Tampoco las hagas caer, si se dobla la punta no volverá a ser la misma.

No la prestes, ya que tu presión es diferente a la de otras manos, y si cae en una mano pesada esta se adecuará a esa presión, y cuando vuelva a tus manos no será igual. Es como una barita mágica, o como si fuera tu mujer... ¿tú la prestarías? igual es la pluma. Debes amarla, ser celoso de ella. No es como el lápiz, que siempre será el mismo, es como una puta, se acomodará a quien la toque y no le importará si lo hace bien o lo hace mal.

Practica en un papel aparte antes de poner el trazo en tu trabajo, y no te olvides de retirar el excedente de tinta antes de sacar la plumilla del tintero, eso evitará que caiga una gota no deseada sobre el papel, o que genere un trazo exagerado y no esperado.

También es valedero hacer un trazo previo a lápiz, ya que como indique más arriba: "la pluma no admite errores". Pero si son pequeños los puedes arreglar raspando con una cuchilla o una hoja de afeitar, pero si la falla es muy insolente nada se podrá hacer... a menos que hagas una técnica mixta, pero eso tiene que ser porque quieres, no porque no te queda otro camino. El mundo del dibujo es muy amplio, pero no por eso hay que temerle.

"Lo que deseo" (técnica mixta: tinta china, aguada, lijado y creta)- por Salvador Núñez

Te deseo el mejor de los éxitos.

Baile Robot - imperdible


Un hermoso canto a la vida. El bailarín contemporáneo que hace danza con sentido y gran destreza.

Dibujar un rostro hermoso

Ximena- por Salvador Núñez

Cuando se hace un retrato uno debe captar no solo la forma. Si te concentras en su mirada, en un leve gesto, en la postura de su cuello, tal vez algo involuntario para la modelo, incluso para ti, estarás en el camino correcto, y no importa si lo recreaste del recuerdo, de una foto, o de natural, lo importante es que hayas sido capaz de captar ese instante que lo resume todo. Es preferible trabajar del natural, o como en este ejercicio, que viene de un ejercicio nemotécnico, sugerido por Leonardo, que es repetir el modelo varias veces hasta que se grabe en la memoria, yo lo copié 5 veces a lápiz, y el quinto lo hice de memoria con el carbón. En apariencia es una perdida de tiempo, pero no lo es, cada pintor debe tener en su mente un buen "archivo de imágenes", y eso con los años es más trascendente, ya que la memoria se debilita si no se ejercita.



He tratado en todo instante captar el lindo rostro de mi amiga Ximena, pero tuve unas fallas, por ejemplo: sus ojos son más chinitos, la edad que aparenta en el dibujo es un tanto mayor, pero me agrada su postura y la recreación casi exacta del claro oscuro. También me alegro de la manera simplona con la que hice los detalles de la bata, como jugando, y me salió bien. Pero lo que más me contenta es que aún me funciona la memoria y la paciencia.

Cuando dibujas un rostro agraciado debes tener mucho cuidado con la distancias, basta que te equivoques unos dos milímetros para que la cara sea de otra persona. Tienes que imaginar que es un trabajo de cartografía, y que un desatino podría provocar una guerra. No mires por mirar, limitándote a recrear los "elementos" que tienes en tu delante, tienes que analizar profundamente sus "características". Incluso si no supieras de proporciones, pero intuyeras de manera salvaje "la correcta manera de mirar" el resultado será bueno.
Diversos autorretratos del maestro Van Gogh, y un daguerrotipo

Si uno compara los autorretratos del mismo Van Gogh, gran maestro, uno se dará cuenta que ninguno es igual al otro, y lo mismo ocurre con los varios retratos que hizo Rembrandt de Saskia. Pero si quieres que salga igualito la manera correcta es a la antigua, con cuadrícula en vidrio y visor, si es del natural, o proyectando una imagen sobre el lienzo, como Dalí, o copiando con una cámara oscura al modelo, a la manera de Vermeer.

Magistral retrato de Saskia, por Rembrandt.

Senos y arte

Estudio de bustos - por Salvador Núñez

Las glándulas mamarias siempre atraen no solo al artista, y es que todos hemos sido niños en algún momento, cercano o lejano. Su forma redondeada, su textura suave, invitándonos a succionarlos, no es pecado, es instinto, pero claro está que con la madurez uno aprende a observar dicha belleza sublimando las emociones, viendo en ellas un símbolo de fragilidad, atracción, y hasta estatus, por ejemplo: si soy muy grandes uno puede creer que se trata de una trabajadora sexual, o bailarina erótica, si son pequeños y firmes nos dan la idea de elegancia e inocencia, y va muy bien con el ballet. Y si no hay nada nos da un cierto sentimiento de falta de fecundidad o incapacidad para ser madre (de manera subconsciente, porque de igual forma puede dar de mamar a su criatura, si viene el caso). Lo mismo sucede con los hombres y sus partes íntimas, un buen miembro simboliza masculinidad, fortaleza sexual, y si eso se complementa con una forma en "V" le da al sexo opuesto sensación de seguridad, como que puede ser un excelente papá para la posible guagua.

Para el arte moderno no hay reglas, se puede usar una modelo de senos pequeños como de senos enormes, todo depende de lo que se quiere comunicar.



En cuanto a su ejecución en la pintura se puede ejercitar primeramente con frutas suaves, como la redondez y característica mate del durazno, el brillo del damasco o la cereza, ya que en esencia es una forma semiesférica. Si se hacen las transiciones de las sombras con suavidad, teniendo en cuenta las sutiles variaciones tonales, no habrá problema en recrear las formas de los diversos bustos.

El ancho de la espalda influye en su forma, también la actividad física, y el hecho de haber usado sostenes o no. La cantidad de grasa corporal puede dar unos senos bien suaves, y si se ha hecho mucho ejercicio estos pueden reducirse considerablemente, hasta casi desaparecer, en especial si se practica físico-culturismo.


Otro buen ejercicio es dibujar los senos de la Venus de Milo. Recrear sus sombras con cuidado. Teniendo la paciencia y el pulso para no exagerar en la trama de las sombras. Concéntrate solo en los senos, de preferencia no hagas el rostro. La idea del ejercicio es que domines las transiciones de luz y sombra. Eso no solo será útil para la figura humana, también es aplicable para varios tejidos, y celajes.



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Envíame un correo con el dibujo que hayas hecho: mundoartevalor@gmail.com

Teodoro Núñez Ureta, y la historia de un mural.


En el año 1951 se le encargó al maestro Teodoro Núñez Ureta la ejecución de un mural en el Colegio Militar Francisco Bolognesi que recreara la historia de los héroes nacionales. Él, como historiador, concibió el termino de heroísmo como la "historia de la resistencia", de la perseverancia y la lucha por la libertad, y en esa historia no podía estar ausente la historia prehispánica. Entonces, ahí vino el reto. Tuvo que narrar la historia general de los peruanos en un espacio reducido de 8 metros de largo por 3.10 metros de alto. Y de protagonista principal de esa historia puso a la "Madre Patria", mujer mestiza, con los brazos abiertos, abrazando con amor la historia y vida de su pueblo.


Idea alternativa para la Madre Patria, en tinta china. 

La mujer mira hacia nuestro futuro, no al espectador. Esa concepción resultó muy incómoda a los militares, ya que los héroes, que debieron ser los protagonistas, están en calidad de miniaturas. Tupac Amaru se ve sobre-dimensionado, como un semidiós, hijo del Sol con alguna digna hija de la tierra. El otro superhombre es "Manco Inca", guerrero protector de Huascar, que al verlo asesinado por el general Quisquis, bajo las ordenes de Atahualpa, vio en Francisco Pizarro a uno aliado. Después se dio cuenta del engaño, su rebelión y redención fue tardía, aunque casi logró expulsar a los españoles del Cuzco. Lo asesinaron por ordenes de Alonso de Toro, Teniente Gobernador de Cuzco, delante de su hijo, Titu Cusi Yupanqui, quien escuchó de su padre: "No te dejes engañar con sus melosas palabras, son todas mentiras, si tu les crees te engañarán como lo hicieron conmigo".  - En otra versión se dice que ese personaje es Cahuide (Quispe Tito) que luchó contra los españoles en defensa del Sacsayhuamán. Tal mérito fue su bravura que Hernando Pizarro ordenó que lo capturaran con vida, unos dicen que como trofeo, otros como reconocimiento a su arrojo en la batalla. Cuando vio que la intención era darle captura, se tapó el rostro con su manto y se arrojó desde lo alto del torreón de piedra que defendía. También puede simbolizar las dos cosas, la rebeldía ante la invasión. Pero el detalle de brazo que se alza con el manto da más la idea de Cahuide.



Un dato curioso, pero lógico, es que en el primer plano no están los guerreros, mas si los trabajadores, esos eternos que con su oficio y arte sostuvieron la economía de las naciones, o los imperios, con toda la parentela, incluyendo a los artistas y bufones, sin importar si era un Inca, de los tantos hijos del Sol, la familia del Rey de España, o quien sea. Ahí están los alfareros, tejedores, campesinos, talladores; todos a la espera de un futuro más prometedor, sin guerras ni explotaciones.

Adelante de todos, y de todo, está ese muchacho que nos mira de frente, con sus ojos grandes, serenos, sin ese gesto que se graba con los años y que nos caracteriza en un resumen de lo que somos en virtudes y defectos. Ese, es el hijo de nuestra "madre patria", mujer amada por su pueblo, y burlada miles de veces por aquellos que se hacen llamar "los padres de la patria".

El mural nos habla de un futuro que podemos formar, donde los jóvenes no olviden la importancia de la libertad y el amor al trabajo.

Estudio alternativo para el "hijo de la madre patria"


Estudio anatómico previo, en sepia y creta blanca.

Manuel A. Odría mandó a tapiar ese mural por ser ofensivo a nuestros héroes nacionales, [1]  pero, secretamente unos militares amigos de Teodoro Núñez Ureta (posiblemente masones) lo hicieron con cal blanda apagada, llamada "mezcla pobre" por tener más arena de la debida, y como su periodo de secado fue diferente al del mural la cohesión entre ambos nunca se dio, y años después, en el primer gobierno de Fernando Belaúnde Terry (1963-1968), con la ayuda de la compañía de bomberos y la mirada del propio Teodoro Núñez Ureta, la capa pobre de cal fue removida con chorros de agua, entre las risas y el asombro de los bomberos que vieron intacto el polémico mural.

Después, el año 1979, un terremoto de 6.2 de magnitud, en la escala MM, creó unas fisuras pequeñas, esta vez la restauración estuvo a cargo de su hijo mayor Teodoro Núñez Rebaza, quien recibió las pautas de su padre para los debidos retoques.

 Fisura superior (año 2012)


Estado actual del mural, detalle de Tupac Amaru (año 2012)

Sin embargo ese sismo fue la crónica de una muerte anunciada, desde un punto de vista estructural, ya que el muro mostraba claramente un debilitamiento, dibujo infernal de grietas que en el terremoto del 23 de Junio del 2001 darían por resultado el actual estado del mural: placas desmoronadas, grietas abiertas, cavidades internas que separan al intonaco del soporte, y un estado endeble y peligroso no solo para el mural, también para la integridad del edificio en si. En buen castellano: "un terremoto más y nada quedará", solo el recuerdo, y unas caras largas de unos fulanos que entre ellos se quitarán "sus culpas" (¿Han visto como los monos se quitan las pulgas entre ellos? así son los políticos)

Ciudadela inca, detalle (año 2012)

Solución:

La paleta de Teodoro Núñez Ureta era la siguiente (para sus pinturas al fresco)


  1. Amarillo de cromo (en muy pocas cantidades, y sin mezcla)
  2. Tierra puzolana
  3. Negro de Marfil
  4. Ocre amarillo
  5. Rojo de cadmio medio (el claro queda descartado por su poca resistencia a la luz, lo mismo va para el amarillo de cadmio)
  6. Rojo de Venecia
  7. Siena natural
  8. Siena tostada
  9. Sombra natural
  10. Sombra tostada
  11. Tierra verde
  12. Oxido de cromo (usarlo sin mezcla)
  13. Azul cobalto
  14. Azul ceruleo
  15. El banco es la cal hidráulica apagada disuelta en agua.  

Procedimiento Pictórico:

Arriccio: La primera capa es el muro en si, y sobre el va el arriccio, que es una mezcla de arena y cal, y en ocasiones se refuerza con cemento puzolánico:

  • Dos de arena
  • Una de cemento puzolánico
  • Una de cal, o simplemente dos de cal y dos de arena. Lo importante es que el muro esté bien húmedo. 

Intonaco: Segunda capa compuesta de:

  1.  tres de cal, una de polvo de mármol y una de arena fina (muy bien lavada) 
  2. También puede ser de: tres de cal hidráulica apagada y una de arena fina 

Enlucido: Que es la tercera y última capa, se conforma de cal hidráulica fina (tamizada en malla fina), otros le agregan un poco de polvo de mármol (tres da cal por una de polvo de mármol), sin embargo hay gente que no utiliza el intonaco.

Sobre la capa final, intonaco o enlucido, se pinta al "fresco", de ahí viene su nombre, ya que si se pinta sobre la cal fraguada el pigmento caerá en polvillo. La pintura es simplemente pigento disuelto en agua, que puede ser reforzado con un poco de cal fina para ayudar en la cohesión. Para los retoques finales se le puede agregar al pigmento algo de goma arábiga, pero lo recomendable es ya no pintar una vez que el muro "pierda su frío". Es indispensable la humedad para la permanencia de los colores. Si no se acabara de acuerdo a los deseos del pintor, o el restaurador, lo mejor es remover con cuidado y empezar de nuevo.

Ingeniería:

El estado actual del mural lo hace vulnerable a una destrucción total, en el que esos futuros restauradores harán de armadores de un rompecabezas casi imposible de terminar, y que a pesar de esos esfuerzos nunca se llegará al resplandor inicial.

He hablado con el ingeniero Carlos Benavente, que de amigo me ha dado las siguientes pautas:


  1. Crear una malla estructural de acero, y ese acero hay que recubrirlo de fibra de vidrio con resina epóxica para evitar su oxidación en el futuro.
  2. Sujetar ese tejido acerado a un marco hecho de dos columnas y dos vigas. Las columnas le darán rigidez al mural evitando así su derrumbamiento. Todo ese proceso se debe realizar en la parte posterior del mural, donde actualmente funciona la cocina del Colegio Militar Francisco Bolognesi.
  3. En el primer piso se debe alzar un segundo muro en el que se hará una réplica exacta del mural, bajo la misma técnica, aunque según Alonso Núñez Rebaza la mejor técnica, para esa réplica, sería la pintura acrílica, y sobre un fondo de madera aglomerada de fibra dura.
  4. Sería como una "H" gigantesca. La parte superior de esa H sostendría al original, y la inferior a la réplica.

Si se quiere restaurar el mural original hay que pedirle permiso y asesoramiento a la UNESCO. Hay que sacar muestras de las capas que se emplearon para el mural, deducir las cantidades exactas y hacer ensayos fuera del mural para saber las proporciones de colores empleadas.

Pero lo que se deba hacer de inmediato es el trabajo de ingeniería para evitar un posible derrumbamiento.

Pido a las autoridades del Estado peruano que no dejen que se "caiga" - literalmente - la historia del Perú. No tratemos de manera irresponsable, con dejadez, el legado que nos dejó el maestro Teodoro Núñez Ureta.

Gracias de todo corazón. Yo se que harán algo, y que la burocracia será una arma filuda para que esto se haga deprisa. ya han pasado muchos años, y hasta ahora la suerte nos ha acompañado.

Todas las autoridades: El INC, el Gobierno Regional, el Municipio ( en la época de Simón Balbuena) fueron notificadas. Y de seguro que el expediente está traspapelado. Ya que di todas las pautas, que aquí las resumo, al detalle.

Pueden pedir asesoramiento a la casa Kremer: http://kremer-pigmente.de/es . Esa empresa le proveía de materiales de Teodoro Núñez Ureta, al igual que Lefranc: http://www.lefranc-bourgeois.com/.

También pueden hablar con la UNESCO http://www.unesco.org/new/es/culture/.

Yo no tengo las relaciones, ni el dinero para realizar esa restauración, pero tengo el conocimiento y puedo colaborar en lo que las autoridades me soliciten.

El equipo ideal estaría formado por Alonso Núñez Rebaza, Evaristo Callo Ancco, Darío Callo Ancco, Ronald Companoca, y este servidor, Salvador Núñez. Sin embargo me someto a las pautas que pudiese dar la UNESCO, que tienen amplia experiencia en este tipo de restauraciones monumentales.


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[1] Olvidando que los héroes, no importando su nacionalidad, siempre lucharon por su pueblo y sus causas justas, nunca por sus gobernantes, muchas veces traidores y poco consecuentes con sus promesas.

Comparte esta información con tus amigos, te lo pido con humildad y fe. 



Homenaje a Teodoro Núñez Ureta en la Municipalidad de Miraflores de Lima. El que recibe la distinción es mi tío, el Sr. Alonso Núñez Rebaza.

Retrato a lápiz, sus ventajas para el estudio.

Diana, mi hija - por Salvador Núñez

La maravilla del lápiz es que su trazo es controlado, y no como el carbón que es más brumoso y caprichoso en su avance. Para el motivo de hacer estudios es conveniente usar un lápiz 2B, que no es ni muy duro, ni muy blando, es ideal.
No intentes representar el claro oscuro de manera descontrolada, poco meditada, mira las sombras y plasma con calma "lo que miras", paso a paso, por eso es que el lápiz es insuperable para esa clase de estudios. La tinta china también es controlada, pero el contraste radical entre el papel y su negro intenso intimida al principiante. El carbón responde bien a la presión y tiene tonalidades medias muy hermosas, pero su blandura más se parece al pincel, por ello conviene saber como avanzar con él, y requiere más práctica.

Mira con respeto a ese humilde instrumento de dibujo: el lápiz grafito, y recuerda que con ese material se han hecho maravillas, desde los dibujos académicos del romanticismo hasta  de trazos resueltos y en movimiento de Daumier.